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Analista Cinematográfico y de Música Clásica.

miércoles, 16 de agosto de 2017

The Dark Tower

“There are other worlds than these”

“The Dark Tower” es una de las obras más complejas y enrevesadas de un autor ya de por sí prolífico como es Stephen King, por lo que estamos ante una saga de libros que incorpora temas de múltiples géneros, incluyendo la fantasía, la fantasía científica, el terror y el western; y la componen 8 novelas:
“The Gunslinger” (1982), “The Drawing Of The Three (1987)”, “The Waste Lands” (1991), “Wizard and Glass” (1997), “The Little Sisters Of Eluria” (1998), “Wolves Of The Calla” (2003), “Song Of Susannah” (2004), “The Dark Tower” (2004), y “The Wind Through The Keyhole” (2012)
Originariamente, cada libro fue publicado con ilustraciones a todo color que fueron realizadas por un único ilustrador, por libro; y esta curiosa mezcla de géneros, pasada por el tapiz de la imaginación de King, es lo que le dan a esta saga, una personalidad propia.
A medida que fue avanzando, “The Dark Tower” se convirtió en la columna vertebral del universo literario de King, en el que casi todas sus obras están interconectadas de alguna manera; por lo que la saga describe a un pistolero y su búsqueda de una Torre, cuya naturaleza es tanto física como metafórica; físicamente, La Torre tiene 182 metros de altura, se encuentra en la tierra oriental conocida como End World, está rodeada por un campo llamado Can'Ka No Rey, y está unida por 6 vigas que se extienden a las esquinas de la tierra, y son vigiladas por 12 bestias en cada extremo.
En la historia, Roland Deschain es el último miembro electo de una prestigiosa orden de caballería, conocida como “Gunslinger” y el último de la línea de Arthur Eld, el análogo del mundo del Rey Arturo; él también es llamado Roland de Gilead o Roland de Galaad, y es hijo de Steven Deschain, nació en la Baronía de Gilead, en Mid-World.
Roland, es el último pistolero sobreviviente, un hombre cuyo único objetivo es encontrar y subir hasta lo más alto de La Torre Oscura, la cual se supone es el mismísimo centro de existencia.
Esta búsqueda, es la obsesión, la monomanía y el “geis” de Roland; tanto que el éxito de la búsqueda, es más importante que las vidas de su familia y amigos.
Él es un hombre al que le falta imaginación, y esta es una de las razones establecidas para su supervivencia, contra viento y marea, y no puede imaginarse nada más que sobrevivir para encontrar La Torre.
Políticamente organizada entre las líneas de una sociedad feudal, la historia comparte características tecnológicas y sociales con el viejo oeste de EEUU, pero es también mágica.
Muchos de los aspectos mágicos, se desvanecieron de Mid-World, pero quedan restos, al igual que reliquias de una sociedad tecnológicamente avanzada.
Así, la búsqueda de Roland, consiste en encontrar un legendario edificio que dicen es el centro de convergencia de todos los universos.
Se menciona que el mundo de Roland, se ha “movido”, y parece estar destruyéndose.
Poderosas naciones fueron eliminadas por la guerra, ciudades enteras y regiones desaparecieron sin rastro, y el tiempo no corre en forma normal.
En ocasiones, incluso El Sol se eleva por el norte, y se oculta en el este...
Cuando la serie inicia, los motivos, objetivos y edad de Roland, son poco claros, aunque durante su desarrollo se van iluminando estos misterios.
En su viaje, Roland conocerá a un gran número de amigos, como de enemigos:
Por ejemplo, Jake Chambers, es un niño de 11 años del New York de 1977; es el hijo simbólico, y luego adoptado de Roland.
En su mundo natal, muere a manos de Jack Mort, quien Jake inicialmente piensa que es Walter; y termina en el mundo de Roland como resultado.
El pistolero y el niño, viajarán juntos en persecución del Hombre de Negro, desarrollando una fuerte unión a lo largo del camino.
En la mayor parte del recorrido, Roland es acompañado por un grupo de personas que unidos con él, forman el Ka-tet del 19 y 99, consistente en:
Jake Chambers, Eddie Dean, Susannah Dean, y Acho.
Y entre sus muchos enemigos, se encuentran:
El Hombre de Negro, y El Rey Carmesí.
La serie “The Dark Tower”, se inspiró principalmente en el poema “Childe Roland to The Dark Tower Came”, de Robert Browning, cuyo texto entero fue incluido en el apéndice del volumen final.
Pero King también identifica a:
“The Lord Of The Rings”, la leyenda arturiana, y el filme “Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo” (1966) como inspiraciones.
Identifica al personaje del Hombre Sin Nombre, de Clint Eastwood, como una de sus mayores inspiraciones para el protagonista, Roland Deschain.
Así, el estilo de King en cuanto a los nombres de los lugares en la serie, como Mid-World, y su desarrollo de un idioma único abstracto del nuestro, “Alta Lengua”, son también influenciados por el trabajo de J.R.R. Tolkien.
De hecho, Stephen King creó un idioma para sus personajes.
Ejemplo de este idioma, incluyen “Ka-tet”, que es un grupo de personas unidas por el destino.
Este término se originó en la mitología y narración de cuentos egipcia, y ha aparecido en varias novelas y obras de teatro desde 1976.
También aparece en la historia corta de King, “Hearts In Atlantis”, por lo que King ha descrito la serie, como su “magnum opus” o “gran obra”
Además de las 8 novelas que componen la serie propiamente dicha, las cuales suman un total de 4.250 páginas; muchos de sus otros libros se relacionan con la historia, introduciendo conceptos y personajes que entran en escena a medida que la serie se desarrolla; y una vez que la serie fuera terminada, una serie de cómics precuela, le siguió.
Por tanto, la saga se completa con libros dispersos de la bibliografía de Stephen King, algunos de ellos escritos desde antes de que el autor escribiera la primera entrega de “The Dark Tower”
En algunos casos, se trata sencillamente de que King recicló algunos personajes de novelas ya escritas, y los reutilizó en “The Dark Tower”
Es el caso del Padre Callahan, uno de los personajes más interesantes de la mítica “Salem’s Lot”, que era sólo la 2ª novela de King; que se convierte en uno de los grandes protagonistas de la saga de “The Dark Tower”, 28 años después.
En otros casos, este reciclaje parece más intencionado o planeado.
Por ejemplo, Randall Flagg es el villano de “The Stand” de 1978, 1990 en su versión extendida; sobre un holocausto vírico.
Flagg, aparece en al menos 9 novelas de King, entre ellas, varias de “The Dark Tower” como Walter O’Dim, alter ego de Flagg.
Así, las menciones se prolongan hasta libros tan recientes, como “Under The Dome” o “22/11/63”, y no parece que la cosa vaya a parar… pues es la forma de King, de mantener viva la llama de una saga que cerró definitivamente en 2012; y que pretende ser su obra más ambiciosa; y para ello intenta recrear un origen fantástico y mitológico de los EEUU como hicieran los clásicos de La Antigua Grecia, para conseguir el motivo identitario y distintivo, respecto al resto del mundo.
La adaptación cinematográfica de “The Dark Tower”, llega a los cines 35 años después de la publicación de la primera de 8 novelas; una épica aventura desarrollada entre La Tierra y mundos paralelos, pero en síntesis, no es más que otro recuento acerca de la eterna lucha entre El Bien y El Mal.
“You can't stop what's coming.
Death always wins”
The Dark Tower es una película de fantasía y ciencia ficción, del año 2017, dirigida por Nikolaj Arcel.
Protagonizada por Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor, Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz, Claudia Kim, Michael Barbieri, José Zúñiga, Alex McGregor, Dennis Haysbert, entre otros.
El guión es de Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel, y Anders Thomas Jensen, basados en la novela homónima de Stephen King, sobre un adolescente con poderes síquicos, que en sueños, logra hacer contacto con otros mundos donde lucha El Bien y El Mal, uno con el objetivo de destruir una Torre que protege al universo de la maldad.
Basada en una serie de 8 novelas de Stephen King que comenzó a escribir en 1982, la película logra resumir la trama en 90 minutos.
Se dice que Stephen King vendió los derechos cinematográficos de “The Dark Tower” a tan solo $19.19, el 19, es un número importante y recurrente en el libro; y originalmente fue planeada para ser dirigida por J.J. Abrams, después de su éxito con la serie de televisión, “Lost” (2004)
Después de que Abrams retrocedió, Ron Howard se unió al proyecto, hasta que los derechos fueron para Nikolaj Arcel.
Así, la historia comienza donde los libros terminarán, técnicamente…
Estamos en un mundo moribundo, un paisaje del viejo oeste, donde el tiempo no corre de forma normal, donde ciudades y regiones enteras desaparecieron sin dejar rastro...
El pistolero, Roland Deschain de Gilead (Idris Elba), es el último miembro de una orden de caballería denominada “Gunslinger”, que inicia la búsqueda de un edificio mitológico, conocido como “The Dark Tower”, que según cuenta la leyenda, esta Torre es el centro de convergencia de todos los universos.
Roland, es solitario, quizá maldito, y anda sin descanso a través de un paisaje triste y abandonado, y con la esperanza de llegar hasta The Dark Tower, Deschain emprenderá un viaje que estará plagado de peligros y complicaciones, mientras lucha por su objetivo en un mundo que sigue destruyéndose, será perseguido por Walter Padick, “El Hombre Negro” (Matthew McConaughey); y en su travesía, el joven Jake Chambers (Tom Taylor), ayudará a Deschain en su importante misión.
Ambos serán la última esperanza de la humanidad para salvar la civilización.
Cuando conoce a Jake, un chico de New York, pero venido de otro tiempo, ambos unen sus destinos; y ante ellos están las montañas... y mucho más allá, “The Dark Tower”... un anhelo que no se sabe muy bien, si es un edificio real o una metáfora, por lo que The Dark Tower es un relato lleno de misterio y ambigüedades, y que se tiene pensado convertir en una saga de varias películas, y una serie de televisión complementaria; por tanto, supongo que esta es la introducción a un universo donde acá solo nos presenta a los personajes que se desarrollaran próximamente, pues durante el metraje, quedan muchas dudas, sobre todo lo que concierne al otro mundo, y a los personajes centrales.
Así, está destinada a lanzarse como una franquicia de cine y televisión, cuya primera entrega combina elementos de varias novelas de la serie de 8 volúmenes, y tiene lugar tanto en la ciudad moderna de New York, como en Mid-World, el universo paralelo de Old West de Roland.
The Dark Tower también sirve como una secuela canónica de la serie novelística, que concluye con la revelación de que la búsqueda de Roland es un ciclo cíclico; la presencia del Cuerno de Eld, que Roland lleva en la película, indica que este es el próximo ciclo, etc.
Pero todo es tan extenso, que quedan lagunas argumentativas que pasan alta factura.
“You're gonna like Earth.
A lot”
Antes de que comenzar la producción de esta película, la historia llevaba más de 15 años tratando de salir a la luz.
El plan inicial, en cuanto al formato, era una auténtica locura:
Hacer una trilogía de películas, y 2 series de televisión que completarían huecos entre los films… eran los tiempos de la trilogía “Matrix” y su no del todo muy conseguida interacción entre medios audiovisuales, para dar pie a una historia gigantesca.
Y esta es infinitamente más complicada que “Matrix”, desde luego.
Por lo que se proyectó para 2013, pero finalmente Universal retiró su apoyo financiero, incapaz de aceptar los requerimientos del entonces director:
Ron Howard, que pronto se hizo de la producción; y dejó la dirección al danés Nikolaj Arcel, quien confeso ser un lector obsesivo de King, y afirmó que aprendió el idioma inglés, cuando era adolescente, para leer sus libros en su idioma original.
Cómo será de parecida esta adaptación con la obra original, es una de las preguntas que más se han hecho los fanáticos; por eso, el productor Ron Howard explicó que el guionista Akiva Goldsman, convenció a Stephen King para introducir el Cuerno de Eld, una reliquia legendaria, al principio de la historia, alterando así el orden que presentan los libros:
“Akiva sabía que Stephen nos permitiría usar elementos de las novelas en una nueva combinación, para ceñirnos a la verdadera esencia de las novelas, pero también para equilibrar y enfocar la narrativa a la gran pantalla”, ha explicado Howard.
Brian Grazer, el otro productor de la película, dice de los cambios que “son más económicos, y nos han forzado a centrarnos en las escenas que marcan el pulso de la historia”
Más adelante, el director Nikolaj Arcel, aclaró que en realidad, The Dark Tower es “una continuación canon” que funciona como secuela de la 7ª y última novela de la saga “The Dark Tower”
¿Cómo se toma todo esto?
Los productores han afirmado, que The Dark Tower se centra mucho más en la relación entre Roland y el joven Jake, que los libros... por lo que la aportación de Stephen King al guión, consistió sobre todo en recortar diálogos de Roland.
“Cuanto menos diga mejor.
Idris puede actuar con su rostro.
Roland es el héroe del oeste, fuerte, silencioso”, ha afirmado el escritor.
Así, la historia habla de la lucha entre El Bien y El Mal en el Mid-World.
El Bien lo representa Roland Deschain, “The Gunslinger”, que está en busca de Walter O’Dim, por cuestiones de venganza...
El objetivo de Deschain, es proteger La Torre que se sitúa en el centro del universo, y protege a los mundos de las influencias del Mal.
Se supone que sólo el espíritu de un niño puede derrumbarla, y así, O’Dim, también llamado “El Hombre de Negro”, busca y secuestra niños de todos los universos, para hacer ciertos experimentos con estos.
Pero la historia no es realmente la historia del “hombre del revólver”, y El Hombre de Negro, a pesar de que estos ocupan los papeles principales; es la historia del joven Jake Chambers, que vive en nuestro mundo, teniendo pesadillas acerca de las batallas efectuadas entre Deschain y O’Dim.
Desde una primera visión, tenemos una historia en el mundo real, la de Jake.
Este debe lidiar con situaciones en su hogar, y en su cabeza.
Por otro lado, vemos lo que ocurre entre El Hombre de Negro y El Pistolero.
El hechicero, tiene un propósito que envuelve a Jake, pero de una fantástica manera, este cae en manos del pistolero, y este se convierte, de la noche a la mañana, en su protegido.
Los dibujos y sueños de Jake, mágicamente son los acontecimientos que ocurren en la historia.
Este descubre portales, y se escapa de situaciones de las maneras más increíbles y a la vez inverisímiles, aun siendo testigos de una adaptación fantástica, el factor credibilidad que es tan importante en estas historias, está ausente desde su presentación... y esta mezcla de escenarios sin coherencia, es tan solo uno de los grandes problemas que The Dark Tower presenta; pues la historia está luchando dramáticamente por salir adelante, forzando al espectador a creer en los motivos de sus 3 protagonistas… sin ninguna base.
Cabe señalar, que el protagonista es Jake Chambers, un joven traumado por la reciente muerte de su papá, que sufre de pesadillas con El Pistolero, El Hombre de Negro y La Torre.
Jake posee un don mental, que ayudaría a Walter a derribar La Torre…
Técnicamente, la película cumple, pues los efectos visuales especiales son suficientes sin parecer un comic, y eso ya es mucho, pero no aporta nada nuevo al género.
Siendo muy riguroso, The Dark Tower es bastante convencional en la propuesta:
El camino del héroe, la lucha entre opuestos, los poderes especiales, y el combate final.
Pero como cité, hay muchas lagunas argumentativas.
Por lo que sirve como una película genérica, en un escenario a medio cocer, no muy diferente a otras conocidas franquicias en la que los jóvenes protagonistas descubren su conexión con un mundo fantástico oculto, a manos de un tutor.
La dirección de Nikolaj Arcel, tampoco sirve de contrapeso a todas las faltas…
Su manejo de la acción, carece de visión e imaginación, y todo se muestra de manera ya vista.
Del reparto, Idris Elba hace de Idris Elba, sin aportar nada más allá de ser un diestro vaquero/pistolero.
Mientras Matthew McConaughey se luce con un personaje bastante destacable, el villano de la película, poderoso y letal, fuerte, pero le hizo falta algo en la caracterización para que sea notable y perdurable.
McConaughey da vida al Hombre de Negro, un personaje que ha tenido diversas identidades en la obra literaria de Stephen King; y curiosamente, unos años atrás, el actor ya había sido propuesto para protagonizar “The Stand”, donde hubiese interpretado también a Randall Flagg.
Pero como Flagg es un personaje que puede cambiar de apariencia, se relaciona también con El Hombre de Negro, que es el primer villano que interpreta Matthew McConaughey en su carrera, aunque el actor considera que su personaje “no es más que un hombre, alguien encargado de sacar a la luz todas nuestras hipocresías”, y no El Diablo mismo.
Por su parte, el protagónico recayó en Tom Taylor, que no está mal en su actuación de niño 100% “kingneano”, con todo su trasfondo típico de los héroes del Maestro del Terror, y lo mejor, no resulta repelente.
La participación del joven intérprete de 15 años, dejó valiosas lecciones para los 2 actores consagrados, que llevan más de 20 años en la industria del cine, y han rodado decenas de películas.
Por su parte, Elba aprendió de Taylor a tomarse las cosas con calma; mientras que McConaughey recordó la importancia de vivir todas las experiencias como si fueran las primeras; inclusive se agradece la participación de Jackie Earle Haley, en algunas escenas.
Y como no podía faltar, la firma de Stephen King en The Dark Tower, es inconfundible:
Hay un niño con poderes sobrenaturales, víctima de “bullying”, sobre todo después de la muerte de su padre, lo cual le da una membrecía directa al club de los perdedores de Stephen King…
El escritor repite esta fórmula en muchas de sus historias, en donde un niño o niños, tienen estas características.
De alguna forma, son abusados, y no encajan dentro de la sociedad, tomamos por ejemplo “IT”, “Stand by Me” o “Carrie”
Sin embargo, se agradece que The Dark Tower aporte los guiños a la inmensa obra de Stephen King, no solo en el diálogo, sino también en algunas escenas donde podremos ver desde “Cujo” a las gemelas de “The Shining”, de hecho, El Dr. Hotchkiss (José Zúñiga), el psiquiatra de Jake, tiene una foto en su oficina del Hotel Overlook, de “The Shining” y se puede ver el coche de “Christine”, como el juguete empujado por Jake en su habitación.
También, cuando el Gunslinger está luchando contra El Hombre de Negro en la tienda de armas, se puede ver el cartel de Rita Hayworth; esto es un guiño a la novela “Rita Hayworth and The Shawshank Redemption”; o cuando Jake está vagando por el bosque, se tropieza con un paseo de carnaval con el nombre de “Pennywise”, que es el principal antagonista en la novela de Stephen King, “IT”
Si algo le podemos achacar, es que no solo el guión es más confuso que una clase de pre-cálculo, sino también que ignora el desarrollo de la mayoría de los personajes en el filme.
El personaje más desarrollado es Jake Chambers, de quien sabemos bastante gracias al primer acto del filme.
Esta parte del film, toma lugar en New York, contrario a la mayoría de la película, y nos muestra la vida cotidiana de Chambers; un niño que tiene sueños extraños, que él cree que realmente son visiones.
Esto lleva a que sus padres, y todos los chicos de la escuela, crean que él está loco, y que todo esto se deba al hecho de que Chambers perdió a su padre...
¿Cliché/estereotipo?
Usted decide,
Mientras que en los libros, Roland Deschain es de raza blanca, en el film es Idris Elba quien le da vida.
El actor ha dicho al respecto, que cree que es “un signo de los tiempos, en cuanto a una sociedad sin colores.
La gente piensa:
“Un buen actor es un buen actor”, ¿sabes?”
Por su parte, Ron Howard, productor del filme, afirma que “Idris aporta la combinación crucial de peligrosidad arrolladora, un carisma silencioso, un trasfondo complejo, nobleza y un estilo atemporal”
Pero supongo que la imposición de Elba es la cuota racial en Hollywood ha de cumplirse a rajatabla, pareciendo que no seamos lo suficientemente sensatos como para rechazar el racismo sin la participación hollywoodiense.
Aparte de él, el guión falla en desarrollar al resto del elenco.
Aunque si nos da pequeños vistazos a lo que era la vida de Roland, antes de lo ocurrido en el filme, falla en darle una motivación al personaje.
¿Por qué es tan importante para Roland salvar La Torre?
¿Quién sabe?
¿Por qué La Torre es Oscura, y lo más importante, quién la hizo?
Igual ocurre con El Hombre de Negro, de quien no sabemos absolutamente nada, salvo el hecho de que es un mago súper poderoso y malévolo.
¿Pero por qué quiere destruir La Torre?
Mejor le preguntamos a Stephen King... si responde en 140 caracteres de twitter.
Por desgracia, el significado de The Dark Tower está aquí olvidado por completo.
El mundo post apocalíptico creado por Stephen King, pasa a un segundo plano para enfocar sus fuerzas en pobre secuencias de acción, y el tratar de forzar la empatía de su supuesto héroe, con un ridículo credo.
En tiempos de franquicia y universos compartidos, las referencias a otras películas de adaptaciones de los libros King, son infinitas; todas coinciden en algo importante:
El público debe identificarse, para bien o mal, con alguno de sus personajes o secuencias; y en The Dark Tower, el sentimiento es nulo; pues carece del ambiente épico que King intenta recrear en los libros, la atmósfera post apocalíptica del Mid-World, mezclado con la rutinaria realidad neoyorquina, etc.
Y como postre, al final, en la obra literaria, Jake Chambers muere en la búsqueda del Hombre de Negro, cuando se rompen las vías sobre las que iban, y se logra sostener apenas de una de ellas, y se tira al final, ya que Roland no se decidió si salvar al chico, y perder su oportunidad de alcanzar al Hombre de Negro, y La Torre; sin embargo, Jake es revivido por un regreso al pasado de Roland, y finalmente muere en el 7º libro al salvar al mismísimo Stephen King de morir atropellado en Maine.
“The Dark Tower is up at the centre of the Universe.
The Tower protects our world from chaos and death.
If it falls, Hell will be unleashed”
La saga de “The Dark Tower”, es posiblemente una de las más ambiciosas de la literatura, no tanto por su amplitud en números de páginas, como por su amplitud de temas; que mezclando diferentes géneros y estilos, es una saga que trata sobre el poder de las historias, y el poder de la literatura.
Es también el centro alrededor del cual gira toda la obra de King, que tras terminarla, sentía que ya había contado todo lo que tenía que contar.
Esto quizás explica que las novelas publicadas después de “The Dark Tower” fuesen bastante flojas, si las comparamos con su obra anterior.
Pero esta serie se ha transformado en un eje que une a gran parte del conjunto de obras de King; es decir, los mundos de “The Dark Tower” están, en parte, compuestos por lugares, personajes, eventos y otros varios elementos de muchas de las novelas y relatos de King; por lo que muchos de sus otros trabajos se conectan con esta serie, en diferentes grados.
Así, los libros que abarcan todo un universo conectado que enlaza varios otros libros e historias de Stephen King, incluyen:
“Bag Of Bones”, “The Talisman”, “Black House”, “The Stand”, “Everything's Eventual”, “From a Buick 8”, “Hearts in Atlantis”, “Insomnia”, “The Eyes of the Dragon” y “'Salem's Lot”, con referencias menores a:
“IT”, “The Mist” y “The Shining”, por citar algunas obras, pero cinematográficamente, en lo que respecta a las adaptaciones, tienen todos los actores destacados de la serie de “Star Trek”, vaya curiosidad...
Pero para la mayoría de los fanáticos de las novelas de Stephen King, que me cuento, principalmente “The Stand” y “The Dark Tower”; El Hombre de Negro es una encarnación del Walkin ‘Dude, también conocido como Randall Flagg.
Walter O'Dim, conocido como El Hombre de Negro, es revelado como el alias Randall Flagg, que causó los acontecimientos en “The Stand”
La 4ª novela de “The Dark Tower”, “Wizard and Glass”, involucra a Roland y su ka-tet, viajando al mundo en el que tiene lugar “The Stand”
El padre Callahan, el sacerdote católico de “Salem's Lot”, aparece en los últimos 3 libros de la serie.
El último libro, cuenta con apariciones de Ted Brautigan, el personaje en “Hearts in Atlantis”; y Dinky Earnshaw, el personaje en “Everything's Eventual”
Otro personaje del libro final, Patrick Danville, aparece por primera vez como un niño pequeño en la novela “Insomnia”, que no ha sido filmada.
Así, el universo alternativo en el que tienen lugar las novelas de “The Dark Tower”, es también el escenario de “The Talisman” y su secuela, “Black House”
En “The Mist”, hay un cartel de una película ficticia basada en “The Dark Tower”, que se puede ver en la casa de David Drayton; y aparece cuando Drayton está haciendo una foto de Roland Deschain.
En esta película, también hay guiños; como el código para el portal para volver al pueblo era 1408, el título de otra historia de Stephen King.
En definitiva, queda saber si hay secuela de The Dark Tower, lo que es más probable, pero la película acaba bien.
Recordar que Stephen King escribe para niños y adolescentes, por lo que este filme tiene a ellos como público meta, y con un mensaje que cae muy bien en estos tiempos.
Pero como obra cinematográfica, The Dark Tower no solo tiene un lamentable resultado, es también una oportunidad perdida para crear algo único, diferente e interesante.

“I do not aim with my hand.
He who aims with his hand has forgotten the face of his father.
I aim with my eye.
I do not shoot with my hand.
He who shoots with his hand has forgotten the face of his father.
I shoot with my mind.
I do not kill with my gun.
He who kills with his gun has forgotten the face of his father.
I kill with my heart”



jueves, 27 de julio de 2017

4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days)

“Cât de mult ai merge pentru un prieten?”
(¿Hasta dónde irías por un amigo?)

Antes de 1967, la política rumana del aborto, era una de las más liberales en Europa; dado que la disponibilidad de métodos anticonceptivos era deficiente, el aborto era el medio más común de planificación familiar.
A través de una combinación de modernización de la comunidad rumana, la alta participación de las mujeres en el mercado de trabajo, y un bajo nivel de vida, el número de nacimientos disminuyó significativamente desde los años 50, alcanzando su valor más bajo en 1966.
Sin embargo, la cantidad de nacimientos principalmente como resultado del decreto emitido en 1957 que legalizó el aborto, para contrarrestar esta fuerte caída de la población, El Partido Comunista decidió que la población rumana debería aumentar de 23 a 30 millones de habitantes; y en 1966, fue impuesta en Rumania, una ley que prohibía el aborto, como política demográfica impuesta por el dictador Nicolae Ceaușescu.
Más de 2 millones de niños nacieron concebidos por orden de Ceaușescu en el plazo de 3 años, miles de ellos fueron abandonados, mientras unas 10.000 mujeres fallecían a consecuencia de abortos clandestinos.
La ley, no se basaba en ninguna oposición religiosa al aborto, sino en la autoridad y control del gobierno sobre sus ciudadanos.
El aborto y la contracepción, fueron declarados ilegales, excepto por:
Mujeres mayores de 45 años, más tarde bajó a 40 años; mujeres que ya habían dado a luz a 4 hijos, más tarde aumentado a 5; mujeres cuya vida sería amenazada por llevar a término el embarazo, debido a complicaciones médicas; y mujeres embarazadas por violación y/o incesto.
Durante los años del Decreto 770, los únicos métodos abortivos disponibles, todos ilegales, podrían resultar fatales para las mujeres, causando miles de muertes; también se aplicaron sanciones contra la anticoncepción.
Ceaușescu no sólo prohibió el aborto, sino todo tipo de anticonceptivos, y poco más o menos, ordenó a cada familia, que trajera más hijos al mundo y al Estado rumano.
Con El Decreto 770 impuso a las mujeres “el deber patriótico de parir la mayor cantidad posible de hijos”
Y con la denominada “ley de continuidad nacional” dictaminó que “quienes no asumen el deber de tener hijos, son desertores de la nación”
En su delirio planificador, el dictador llegó a declarar, que “el embrión humano es propiedad de toda la sociedad”, es decir, del Estado.
Los anticonceptivos desaparecieron de las estanterías.
Todos los embarazos detectados, fueron seguidos hasta el nacimiento.
La policía secreta monitoreaba las operaciones en hospitales.
Y la educación sexual se centró principalmente en los beneficios de la maternidad, incluida la ostensible satisfacción de ser “una madre heroica que le da a su patria muchos hijos”
A las mujeres, les impuso la obligación de someterse en su lugar de trabajo a pruebas mensuales de embarazo, y a entregar justificaciones médicas en los casos en que se constatase “un estado de no embarazo persistente”
Así, el embarazo era controlado por las milicias del régimen, para identificar a las que hubiesen abortado, y denunciar quienes les hubiesen ayudado.
Las infractoras, eran castigadas con la cárcel.
Al intensificarse el control policial, los abortos eran realizados en centros clandestinos sin control ni higiene, y con cuestionables métodos caseros.
Muchos de los niños nacidos bajo “El Decreto”, fueron abandonados, y terminaron viviendo en las cloacas de las grandes ciudades, o fueron recluidos en orfanatos insalubres, donde crecieron en condiciones inhumanas; en aquellos tristes establecimientos, eran abandonados pequeños afectados por las más variopintas enfermedades, El SIDA entre ellas.
En el cine, se conoce como “Noul Val Românesc” o “Nueva Ola Rumana” a una corriente cinematográfica que surgió en Rumania en 2004, que se fijan en el período de finales de 1980, hacia el final del régimen totalitario de Nicolae Ceaușescu, y exploran los temas de la libertad, y la capacidad de resistencia que contaba la dictadura, y profundiza en las formas en que la transición del socialismo al libre mercado y la democracia, han dado forma a la sociedad rumana después de 1989.
Estéticamente, las películas de La Nueva Ola Rumana, están unidos por un estilo austero, realista y, a menudo, minimalista; por otra parte, el humor negro tiende a ocupar un lugar destacado.
Cristian Mungiu, de 49 años, es considerado uno de los más importantes exponentes de esta corriente.
“Ma simt rau.
Nu pot să cred că se întâmplă asta”
(Me siento enferma.
No puedo creer que esto esté sucediendo)
4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) es un drama rumano, del año 2007, escrito y dirigido por Cristian Mungiu.
Protagonizado por Anamaria Marinca, Vlad Ivanov, Laura Vasiliu, Alexandru Potocean, entre otros.
En 1989, con la caída del dictador Nicolae Ceaușescu, quien gobernó durante 24 años, vendrían mejores tiempos para la cinematografía rumana.
En los 80, recuerda Cristian Mungiu, se hicieron películas “falsas, mal actuadas, totalmente inverosímiles, de situaciones estúpidas, y llenas de metáforas”
Lo enfurecían.
“Quise volverme director, como reacción ante ese tipo de cine”
Así nace 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days), basado en hechos reales, un relato de un viejo conocido, ambientada en los últimos años del comunismo en Rumania, y narra los problemas de 2 estudiantes que se enfrentan al embarazo no deseado de una de ellas, en una época en la que el aborto estaba prohibido por la ley.
4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) es la primera entrega de una serie llamada “Relatos de La Edad de Oro”, proyecto englobado en La Nueva Ola Rumana, cuyo objetivo es hablar del periodo comunista, a través de historias sobre las personas que lo vivieron; y cuenta con excelentes recursos cinematográficos, abordando el tema de la sobrevivencia en una sociedad que da miedo, porque siempre hay un par de ojos que no sabes dónde están, pero estás consciente de que te están espiando.
La obra se estrenó en El Festival Internacional de Cine de Cannes, donde fue galardonada con La Palme d’Or y con el premio de la crítica:
FIPRESCI; siendo esta, la primera vez que un rumano gana este premio.
Pero para 2008 en la ceremonia del Oscar, en la categoría de mejor película en lengua extranjera, el premio fue para la austriaca “Die Fälscher”, una entrada muy criticada como convencional y artísticamente inferior a 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days)
Ese sorprendente desprecio, tanto que ni siquiera fuera nominada, resultó en un intenso escrutinio, y ridículo de los premios de La Academia por parte de la comunidad internacional de cine, y finalmente inspiró reformas en el proceso de selección de esa categoría; además, 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) se convirtió en el tema de una cierta controversia sobre la censura, el debate del aborto, y su exclusión de los Oscar; pero se ha considerado recientemente, como una de las películas principales de los años 2000.
Filmada en el otoño de 2005, aquí tenemos una muestra cinematográfica de una crisis humana y social:
La acción tiene lugar en la Rumania de 1987.
Otilia Mihartescu (Anamaria Marinca) y Gabriela "Găbița" Dragut (Laura Vasiliu), son 2 amigas que comparten habitación en una residencia universitaria.
Găbiţa está embarazada, y contacta con Viarel “Domnu” Bebe (Vlad Ivanov), para que le practique un aborto clandestino.
Con ese fin, Otilia se encarga de reservar una habitación en un hotel barato, y posteriormente, se hará pasar por la hermana de Găbiţa, para poder acompañar a su amiga durante el proceso, aún más duro y desolador de lo que en un principio habían imaginado...
En una sociedad tan destruida como la Rumania de los 80, el solo tocar el tema podía llevarte a la cárcel; pero de la película aprendemos que no hay oportunidad de ir a un sitio a hablar, y de esto, y de una posible salida.
Pero es que ni siquiera existen sitios donde puedas ir a comprar un paquete de cigarrillos...
Todo es informal, clandestino, oscuro y trivial.
Con un enfoque muy sencillo, pero con tanto poder en las imágenes, que no estás muy seguro de lo que está sucediendo desde el principio…
Todo lo que sabes, es que estas mujeres tienen este encuentro misterioso, y la película te da un gran sentido, de lo que realmente era vivir en Rumania en la década de 1980.
“Încrederea este vitală”
(La confianza es vital)
De un realismo sobrecogedor, 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) aborda frontalmente el tema del aborto en la Rumania decadente de 1987, y logra trazar a la perfección, en una sola jornada de 24 horas, el retrato psicológico de 2 jóvenes que deben enfrentarse a una dura prueba, dando lugar a la reflexión sobre el contexto político, económico y social de los últimos años de Ceaușescu.
Y la maestría de un director, con un estilo muy depurado, alternando tomas de cámara al hombro ultra-dinámicas que siguen a la protagonista por pasillos, transporte público, etc., y de escenas pausada, muy recortadas, en espacios cerrados y reducidos, esencialmente claustrofóbicas habitaciones, que colocan desde ahora a Cristian Mungiu, como una de las mayores revelaciones cinematográficas.
Según el director:
“El guión se basa en el tipo de experiencia personal que no se suele compartir con otros.
Ocurrió algo inesperado con las personas que leyeron la historia:
También tenían una historia personal de ese tipo que compartir.
De pronto, todos tenían algo que contar acerca del tema.
Y es que resultó ser una historia muy común, que siempre se había escondido entre las sombras.
Hablando con la gente, se descubren sin duda historias realmente horribles.
No se ha usado ninguna en concreto para esta película, tan solo se trataba de entender y dar vida a conceptos muy concretos, y aquí representados”
Situada a mediados de los años 80, la película nos traslada hasta la recta final de una de las más duras dictaduras del siglo pasado.
Líder del Partido Comunista Rumano desde marzo de 1965, Presidente del Consejo de Estado y del país desde 1967, Nicolae Ceaușescu desarrolló una política cada vez más distante de la que mantenía La URSS, y mantuvo la línea leninista de su antecesor, Gheorghiu-Dej, dejando al país sumido en la pobreza y en la más absoluta falta de libertades.
El dictador y su esposa, Elena, serían detenidos, juzgados y condenados a muerte sumaria, el día de Navidad de diciembre de 1989.
Bajo ese contexto histórico, 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) arranca en una residencia, en la que 2 estudiantes de 22 años comparten habitación, un hecho que se presenta mediante una fascinante secuencia de inicio, que le confiere una tonalidad casi documental a la película, y con un ritmo acelerado.
Tras todo esto, el tiempo corre:
La introvertida Găbița, está embarazada, y debe abortar en secreto, una práctica prohibida en Rumania de 1966 a 1989.
La extrovertida Otilia, se hace cargo de los preparativos, el dinero, el alquiler de una habitación en un hotel, en segunda instancia, la cita con la persona que va a realizar el aborto… en un ambiente urbano grisáceo, rozando el cuarto mundo económico, con tráfico, caos, edificios casi derruidos, y de sórdidas amenazas de la policía.
Pero este apoyo femenino y amistoso, no le traerá más que problemas, el aborto no se desarrollará en absoluto como las 2 chicas lo habían previsto.
El médico improvisado, resulta ser un verdadero torturador, que se aprovecha al máximo de la situación de desesperación de Găbița.
Una visión muy negra de la masculinidad, que se puede interpretar también como una metáfora del poder, pero que el cineasta y el guionista prefieren expresar poniendo énfasis en los detalles cotidianos, incluido el aborto en sí mismo, tratado con una precisión quirúrgica; siendo un instructivo viaje al lado más oscuro del hombre, con ritmo de “thriller” y beneficiado con el talento del director de fotografía, Oleg Mutu, que aporta a la película, su atmósfera asfixiante.
Y es que 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) es una película tenebrosa y tensa; es crítica, sin discursos moralistas; es solidaria, con gestos “insignificantes”, y otros que van más allá de la simple comprensión.
El espectador, se ve obligado a participar de las acrobacias de Otilia en un solo día, gracias al acertado tratamiento de los planos largos, la cámara estática, las sombras y la cámara en movimiento, y la intensidad de sus diálogos.
Se siente demasiado real al verlo, sobre todo si tomamos en cuenta los recursos que se usan al construir un guión técnico pesado y difícil de soportar.
Planos secuencia excesivamente largos, y la ausencia de música, nos lleva por un filme que es gris por naturaleza, y en el que todo puede ocurrir.
El plano largo, es otro recurso constante, que ayuda a crear ese clima de tensión y de peligro.
La cámara permanece estática, y el personaje está principalmente solo, frente al peligro.
Como muestra, podemos ver la escena en que Otilia se reúne por primera vez con el abortista, de apellido “Bebe” vaya usted a saber… de ironías.
La cita se da en la calle, en un lugar donde hay poco movimiento.
El auto rojo, como símbolo de peligro de Bebe, está parado, y Otilia se acerca.
El encuentro es peligroso…
Ambos se van a comprometer en un acto ilegal, y en cualquier lugar, alguien los puede estar acechando.
El otro ejemplo lo encontramos cuando Otilia regresa al hotel de noche, y llama a la puerta de la habitación desesperada.
El silencio es aterrador, sus golpes y su voz, que no puede elevarse, son el presentimiento de un peligro eminente.
La cámara está al otro lado del corredor, quieta, captando todo lo que pasa.
Es como una mirada indiscreta en busca de la señal de peligro.
Hay 2 aspectos más, que no podemos olvidarnos:
El primero se refiere a las imágenes oscuras que simbolizan el miedo y la inseguridad; también la cámara en movimiento.
Cuando Otilia camina, y la cámara le acompaña, moviéndose, temblando.
Es el reflejo de ese día agónico, que parece que no tiene fin.
Es difícil imaginar, cómo las 2 actrices se mantienen en tono ante roles tan difíciles de interpretar; pero ese es el talento que los europeos han sabido dominar:
El drama llevado a la realidad de una situación posible y destructiva.
Aunque no se hacen alusiones directas a las cuestiones políticas o ideológicas del país, ni religiosas, la gente sobrevive gracias al eterno mercado negro, y el miedo está estampado en el rostro de la población, como se ve en la escena en la que Otilia toma por primera vez el autobús al emprender su ardua tarea.
Y podemos decir, que la película se divide en 2 partes:
La primera sucede en la residencia universitaria, cuando conocemos a Otilia y a Găbița.
Esta última está en el dormitorio depilándose las piernas, y luego se pone a preparar una maleta; mientras tanto, Otilia, resuelve una serie de asuntos de la vida cotidiana en la residencia.
Esos minutos le son un poco confusos al espectador, pues no se sabe lo que sucede, aunque ayudan a explicar el mundo que le rodea a ambas muchachas.
La segunda parte empieza cuando Otilia sale de la residencia, y camina hacia la parada de bus.
A partir de ese momento, se construye la historia de Otilia, el drama de Găbița, y cumplen un papel importante 3 elementos:
Los diálogos, los planos y el tiempo “real” de las escenas que están mezclados, formando un solo cuerpo.
Al final, la destrucción emocional viene reflejada en Otilia, quien no es la víctima, pero se siente como la más afligida, es casi la espectadora de un cambio de vida del cual nunca tuvo que formar parte, y que sin embargo, lo hace por lealtad a una chica, que podría ser su amiga, pero también podría ser cualquier persona.
La empatía en Otilia, es elevada al martirio.
Otilia está sentada frente a Găbița en el restaurante del hotel donde realizaron el aborto clandestino.
Al fondo se ven las figuras de las personas que participan en una fiesta…
No se escucha ningún ruido, ninguna voz.
Ambas muchachas permanecen en silencio.
Găbița luce más tranquila, y Otilia parece cansada, después de todo, anduvo el día de un lado a otro, enfrentándose a una serie de peligros, sin tener un solo instante para pensar en sí misma.
De repente, ella mira a la cámara, que permanece quieta, y su mirada parece preguntar:
Y ahora, ¿qué...?
Es imposible dejar de analizar la última escena, en la que ambas chicas están sentadas en el restaurante del hotel, pensando en lo que ambas han hecho, y cómo esto les ha cambiado en personalidad y madurez repentina.
Saben que la interacción social, nunca será la misma, y un indicio de esto es la escena de la amiga en el cumpleaños de la suegra, y que lo que hicieron, debe ser olvidado.
Pero al mismo tiempo saben que no podrán hacerlo.
Para la que no está embarazada ya, ha salido de un posible futuro incierto...
Pero para la otra, apenas empieza el camino por un futuro horrible, marcado con tinta indeleble.
La película habla del aborto, pero también habla de la empatía y la amistad.
Găbița se merece la muerte, por mala amiga, por mentirosa, por haber permitido que Otilia diera su cuerpo como pago por un aborto, a sabiendas que probablemente ella quede embarazada por ello… destruyéndole la vida hecha que ella ya tenía, es como si Găbița quisiera vengarse de su amiga, a tal punto que al final, no se hablarán, porque ya no tienen nada en común, que les una.
Găbița es una perra maldita de las mujeres de más baja calaña.
Mientras el tema del aborto, es un pretexto para tocar el tema del miedo y de la sobrevivencia, tanto es así, que desconocemos la historia de Găbița y su embarazo.
No se sabe de quién se embarazó, y por qué quiere abortar.
Ella no se pregunta si es bueno o no el hacerlo; su amiga no le cuestiona en ningún momento la decisión que ya ha tomado y, una vez hecho el aborto, la vida de ambas parece continuar…
Como una forma de reforzar esta idea, hay que mencionar el ambiente oscuro que prevalece en ciertas situaciones que provocan una angustia tanto en Otilia como en el espectador.
La película se distancia de cualquier cuestión ética-moralista, y en ningún momento toca los tabúes religiosos que, en general, perturban a la sociedad; la historia se concentra en el ambiente tenso y tenebroso que le rodea a Otilia, en los peligros que enfrenta, y en los malabarismos que debe hacer para ayudar a su “amiga”, sin que sean atrapadas por las autoridades, pues el aborto es ilegal y ambas podrían ir a la cárcel.
Ante todo, 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) es un filme sobre la Amistad puesta a prueba.
Para rodar este relato, Mungiu cuenta con 2 actores que conocía bien:
Vlad Ivanov, el único que tenía claro al hacer el guión, explica el cineasta; y Laura Vasiliu, con los que había trabajado en publicidad.
El enorme trabajo de Ivanov, que en una sola secuencia transmite la mayor de las inmundicias, desde una frialdad y perversidad que repugna, está tan bien construido que es aborrecedor.
Para el rol protagonista, contó con Anamaria Marinca, actriz rumana instalada en Londres.
Cuando llegó, fue una desilusión, cuenta Mungiu:
“No tenía nada que ver con el personaje.
Pero, leyendo el papel, se transformó asombrosamente.
Es una gran actriz, toda la película reposa en sus hombros”
Y aunque el título de la película nos remite al tiempo de embarazo de Găbița, la historia está centrada en Otilia.
Ella es la verdadera protagonista de este drama sombrío, que hace que el espectador se involucre hasta en el más mínimo detalle, gracias inclusive a un recurso muy sencillo:
La ausencia total de banda sonora.
Es sobre Otilia que caen las responsabilidades, y la vemos hacer todo sin quejarse, aguantando los miedos, guardando el secreto, resolviendo los problemas que aparecen a última hora e, intentando, inclusive mantener el equilibrio en la relación que tiene con su enamorado, Adi Radu (Alexandru Potocean), un hombre tan machista, que solo le importa su satisfacción sexual, y no desea defraudar a su involucionada familia, padres que crecieron durante uno de los regímenes más nefastos que tuvo la humanidad.
Por ello, Otilia es un personaje riquísimo, intenso; es una mujer fuerte, determinada, ágil, que no se deja vencer con facilidad; hay momentos en que parece que va a perder la calma, pero sabe controlarse, principalmente cuando no funciona nada de lo que habían planificado con su amiga:
Les falta dinero; no consiguen la habitación en el hotel que les habían recomendado; el tiempo de embarazo de Găbița, no es el que ella había dicho.
No obstante, Otilia no se deja vencer, y sigue adelante.
Es una mujer de batallas, aunque al final pierda la guerra.
Quedan cuestionamientos:
¿Qué es lo que le inspira a Otilia, tanto sacrificio por su amiga?
La respuesta es compleja, y no aparece en ninguna línea de la película, pues en ningún momento se mencionan los hechos que le den al espectador una pista sobre el pasado de ambas mujeres, a no ser que ellas no son de ahí; vienen de otro lugar, y no quieren ser transferidas.
Sin embargo, hay que recordar, que hay un instinto de sobrevivencia, pues el problema de Găbița, le puede perjudicar directamente a Otilia, aunque ella no tenga nada que ver con el drama de su amiga; pues hay que considerar que ambas viven en un país en el que no se respeta la individualidad; por otro lado, hay que considerar el concepto de lealtad…
Otilia es más que solidaria con su amiga; y tiene un concepto profundo de lo que es la amistad.
Porque:
¿De qué otra forma se puede explicar el hecho de que Otilia, como última alternativa, acepta vender su cuerpo al hombre que le va a hacer el aborto a su amiga?
Bebe es un individuo frío y calculador.
Al principio, nos da la impresión de que es una persona honesta; sin embargo, en poco tiempo se descubre su carácter:
Es un monstruo autoritario, egoísta y manipulador de las personas con sus palabras, que usa un discurso, con un tono de voz suave, pero calculado, con el que intimida a la gente.
Es una persona dura, y solo hay una “negociación”:
La que él exige.
De esta forma, Otilia y Găbița descubren que no tienen la cantidad de dinero necesaria para pagarle a Bebe, a quien no le ablandan con las promesas de que pueden conseguir más dinero para el fin de semana…
Es entonces que Otilia, en un gesto intenso de amor por su amiga, se ofrece a tener relaciones sexuales con él, como parte del pago.
Una relación que le provoca asco, y que le hace sufrir a su amiga, pero de la cual, ambas, no dirán una sola palabra...
En su estreno internacional, 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) se vio parcialmente a través de la lente del debate sobre el aborto:
Se señaló que la película mostraba el feto abortado, comparable al uso de estas imágenes por parte del movimiento estadounidense Pro-VIDA, pero se argumentó que la película estaba más cerca de la ideología Pro-ELECCIÓN en su enfoque, por el daño de la ley provocaba a las mujeres; así como temas sobre la lealtad de los 2 personajes.
Mungiu dijo que el rodaje del feto no estaba vinculado al movimiento Pro-VIDA, ya que los rumanos no usaban comúnmente estas representaciones, y el debate sobre el aborto, ya no era prominente allí.
También se argumentó que la película era simplemente sobre el comunismo, y el minimalismo permitió a las audiencias extranjeras, ver lo que querían, incluyendo un declarado debate sobre el aborto.
Otros vieron una película de terror, en la representación de los abusos que las mujeres sufren cuando el aborto es ilegal.
Y queda:
¿Qué pasó con la identificación de Bebe?
¿O por qué Otilia robó la navaja?
¿Dónde está la barriga de 4 meses?
¿Y tras abortar, la imbécil pregunta si enterró al feto?
¿Qué se puede esperar de una “amiga” mentirosa, manipuladora y egoísta?
Un final irónico, con la abortada que no tenía hambre, cenando ternera, cerdo, hígado, sesos empanados y tuétano…
Ciertos momentos dignos de destacar:
El interminable plano fijo de la cena con la familia del novio, las conversaciones, la cara de la chica, y sobre todo ese momento en el que suena el teléfono, y nadie contesta…
El periplo final de Otilia, intentando rehacerse del feto, con una luz lúgubre, casi negra, que consigue crear una sensación de miedo y tensión brutal.
Y por último, el plano fijo final:
La música y la gente de la fiesta de fondo, en contraste con la imagen de las 2 amigas hechas polvo, mientras las luces del tráfico de Bucarest se reflejan sobre Otilia, y ésta, un segundo antes del fundido a negro, parece girarse y mirar al espectador...
¡Brutal escena!
Y no olvidemos que 4 Luni, 3 Săptămâni Și 2 Zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days) refleja al género masculino como enemigo, pues da asco el abortista, porque es un auténtico cabrón, genuino representante de la gentuza más abyecta, así como el egoísta novio que no escucha, y el amigo de su padre, que le exige a Otilia, no fumar ante los padres del novio...
¿Con qué confianza?
Pero tampoco las mujeres se salvan, la madre del novio, una muda… y la amiga es tan estúpida, y tan mentirosa, que merece mucho más que un destino cruel.
“Nu te judec pentru ce sa întâmplat.
În Viață, greșim cu toții”
(No te juzgo por lo que ha sucedido.
En la vida, todos cometemos errores)
El aborto en Rumania es legal durante las primeras 14 semanas del embarazo; y durante la etapa más tardía de embarazo, es legal cuando es terapéutico.
Durante 2004, hubo 216.261 nacimientos vivos, y 191.000 abortos informados, queriendo decir que, un 46% de los 407.261 embarazos ese año, resultó en aborto.
Como dato, los niños nacidos durante ese período, especialmente entre 1966 y 1972, fueron apodados los “decreţei”, y tuvieron que soportar servicios públicos abarrotados, porque El Estado no estuvo listo para el aumento súbito.
La palabra “decreţei” tiene un matiz negativo, debido al daño físico y mental percibido, debido a los embarazos arriesgados y abortos ilegales fracasados.
Cuando llegó el final de La Era Comunista en Rumania, fuentes fidedignas aseguran que más de 500.000 mujeres habían muerto por abortar ilegalmente.
En este contexto, el aborto perdió su connotación moral; se veía más como un acto de rebelión y resistencia contra el régimen.
Después de 1989, una de las primeras medidas fue volver a legalizar el aborto.
Hubo casi un millón de abortos durante el primer año, mucho más que en cualquier país de Europa.
Todavía hoy, el aborto se usa como método anticonceptivo en Rumania, con más de 300.000 casos declarados anualmente; pero sus consecuencias se encuentran aún presentes.
En 2004, según UNICEF, en Rumania fueron abandonados 4.000 recién nacidos, un 1,8% del total.
Fenómeno que se considera consecuencia de la persistente falta de educación social y sexual, y de la pobreza que aún aflige al país.
Hay aún en la actualidad, 40.000 niños en los orfanatos; y desde 1989, otros 30.000 han sido dados en adopción.
Y es que Rumania tiene una alta prevalencia de aborto:
En una encuesta de 2007, el 50% de las mujeres dijeron que habían sufrido un aborto durante su vida.
El nuevo Código Penal, que entró en vigor en 2014, regula el procedimiento de aborto.
El artículo 201 (1), castiga la realización de un aborto cuando se hace bajo cualquiera de las siguientes circunstancias:
(a) Fuera de las instituciones médicas o consultorios autorizados a tal efecto.
(b) Por una persona que no sea un médico acreditado en el ámbito de la obstetricia y la ginecología, y que tenga la libertad de ejercer esta profesión.
(c) Si el embarazo ha pasado de 14 semanas.
Una excepción al límite de 14 semanas, se establece en el artículo 6 (6) del artículo 201, que estipula que “realizar un aborto no es un delito si se hace con fines terapéuticos por un médico certificado hasta las 24 semanas del embarazo, e incluso después de los 20, el límite de 4 semanas, si el aborto es necesario para fines terapéuticos, en interés de la madre o del feto”
“Si la mujer no consentía en el aborto; si se vio gravemente herida por el procedimiento; o si muere como resultado de ello, las penas se incrementan”, apartados 2 y 3 del artículo 201.
“Si los actos son realizados por un médico, además de la sanción penal, también se le prohíbe al médico ejercer la profesión en el futuro”, apartado 4 del artículo 201.
La sección 7 del artículo 201, estipula que “no se castigará a una mujer embarazada que provoque su propio aborto”
Una teoría sobre los nacidos bajo ese decreto, argumenta que los niños que nacen después de que sus madres se niegan a un aborto, son mucho más propensos a cometer crímenes, o se niegan a reconocer la autoridad cuando llegan a la edad adulta.
Además, los “decreţei” son exactamente las mismas personas que encabezaron el esfuerzo por derrocar violentamente el régimen de Ceaușescu en 1989.
En ese año, el “decreţei” más antiguo habría tenido 22 años, en el rango de edad general de la mayoría de los revolucionarios.
No olvidar que Rumania era el único país comunista de Europa del Este con leyes estrictas contra el aborto, y contra la anticoncepción en ese momento, y también el único país cuyo gobernante fue derrocado y asesinado violentamente, al final de La Guerra Fría.
La mayoría de esos países, experimentaron una transición tumultuosa, pero pacífica.
Sin embargo, existían otros aspectos del régimen totalitario, que promoverían una reacción violenta en lugar de una transición pacífica, como la falta de vida social y reuniones legales, un sistema más amplio de informantes y policías especiales que cualquier otro Estado que no sea la Alemania Oriental, y un culto de la personalidad, construido alrededor del líder supremo.
La violencia real de la revolución, se puede atribuir a divisiones entre la policía gobernante y militar/secreta, y el vacío de poder que resultó.
Las revoluciones se observan a menudo en oleadas, y es probable que Rumania lo hubiera experimentado, sin importar su situación demográfica.

“Știi că totul are un preț în această lume”
(Sabes que todo tiene un precio en este mundo)



lunes, 24 de julio de 2017

Nightmare Alley

“He was all things to all men... but only one thing to all women!”

William Lindsay Gresham, fue un novelista estadounidense, y autor de no ficción, particularmente bien considerado entre los lectores de “noir”
Si el apellido Gresham encuentra cierta evocación cinematográfica en algún lector, es que, en efecto, la hay:
La segunda esposa del novelista, fue una poeta llamada Joy Davidman, o Joy Gresham, que en 1953 lo abandonó nada menos que por el mucho más conocido escritor inglés C.S. Lewis…
La historia de amor entre la poeta y el creador de Narnia, dio pie a una obra teatral de William Nicholson, popularizada en su día por la película “Shadowlands” (1993), en la que los papeles estuvieron a cargo de Debra Winger y Anthony Hopkins, éste hace de Lewis, no de Gresham.
Así pues, Gresham era alcohólico, y se unió a Los Alcohólicos Anónimos; como también había intentado suicidarse; por lo que desarrolló un profundo interés en el Espiritismo, habiendo ya expuesto muchas de las técnicas fraudulentas de los espiritistas populares en sus 2 libros temáticos, y habiendo escrito un libro sobre Houdini, con la ayuda del célebre escéptico James Randi.
Él era también un entusiasta temprano de la Cienciología, pero después denunció la religión como otra clase de estafa.
“Nightmare Alley” es una novela que Gresham publicó en 1946; y se trata de un estudio de las más bajas profundidades del “showbiz” y de sus habitantes, el sombrío y sombrío mundo de un carnaval de segunda categoría, lleno de prostitutas, intrigas y mujeres fatales de Maquiavelo.
Gresham, atribuyó el origen de Nightmare Alley, a las conversaciones que él tenía con un trabajador de carnaval, mientras que ambos estaban sirviendo como voluntarios con las fuerzas leales en La Guerra Civil española.
Gresham escribió la novela, la primera, mientras trabajaba como redactor de un “verdadero crimen”, una revista Pulp en la ciudad de New York, durante la década de 1940; y esbozó la trama, escribiendo los primeros 6 capítulos durante un período de 2 años, luego terminó el libro en 4 meses.
Cada capítulo está representado por una carta diferente del Tarot:
Y sigue a Stanton, que desde sus años jóvenes en la feria, la historia recoge un arco cronológico extenso; comprende pronto que lo que marca la vida de los hombres, de todos los hombres, es el miedo, y que la única forma de combatirlo, es forjando una serie de mentiras.
Y él posee la clave para que esas mentiras resulten muy convincentes y, para él, extremadamente lucrativas.
En el libro de 444 páginas, hay tiempo sobrado para relatar con minuciosidad sus andanzas; y sobre todo, Gresham puede utilizar toda la franqueza, tanto sexual, nada hay de pacatismo, ni en el lenguaje ni en la exposición del sexo, éste claro, es otra forma de manipulación; como moral, ya sin rodeo alguno, Stanton se convierte en sacerdote y gurú de la llamada Iglesia del Mensaje Celestial.
Por otra parte, la caída y degradación del personaje, que lo llevan incluso al asesinato, aquí sí constituyen un proceso progresivo, y no una brutal precipitación por un abismo.
Que alguien necesite el consuelo de la videncia, del psicoanálisis, de la mística del Tarot, del espiritualismo y la parapsicología, incluso del espejismo del amor, es lo que constituye el alimento de seres sin compasión ni escrúpulos como Stanton Carlisle, o Lilith Ritter.
Pero sus víctimas resultan tan estúpidas, tan poco dignas de simpatía, y la sociedad que amenazan esos seres implacables es tan hipócrita, y se halla tan embrutecida, que Nightmare Alley no deja salida alguna, salvo seguramente, la de obligarnos a mirar dentro de nosotros.
De ahí la raíz de su profunda perturbación.
Y eso es lo que probablemente supuso para su autor, el alcoholizado Gresham, el hombre necesitado de múltiples terapias, el buscador incansable de una intensa espiritualidad que posiblemente no encontró nunca.
Hay que agregar que según La Real Academia Española, “mentalismo” es la teoría filosófica que no tiene en cuenta las experiencias objetivas, y trata de resolver los problemas exclusivamente mediante procesos naturales, pero es también una controvertida rama del ilusionismo.
El mentalismo, es un arte de ejecución antiguo, en el cual, el practicante utiliza la agilidad mental, principios de la magia escénica o sugestión, para hacer una ilusión de lectura mental, psicoquinesis, precognición, clarividencia o control mental.
Una de las ejecuciones de mentalismo más antiguas de las cuales se tiene registro, fue realizada por el mago Girolamo Scotto en 1572.
El mentalismo, es una rama del ilusionismo, pero algunos mentalistas, como Bob Cassidy, aseguran que el mentalismo como arte escénico, es un arte independiente y diferente de la magia o el ilusionismo.
Por otro lado, se conoce con el nombre genérico de “lectura en frío”, a diversas técnicas empleadas para que un sujeto convenza a otros, de que sabe mucho más acerca de alguien de lo que conoce realmente.
Dicha práctica, es usada frecuentemente por magos de escenario, como parte de sus espectáculos, y se ha señalado que es empleada a su vez por adivinadores, quiromantes, tarotistas y videntes, entre otros, como medio para obtener información que es atribuida por éstos, a la posesión de supuestos poderes psíquicos o paranormales.
Aun sin que cuente con conocimiento inicial alguno acerca de una persona, un “lector en frío” experimentado, puede conseguir rápidamente una gran cantidad de información acerca de algún sujeto mediante el análisis y la observación meticulosa de su lenguaje corporal, forma de hablar, vestimenta, apariencia, sexo, edad, religión, origen étnico o nivel educativo.
A medida que va “leyendo”, el adivinador puede calibrar sus juicios según las reacciones corporales inconscientes que emite el sujeto, tras escuchar aciertos y desaciertos; y así lanzará una lista de problemas comunes hasta ver, según la lectura facial, un gesto de acierto o que el mismo sujeto le indique sin percatarse.
Por último, el término “mnemonista”, hace referencia a un individuo con una extraordinaria capacidad para recordar una gran cantidad de datos, por ejemplo, listas con nombres inusuales de personas, guías telefónicas, pasajes de libros, etc.
A la mayoría de estas personas, se les atribuye un tipo de memoria especial, que se ha denominado “memoria eidética”, aunque existe cierto debate acerca de si estas habilidades son realmente innatas, o si son aprendidas.
Sin embargo, muchos mnemonistas, han gozado de gran popularidad, y han pasado a formar parte de la tradición, los mitos y la cultura popular de su país.
Incluso algunos han sido objeto de estudio…
Las demostraciones “friki” o “Geek Show” eran un acto en carnavales ambulantes y circos en La América temprana, y eran a menudo parte de un acto más grande.
El diccionario en línea de la etimología, da lo siguiente para el “friki” a un “monstruo de acto” en 1916, en un carnaval en los EEUU, siendo un argot del circo; cuyo acto del ejecutante facturado, consistió en estar parado en el anillo central, para perseguir pollos vivos... y terminó con el ejecutante mordiendo las cabezas de los pollos, matándolos y tragándolos.
Las demostraciones del friki, fueron utilizadas a menudo como teloneros para lo que se conocen comúnmente como “demostraciones anormales”
Era una cuestión de orgullo entre los profesionales del circo y de carnaval, no haber viajado con una compañía que incluía “geeks”
Los frikis, eran a menudo alcohólicos o drogadictos, y eran pagados con licor, especialmente durante La Era de La Prohibición, o con narcóticos.
El término “espectáculo geek”, entonces se aplica a menudo a situaciones en las que una audiencia se siente atraída por un espectáculo que consiste en un acto horrible, que es desagradable, pero al final entretenido por las masas.
También, puede ser realizado por una sola persona, en referencia a una experiencia que él/ella encontró humillante, pero otros encontraron entretenido; por lo que se utiliza en forma de burla/peyorativa.
La forma moderna y el uso popular con referencia a esos “hombres salvajes” del circo, procede de la novela de William Lindsay Gresham, “Nightmare Alley”, un autor que al final, minado por una enfermedad incurable, por la amenaza de la ceguera, o por el abandono de todas las mujeres que se acercaron a él, acabó suicidándose, a los 53 años de edad, en un hotel de esa New York donde creció, y en cuyos antros de diversión alimentó parte de la materia de las pesadillas que afloran en su novela.
“How can a guy sink so low?”
Nightmare Alley es un drama de suspense, del año 1947, dirigido por Edmund Goulding.
Protagonizado por Tyrone Power, Joan Blondell, Coleen Gray, Helen Walker, Taylor Holmes, Mike Mazurki, Ian Keith, George Beranger, Mike Lally, Al Herman, Florence Auer, entre otros.
El guión es de Jules Furthman, basado en la novela “Nightmare Alley” (1946), escrita por William Lindsay Gresham.
El actor Tyrone Power, deseando expandirse más allá de los papeles románticos, y de bravucón que lo llevó a la fama, compró los derechos a la novela, así que él podría ser la estrella con rasgos “desagradables”:
El Gran Stanton, un intrigante pregonero de carnaval; y para hacer la película más creíble, los productores construyeron una feria/carnaval completa, en 10 acres, unos 40,000m2 en el lote siguiente de 20th Century Fox.
También, contrataron más de 100 atracciones de espectáculos, y gente de carnaval para añadir más autenticidad; por lo que la convierte en una película clásica de cine negro, con magníficos toques de cine fantástico; que trata sobre la ambición, las debilidades psicológicas humanas, y el aprovechamiento sobre las mismas; el hundimiento moral, la esperanza, el amor, la dura vida en un modesto espectáculo ambulante…
Y es que Nightmare Alley era algo inusual entre el cine negro, en tener estrellas de primera, el personal de producción, y un presupuesto relativamente grande.
A pesar de una campaña de promoción fuerte, la película no era un éxito financiero, debido en parte a las protestas contra “el contenido escandaloso”
El director del estudio, Darryl F. Zanuck, encontró la película tan desagradable, que la sacó de circulación; y las presentaciones posteriores, ya sea públicamente o por televisión, eran muy raras.
Su lanzamiento de 2005 en DVD, como parte de la serie del “noir” de 20th Century Fox, trajo Nightmare Alley de nuevo a una circulación más amplia; y ha encontrado aclamación, siendo considerada todo un clásico.
Porque Nightmare Alley posee innumerables virtudes que la convierten en un singular, ejemplo de filme único, fantástico, mágico, ambiguo, en el que la maldad aflora en sus fotogramas, en la que se observa el eterno retorno que hace de la fatalidad, el único destino posible... un extraño y malsano melodrama, que se desarrolla a la manera de un inexorable círculo vicioso, puesto que comienza en el mismo punto, escenográfico y dramático en que concluye.
Ese escenario, es el de una feria, uno de esos espacios que existen, en teoría, para convocar la diversión y la alegría, y que, sin embargo, poseen un aire siniestro, como en general, todos los lugares, fechas y celebraciones en que parece ser obligatorio “ser feliz” o, al menos, pasárselo “bien”, como se encargan de remarcar bien, tanto la literatura como el cine.
La acción tiene lugar en una feria ambulante, y Chicago, entre 1946 y 1947, a lo largo de más de un año; y narra la historia de Stanton “Stan” Carlisle (Tyrone Power), joven ambicioso, embaucador, mujeriego y cínico, que comienza como aprendiz de charlatán de feria, y asciende a protagonista de un espectáculo de adivinación, en una lujosa sala de fiestas.
Él es un aventurero, que llega a una feria deseoso de abrirse camino, y tras sentirse impactado con el “monstruo” que allí exhiben, conocerá a “Mademoiselle Zeena” Krumbein (Joan Blondell), la pitonisa de a bordo, y su compinche esposo alcohólico, Pete Krumbein (Ian Keith)
Los trucos del número de Zeena, se los revela a Stan, tras la muerte de su compañero, a quien Stanton sustituye como “partenaire”; y luego a Molly Carlisle (Coleen Gray), una preciosa joven que es cortejada por Bruno (Mike Mazurki) el musculoso de la feria, pero ella no se siente atraída.
Ella es inocente, sincera y fiel.
Entre ellas, las ambiciones de Stan empezarán a despertar... hasta trazar un proyecto donde la vida asumirá su sino implacable.
Inclusive, una “femme fatale” Lilith Ritter (Helen Walker), hará desequilibrar al mentalista.
Ella es una psicóloga no titulada, que elabora un plan siniestro para explotar la buena fe de personas adineradas y crédulas.
Las quejas de algunas de éstas, y la inmoralidad de Lilith, ponen a Stan en peligro.
El director, nos enfrenta entonces ante 2 posibilidades diferentes de la manipulación del hombre a través de la mente, pero como los engañadores se reconocen mutuamente, estos métodos se combinan para que una vez más, el citadino venza al hombre del pueblo.
A medida que su popularidad crece, Stan comienza a jugar con la prédica religiosa, y como si Dios pudiera oírlo, se lo hace pagar con la locura, y una triste regresión a un estado animal, claro que antes del plano final, deja abierta una oportunidad para la redención.
Si hay una frase que recuerda esto es:
“A aquellos a quienes Dios quiere castigar, los vuelve locos”
Su caída es impresionante y más, que el remordimiento por la muerte de Pete, lo lleva a imitar los pasos del difunto, dándose el alcohol.
Nightmare Alley es extraordinariamente pesimista y despiadada, cuenta el ascenso y caída de un “showman” de ferias ambulantes, que se convierte en un falso místico, y presenta un negro retrato de las debilidades humanas, y la corrupción social.
De una profundidad psicológica muy adelantada a la época, y con un tratamiento del personaje de Tyrone Power absolutamente magistral; que me ha turbado, la historia del desgraciado adivino, falso o no, con trampas o acechado por un destino gris inesquivable, me ha aturdido; y ello es consecuencia de que la película sencillamente está bien hecha de principio a fin.
Excelente melodrama psicológico, sin duda la mejor película del gran Edmund Goulding, y la demostración de que en ocasiones, Tyrone Power podía ser un gran actor.
Aquí está soberbio, dando credibilidad al personaje arribista e inmoral, que le toca encarnar con un convencimiento absoluto, en medio de un reparto excepcional, en el que destaca la entrañable y siempre eficaz, Joan Blondell.
De una profundidad apabullante, tan actual hoy en día como en su estreno hace 70 años, magistralmente fotografiada con claras reminiscencias expresionistas, esta apasionante historia, coquetea por momentos con el cine negro, recogiendo de este género, su ambigüedad moral, y sus opresivas atmósferas para ponerlas al servicio de una historia, cuyo interés no decae en momento alguno, y cuya lectura se renueva y amplia con cada visionado de esta magistral y bastante desconocida película.
Totalmente imprescindible para los amantes del cine clásico, y para estudiosos de la psicología oportunista y arribista, tan tristemente de moda en nuestros días; que ahora se considera como “una de las mayores gemas del film noir”
“He reached too high...”
Para muchos críticos y realizadores, Nightmare Alley es uno de los “film noir” más representativos del período, en el que el género nos deslumbró con su paisaje nocturno de personajes que representaban a la lacra de la sociedad; y es una obra maestra, un “thriller”, un drama psicológico, en el que se pone en cuestión las apariencias, a partir de una serie de oposiciones o comparaciones; la bola del vidente, puede transformarse en botella de alcohólico; la confesión ante el charlatán, ser equiparada al relato hecho en la intimidad del psicoanalista; la lectura de las cartas del tarot, es tan fiable como la reflexión psicológica, etc.
La dirección, hace uso reiterado de la elipsis, que incrementa la ambigüedad de las situaciones; pero lo más atractivo de este gran relato, es ver la prolongación de la influencia expresionista del cine alemán, que no sólo influenció al “noir” con sus luces y sombras, luchando dentro el cuadro, sino que también con la temática de una mente perversa, que planea crear una sociedad de control, manipulando a los más inocentes para beneficio propio.
Nightmare Alley es además de una gran elegancia visual, con la estupenda fotografía de Lee Garmes y, sobre todo, una prueba del enorme talento del cineasta, para dotar cada secuencia de identidad visual clara, próxima al surrealismo, y siempre al servicio de una mirada despiadada sobre el mundo; la fotografía se basa en luces expresionistas, claroscuros fuertemente contrastados y composiciones de gran belleza plástica.
El guión, crea una atmósfera de misterio, dominada por un destino siniestro e implacable; dotado de extrañas y sugestivas cualidades, supone una reflexión sobre las apariencias y el engaño, y representa una obra maestra que no pierde con el tiempo, ni un centímetro de vigencia y capacidad de atracción.
Su honda complejidad, merecerá ser redescubierta, año tras año.
Y es ante todo, un drama que nos habla de la vida con toda su crudeza y su profundidad.
Su historia tiene mucho de hechos vividos por el autor de la novela, William Lindsay Gresham, un hombre víctima del alcoholismo, que maltrató a sus 2 esposas, y a los 2 hijos que tuvo con la primera, su semejanza con Pete, el esposo de Zeena en la película, contiene recuerdos suavizados; y quien después de ingresar a Alcohólicos Anónimos, se sintió atraído por la espiritualidad, lo que lo llevó a conocer a ciertos personajes, y algunas sectas para quienes, el fraude era la razón mezquina de su existencia.
Sirviéndose de un guión escrito con rigor matemático por Jules Furthman, el director Edmund Goulding, vuelve a demostrar su gran virtuosismo con una historia de gran sentido humano, y de enorme valor sociológico.
Con una intachable dirección de actores, con un brillo constante en cada frase, y en cada escena, cumpliendo a cabalidad con esos logros del arte de que hablábamos anteriormente, Nightmare Alley se merece un sitial de honor entre los grandes clásicos del arte cinematográfico.
Con una estructura singularmente circular, la historia se abre con unos planos panorámicos, que describen la atmósfera de un sórdido y decadente mundo de los feriantes, en todo momento, la excelente labor de fotografía de Lee Garmes, es uno de los mejores aliados de Goulding.
En este inicio, contemplamos el modo de funcionamiento de una falsa vidente llamada Zeena, ante un público formado por incautos que creen las falsas adivinaciones que esta les formula.
Zeena, es una veterana en la profesión, y está secretamente enamorada de Stan Carlisle, aunque sigue casada con Pete, su antiguo compañero de andadura profesional, y que se encuentra absolutamente abandonado en su decrepitud a causa del alcohol.
Stan, es un joven ambicioso y egoísta, dotado de un gran encanto y carisma personal, y no duda en lograr de Zeena, la clave, un sistema con el que puede realizar las aparentes adivinaciones ante el público, para entre ambos, formalizar un espectáculo juntos.
Finalmente lo logra, y con la ayuda de la joven Molly, aprende todos los secretos que permiten que una sucesión de simples trucos auditivos, hacer ver que estamos ante auténticos poderes sobrenaturales.
Pero en todo ello se destaca una innata habilidad de Stan para embaucar a la gente, que poco a poco le llevará a subir los peldaños de la fama, y hacer de su espectáculo, una atracción realmente cotizada.
Zeena, simboliza la honestidad; Molly la inocencia, Lilith la deshonestidad, y Stan la ambición sin límites.
Lilith, que sin embargo queda sorprendida por las aparentes dotes de Stan, le ha tendido una trampa delante del público, pero la capacidad de psicología natural de este, la capta en pleno espectáculo.
Es por ello que pese a unas relativas reticencias, ambos deciden trabajar juntos, actuando de forma fraudulenta, y permitiendo que el falso vidente se introduzca en aparentes terrenos de lo sobrenatural, que le permitirá granjearse la estima y el dinero de conocidos y acaudalados clientes de la psicóloga.
La situación marchará viento en popa, hasta que uno de los “convencidos” del charlatán, quiera que se visualice el espíritu de una antigua novia, y este intente que su esposa se disfrace como esta, basándose en fotos que le ha facilitado Lilith.
Pese a sus crecientes reticencias, Molly accede a encarnar este espíritu, pero en plena “materialización”, finalmente desiste de ello, siendo descubierto por el influyente cliente, pues este nombró a Dios, algo que para Molly es muy importante.
Stan, ha quedado desacreditado, y huye de la ciudad, en una caída absolutamente estrepitosa, que le llevará finalmente a aceptar encarnar a un monstruo de una feria que encuentra en su huida.
Totalmente deformado y traspasado por el alcohol, Stan finalmente es reconocido por su esposa, que lo había buscado infructuosamente, renaciendo un extraño rayo de esperanza para el que la pesadilla es prácticamente su único recuerdo, pese a que aún le queden fuerzas para exhibir sus dotes como charlatán ante otros individuos igualmente vencidos por la bebida y los sinsabores de la vida.
Nightmare Alley posee un argumento que se introduce en una atmósfera asfixiante, que destaca por una constante huida de moralismos, de ahí ese aire de autenticidad que mantiene, que no duda en equiparar la psiquiatría como otra forma de charlatanería, algo bastante atrevido en un periodo en el que tanto la sociedad de EEUU, como el propio cine estaba imbuido de esa sempiterna influencia; y en el que al mismo tiempo se habla de la falta de respeto a Dios, se descubren esas formas de superchería que embaucan a los necesitados de la fe, y al mismo tiempo, se habla de tomas de postura morales:
La inocencia y fidelidad de Molly, la honestidad de Zeena, y el egoísmo y ambición mostrados por Stanton y la joven psicóloga.
De alguna manera, se establecen unas relaciones de dependencia de unos personajes con otros, en un entorno de turbia amoralidad, que finalmente tendrá la lógica consecuencia del “descenso a los infiernos” del sablista, embaucador y al mismo tiempo, atrayente personaje encarnado con tanta convicción por Tyrone Power.
La obra, está presidida por la presencia intangible del mal, el determinismo de la degradación moral, la fuerza del destino que rige, misteriosamente e inexorablemente, la vida de las personas, imponiendo el mal, y marginando la bondad de Molly, y la sinceridad de Zeena.
Las cartas revelan, infaliblemente, el futuro, y anticipan la tragedia.
La vida colectiva y la vida individual, son movidas desde un ámbito superior desconocido y poderoso, que inunda la vida de incertidumbre y ansiedad.
Los seres humanos, no son los rectores de su destino, sino sus marionetas de trapo y sus víctimas.
La conspiración maléfica de Stan y Lilith, transforma el acuerdo en duelo, y la confianza mutua en triunfo del mal superior sobre el mal limitado por la capacidad de engaño, y la credibilidad de las víctimas.
Son escenas destacadas, la sesión en que Stan ve por primera vez a Lilith, la lectura del destino de Stan por Zeena, y la soberbia escena final.
Pocas veces, el cine de Hollywood de los 40 y 50, creó una obra en la que la pulsación del mal fuera tan intensa y profunda; en un film singular y atípico como pocos, digno merecedor de su condición de obra de culto.
Su guión, nada maniqueista, inteligente, imprevisible, ocurrente, de magnífica construcción; en segundo lugar, la planificación de las escenas y el ritmo con el que se encadenan, logran que el espectador se sumerja en el torbellino de impresiones propuesto por su director.
En tercer lugar, su ambientación, mágica, oscura, onírica por momentos, maravillosas escenas iniciales en la feria, la escena de la aparición entre los árboles, magnífica en su tono ensoñador, también es necesario citar otra escena por su intensidad, la de la gala, en la que el protagonista conoce a cierta psicóloga…
Guión, planificación y ambientación, que se unen a otra gran virtud del filme:
Su reparto, encabezado con especial brillantez por Tyrone Power, ambiguo, misterioso, terrorífico por momentos en su papel, excepcional actor que nos ha legado sublimes muestras del arte de la representación, y secundado por magníficos actores como Joan Blondell o Helen Walker.
Pero es Stanton Carlisle, quien constituye uno de los más sólidos y fuertes personajes, y al mismo tiempo, las mejores actuaciones que pudo realizar en toda su carrera, el ídolo Tyrone Power.
Las mujeres que se cruzan en la vida del ambicioso y egocéntrico Stan, dan cuenta de lo multifacético y rico que suele ser el sexo femenino.
Así, Zeena la pitonisa, se balancea entre ser una esposa deshonesta, y una honesta compañera; la adorable Molly, es el amor generoso, pero siempre leal a sus principios morales; y la inefable Lilith Ritter, cuyo nombre es un presagio a tomar en cuenta, es la brillante profesional, y el poder reservado que jamás debe subestimarse…
Una de las principales cualidades que determina que se ha alcanzado el nivel de arte en una película es, cuando al apreciarla, no tardamos en sentir esa inigualable complacencia que produce el comprobar que, nuestra mente y nuestros sentimientos, perfectamente interconectados, de repente se despiertan de forma activa e incluyente.
Entonces, como aquellos ángeles que observan el comportamiento humano sin interferir en nuestras decisiones, comenzamos a hacer parte presente dentro de la historia; nos conectamos de tal manera, que no quisiéramos que absolutamente nada nos saque de esa profunda compenetración; y con los protagonistas, corremos, reímos, tememos, gozamos con sus triunfos y sufrimos con sus fracasos… y finalmente, sentimos que unas cuantas cosas quedan flotando de manera persistente en nuestros pensamientos, porque el director ha logrado su cometido, de hacernos reflexionar sobre nuestra vida, y sobre aquellas cosas que pasan en el mundo que, aunque quizás ya conocidas, ni siquiera nos habíamos tomado un instante para analizarlas.
El arte, entonces, nos introduce en el alma de las cosas, en las razones del ser, y en las más implacables consecuencias de nuestros actos.
Es decir, nos pone la vida ante un espejo.
Recibir el mensaje y aprender de él, será entonces decisión nuestra… pero el arte ya ha cumplido su función:
Mostrar un camino de luz, por el cual podemos guiarnos si queremos avanzar hacia la verdad y hacia la unicidad.
En todas las enciclopedias se habla de un final patético, con Tyrone Power convertido en monstruo de feria, que devora pollos vivos, ese plano o esa secuencia, que sería coherente con la película, no figuró en la versión final del film, probablemente porque el final era de comercialidad más que dudosa, y no soportable para un público incapaz de aguantar que tanta crueldad se cebase en su héroe; y según se dijo, esas escenas horripilantes del “geek”, ensangrentado, e insanamente destrozando a los pollos, sólo se podía esperar que fueran restauradas, pero en la edición del corte original, se destruyó la continuidad.
La escena final, patética, imprecisa y ambigua, forma parte de la historia del cine.
Goulding nos muestra los entresijos más oscuros y deprimentes de un mundo que, visto por fuera, es alegre y colorido, pero que por dentro muestra una cara mucho más amarga.
Algo que funciona como metáfora de la personalidad y la mente del protagonista, encantador por fuera, pero corrompido por dentro.
En este sentido, Nightmare Alley es muy psicoanalítica; está llena de simetrías, de momentos y frases que se repiten, y también de dobles sentidos.
Puede tener múltiples interpretaciones:
La primera de ellas, la más evidente, la de que el protagonista es un timador que con la ayuda de la psicóloga, estafa a los clientes ricos.
Se entiende el psicoanálisis como una forma de engaño más, junto con el espiritismo o incluso la religión.
Pero también puede ser que todo esté en la cabeza del protagonista, una ilusión que él mismo se ha creado en su obsesión por alcanzar éxito y poder.
El espectador, es libre de decidir, qué opción le parece mejor.
Nightmare Alley tiene además, mucho de tragedia griega:
Vemos con casi desesperación, que a la vez nos sirve de catarsis, cómo el protagonista va cavándose poco a poco su propia tumba, cada acción que realiza, le lleva a una destrucción anunciada:
Esa carta de ahorcado, que funciona como oráculo; acabando del mismo modo que siempre había querido evitar, y convirtiéndose en uno de esos desgraciados a los que siempre había despreciado.
Como una estructura circular, o un círculo vicioso del que no se puede escapar.
¿Acaso Nightmare Alley es una vuelta de tuerca de “All About Eve” (1950), en plan masculino?
Finalmente la banda sonora hace uso de solos de piano, inquietantes, melodías de feria reiterativas, y fragmentos orquestales de agudos estridentes y bajos angustiosos.
“The spook racket, I was made for it”
¿El destino está escrito en las cartas?
En el inconsciente colectivo de la humanidad, la idea se ha introducido en forma de dualismo, de separación entre el cerebro y la mente, de la lucha entre ángeles y demonios.
Se considera que en el cuerpo, hay un morador que puede presentarse como demonio o como genio, creencia que ha sido codificada en mitos y símbolos.
El principio de mentalismo, ha sido conocido a través del kybalión…
El concepto de magia y el uso de la hipnosis, son retomados por la Programación neurolingüística en los años 70.
A la habilidad para comprender y predecir la conducta de otras personas, sus conocimientos, sus intenciones, sus emociones y sus creencias, se le ha denominado “teoría de la mente”, concepto a su vez relacionado con cognición social, mentalización, psicología popular, psicología intuitiva o conducta intencional.
Se cree que las técnicas mentalistas pueden, en ocasiones, ser usadas fuera de la industria del entretenimiento para influenciar las acciones de personas prominentes, para objetivos personales o políticos, aunque según los mentalistas, la postura habitual y más ética del mentalista, es manifestarse en contra de aquellos que emplean sus mismas habilidades para estafar y engañar, en lugar de para crear entretenimiento o espectáculo.
Ejemplos famosos de este tipo de practicantes, están Grigori Rasputín y Cagliostro.
Actores como Mark Edward, Lynne Kelly, Kari Coleman, Ian Rowland y Derren Brown, han trabajado como presuntos psíquicos, ofreciendo tanto sesiones privadas de adivinación del futuro, o foros abiertos para “hablar con los muertos”, al estilo del autoproclamado médium, John Edward, y su contraparte del Reino Unido, Colin Fry.
Solo después de haber recibido la ovación y el aplauso de los espectadores, dichos intérpretes revelaron que, para realizar su espectáculo, no habían necesitado poder sobrenatural alguno, sino solo de algunos conocimientos de psicología y de “lectura en frío”
Por su parte, muchos psíquicos famosos, como Sylvia Browne, por ejemplo, afirman que sus habilidades se deben a fuentes paranormales o a la intuición, negando el empleo por su parte de las técnicas de “lectura en frío”
Por su parte, Nightmare Alley, increíblemente sugerente y redonda, no es excesivamente conocida, pero que es considerada una joya dentro del cine negro por esos mismos temas; adelantada a su época, y actual, aunque muchos años hayan pasado por ella; ya que trata un tema que sucede igualmente en nuestros días:
Siempre va a haber personas movidas únicamente por la ambición.
Siempre va a haber timadores y sinvergüenzas sin escrúpulos que intenten engañar a los demás, no hay más que poner la tele para verlo, en los mercaderes de la fe, que lo primero que piden es dinero…
Pero el destino, que es más sabio que nosotros, acaba poniendo a cada uno en su lugar.
Eso hace de Nightmare Alley, una película perfecta para reflexionar y debatir, sobre ella, y sobre lo que trata.

“You know what a geek is, don't you?”



Dunkirk

“When 400,000 men couldn't get home, home came for them”

Dunkirk, oficialmente en francés “Dunkerque”; o “Duinkerken” en neerlandés, es una ciudad portuaria del norte de Francia, situada en el departamento del Norte, en la región de Alta Francia; y a 10km de la frontera con Bélgica, la ciudad perteneció históricamente al Flandes francés, de dialecto flamenco, y conserva hoy la cultura de este territorio; siendo el tercer puerto de Francia después de Marsella y El Havre; y una ciudad industrial importante, de hecho, una de las principales plataformas energéticas del país.
El nombre de la ciudad proviene de las palabras “duin” o “duna”, y “kerk” o “iglesia” tomadas del neerlandés, lengua que junto con el francés, es hablada localmente en su variante flamenca occidental.
En Dunkirk, tuvo lugar un acorralamiento de las tropas aliadas por el ejército alemán, durante La Segunda Guerra Mundial, llamada “La Batalla de Dunkirk”, que fue una importante batalla, entre los Aliados y la Alemania nazi, como parte de La Batalla de Francia en El Frente Occidental; eso puso a Dunkirk como lugar para la defensa y la evacuación de las fuerzas británicas y aliadas en Europa, desde el 26 de mayo, hasta el 4 de junio de 1940.
Fueron 800.000 alemanes contra 422.000 británicos; 338.226 soldados aliados, 198.315 británicos evacuados en La Operación Dynamo, y 141.171 británicos evacuados en La Operación Ariel.
El 10 de mayo de 1940, Winston Churchill asumía el cargo de Primer Ministro del Reino Unido, de hecho, Churchill sólo había sido Primer Ministro Británico durante 16 días en el momento de este evento.
Una serie de contraataques Aliados, no pudieron detener la vanguardia alemana, que alcanzó la costa el 20 de mayo, separando a La Fuerza Expedicionaria Británica (BEF) cerca de Armentières, El Primer Ejército Francés y El Ejército Belga de la mayoría de tropas francesas situadas al sur del avance alemán.
Después de llegar al Canal, los alemanes se dirigieron al norte, siguiendo la costa, amenazando con capturar los puertos, y atrapar a las fuerzas británicas y francesas, antes de que pudieran ser evacuadas a Inglaterra.
En una de las más debatidas decisiones de la guerra, los alemanes detuvieron su avance sobre Dunkirk.
Al contrario de la creencia popular, lo que se conoció como “La Orden de Alto”, no fue idea de Adolf Hitler:
Gerd von Rundstedt y Günther von Kluge, sugirieron que las fuerzas alemanas alrededor de la bolsa de Dunkirk, debían cesar su avance sobre el puerto y consolidarse, para evitar una rotura Aliada.
Hitler aprobó la orden, el 24 de mayo, con el apoyo del Oberkommando der Wehrmacht (OKW)
El Ejército, tuvo que detenerse 3 días, dándoles a Los Aliados el tiempo necesario para organizar La Operación Dynamo, y construir una línea defensiva.
Para el 26 de mayo, La BEF y El Primer Ejército Francés, estaban atrapados en un corredor hacia el mar, de unos 97km de largo, y 24 o 40km de ancho.
La mayoría de los británicos, estaban alrededor de Lille, a más de 64km de Dunkirk, y los franceses aún más al sur; y 2 masivos ejércitos alemanes los flanquearon:
El Grupo de Ejércitos B del General Fedor von Bock al este, y El Grupo de Ejércitos A del General Gerd von Rundstedt al oeste, ambos oficiales fueron ascendidos más tarde a Mariscal de Campo.
El 27 de mayo, los británicos se abrieron paso luchando hacia el perímetro de defensa de Dunkirk.
Los alemanes los alinearon frente a la pared de un galpón, y les dispararon; solamente sobrevivieron 2; mientras tanto, la Luftwaffe lanzaba bombas y octavillas sobre los ejércitos Aliados.
Las octavillas mostraban un mapa de la situación, el texto en inglés y francés decía:
“¡Soldados!
Miren el mapa:
¡Esta es su situación real!
Sus tropas están completamente rodeadas.
¡Dejen de luchar!
¡Bajen sus armas!”
Los soldados Aliados las usaban principalmente como papel higiénico…
Para los nazis, el mar parecía una barrera infranqueable, por lo que realmente creían que Los Aliados estaban rodeados; pero los británicos vieron el mar como una ruta de escape.
Al igual que las bombas de la Luftwaffe, la artillería pesada alemana, que ya estaba dentro de su alcance de disparo; disparó obuses de alto poder explosivo (HE) contra Dunkirk.
Para entonces, en el pueblo se encontraban los cadáveres de más de 1000 bajas civiles.
Este bombardeo continuó hasta el fin de la evacuación.
La Operación Dynamo, también conocida como “Milagro de Dunkirk” o “Evacuación de Dunkirk”, fue una operación de evacuación de las tropas aliadas en territorio francés, después de ser vencida Francia por el ejército alemán; y a finales de mayo de 1940, y fue organizada por El Mariscal Británico y Comandante en Jefe de La Fuerza Expedicionaria Británica (BEF), John Vereker Gort.
La Operación permitió el rescate de más de 200.000 soldados británicos, y más de 100.000 franceses y belgas.
Para transportar a los soldados desde la playa hasta los barcos de la Royal Navy, que permanecían en alta mar defendiéndose de los bombardeos de la aviación alemana con sus propias baterías antiaéreas, se utilizaron todos los medios disponibles en la playa.
Los muelles de Dunkirk estaban muy dañados para utilizarse, pero los espigones Este y Oeste, estaban intactos.
El Capitán William Tennant, a cargo de la evacuación, decidió utilizar las playas y el espigón Este, para amarrar los barcos.
Esta idea muy exitosa, aumentó sustancialmente el número de soldados que podían ser embarcados cada día.
A pesar de la creencia popular, de que se utilizaron para el rescate todo tipo de barcos pesqueros y de recreo disponibles en las costas inglesas, La Operación Dynamo fue llevada en secreto por la Royal Navy, con la única ayuda de varios buques mercantes.
La crítica situación de Dunkirk, solamente se dio a conocer al público al final, en la tarde del 31 de mayo, y aunque los 2 días siguientes salió al canal una flotilla de pequeños barcos, el número de supervivientes rescatados por estos, fue muy bajo.
El primer día de junio, el intenso bombardeo al que estaban siendo sometidos los puntos de embarque de las tropas aliadas, marcó el final de La Operación Dynamo.
La Operación, que en un principio estaba ideada para evacuar a 50 mil hombres en 5 días, había superado las expectativas.
Desde aquel día, La Operación fue bautizada como “El Milagro de Dunkirk” por el deán de La Catedral de Saint Paul, que fue el primero en llamar así esta batalla, el 2 de junio de 1940.
A pesar de las sombrías estimaciones de Los Aliados, con Inglaterra discutiendo sobre una rendición condicional ante Alemania, al final, más de 338.872 combatientes; 215.787 de los cuales eran británicos, y otros 123.095, belgas y franceses, fueron rescatados.
Los 100 nuevos tanques británicos, Mathilda Mk I, quedaron abandonados o destruidos en Dunkirk, por lo que El Reino Unido quedó con 200 tanques obsoletos e inútiles ante los tanques alemanes.
El 2 de junio, a las 3:30, partía el último barco en dirección al Reino Unido.
El resto de las tropas británicas que quedaron en Dunkirk, decidieron rendirse a los alemanes, mientras que las tropas francesas optaron por abrirse paso hacia el sur, pero finalmente tuvieron que rendirse.
“Time is running out”
Dunkirk es una película bélica, del año 2017, escrita y dirigida por Christopher Nolan.
Protagonizada por Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D'Arcy, Michael Caine, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel, entre otros.
El director Christopher Nolan, escribió el guión en 76 páginas; y decidió hacer la película como un tríptico, contada desde 3 perspectivas:
El aire con aviones; la tierra en la playa; y el mar, mediante la evacuación por la marina; con poco diálogo, y con el fin de crear suspenso a través de los detalles.
El título mostrado, “Dunkirk”, se divide en 3 colores segmentados, azul cielo, azul oscuro y naranja, que se refiere al diagrama del tríptico:
Aire, Mar y Tierra; y se basa en La Operación Dynamo, una acción militar llevada a cabo por El Reino Unido, con el fin de evacuar cerca de 300.000 soldados de Francia, la cual había sido invadida por la Alemania nazi en el marco de La Segunda Guerra Mundial; siendo a la vez, la primera película de Christopher Nolan basada en hechos históricos; pues todas sus otras películas han sido guiones originales, remakes, novelas/adaptaciones de cuentos, o adaptaciones de comics.
Hablando sobre la estructura narrativa, Christopher Nolan declaró:
“Para los soldados que se embarcaron en el conflicto, los acontecimientos tuvieron lugar en diferentes temporalidades.
En tierra, algunos se quedaron una semana atrapados en la playa.
Un día máximo, y si estuvieras volando a Dunkirk, los Spitfires británicos llevarían una hora de combustible.
Para mezclar estas diferentes versiones de la historia, se tuvo que mezclar los estratos temporales.
Por tanto, la estructura complicada, incluso si la historia es muy simple no lo repita al estudio:
Será mi película más experimental”
El consultor histórico de la película, era el autor Joshua Levine, que también escribió la adaptación del libro, “Dunkirk: The History Behind The Major Motion Picture”
Levine, acompañó a Nolan mientras entrevistó a veteranos; y durante estas entrevistas, les fue contada una historia de los soldados que fueron observados caminando hacia el mar, en la desesperación, muriendo por suicidio ahogados, y la incorporaron en el guión.
Como dato, Nolan hizo un trato con Warner Bros., por el que recibirá un salario de $20 millones, más el 20% de la taquilla bruta, el acuerdo más lucrativo desde que Peter Jackson recibió la misma cantidad por “King Kong” (2005)
Y como defensor del celuloide, y uno de los principales detractores de la utilización de técnicas digitales para la filmación o la proyección de sus películas, Nolan rodó Dunkirk, con una combinación de cinta 15/70mm IMAX y Super Panavision 65mm con la intención de alcanzar la mejor calidad posible para la imagen; es así, la 3ª película de la década actual, que es rodada y mostrada teatralmente en 70mm.
Y con 106 minutos, es la película más corta de Christopher Nolan, desde “Following” (1998)
Rodada en Dunkirk, Francia, Los Angeles, EEUU; parte de la película fue filmada en el IJsselmeer en Los Países Bajos.
Se supo que la ciudad francesa de Dunkirk, quería que partes de la película fueran filmadas en el Dunkirk original.
Como consecuencia, El Ayuntamiento creó un departamento de cine para promover y organizar el rodaje en la ciudad; y lograron obtener 207 días de filmación en los primeros 18 meses.
Un montón de escenas se hicieron en y alrededor de Urk, un pequeño pueblo pesquero en Flevoland, en Los Países Bajos.
“Urk” se pronuncia exactamente igual que la segunda parte del nombre de la película:
“dunkURK”
Y es que todo lo que ocurre en la película, parece que realmente ocurre.
Y eso, pese a que algunos tilden a la película de “demo técnica”, es un añadido más que positivo para lo que Nolan quiso contar:
La guerra.
Dunkirk, es la ciudad francesa que sirvió como escenario para la célebre operación militar de los Aliados, entre mayo y junio de 1940, en la que se centró la película.
Conocida como “Operación Dynamo”, ésta consistió en la evacuación de las tropas aliadas que habían sido cercadas por el ejército alemán durante La Batalla de Francia.
Casi la totalidad de La Fuerza Expedicionaria Británica, parte del ejército belga y 3 unidades del ejército francés, debieron evacuar las playas y el puerto de Dunkirk, ante la ofensiva alemana, en lo que El Primer Ministro Británico en aquel momento, Winston Churchill, denominó como “un coloso desastre militar, en el que el corazón y el cerebro del ejército británico, quedó aislado y a punto de perecer o ser capturado”
La acción sigue a Tommy (Fionn Whitehead), un soldado británico mientras trata de sobrevivir 2 días al ataque; que será mostrado desde 3 perspectivas/puntos de vista:
Él, desde tierra; desde el mar, por Mr. Dawson (Mark Rylance) un marinero/ciudadano que junto con su hijo Peter (Tom Glynn-Carney), y su amigo George (Barry Keoghan), rescatan náufragos; y desde el aire por Farrier (Tom Hardy), un piloto de La Real Fuerza Aérea Británica, que da pelea a las naves enemigas.
Los 3, junto a varios personajes circundantes como:
Alex (Harry Styles) en tierra; un soldado caído en Estrés Post-Traumático (Cillian Murphy) en mar; Collins en aire (Jack Lowden); así como el alto  rango:
El Coronel Winnant (James D'Arcy) y El Comandante Bolton (Kenneth Branagh), a cargo del muelle durante la evacuación, serán testigos de lo que está pasando, mientras unos ven, otros viven, y otros toman acción.
Los héroes lo son casi de forma involuntaria, y abunda el miedo, las trampas para sobrevivir, y el sálvese quien pueda más salvaje.
Dunkirk explora el tema de la guerra desde sus personajes, priorizando el punto de vista de los soldados, y sus dilemas internos por encima de la épica de las grandes hazañas.
No se trata de conquistar una colina estratégicamente situada, o de realizar un salvamento imposible, sino de huir, sin más.
El director británico, nos muestra un cine bélico más próximo a la mirada intimista, y opta por ahondar en los conflictos personales de los combatientes que formaron parte en esta batalla descarnada; y además, pone a dialogar la visión desgarradora de la guerra y el conflicto interno que sufren los soldados, con el romanticismo patriótico representado por el personaje de Kenneth Branagh, Comandante de las tropas aliadas.
Pero ante todo, Dunkirk es la historia de una derrota.
De cómo los perdedores, especialmente ellos, son más héroes que nadie.
Un retrato de soldados en fuga, que no duda en mostrar lo peor del ser humano, pero sin perderse en discursos moralistas estériles.
Con esto en mente, Dunkirk recibió la aclamación universal por parte de la crítica cinematográfica, destacando la cinematografía, la dirección, las actuaciones y la banda sonora compuesta por Hans Zimmer; siendo considerada como la mejor película de Christopher Nolan, y una de las películas bélicas más grandes desde “Saving Private Ryan” (1998) y como La Mejor Película de 2017.
“Trapped.
Hunted.
Surrounded.
Survive”
Dunkirk es probablemente la obra más personal del director Christopher Nolan; y es al mismo tiempo, la película más Nolan y menos Nolan:
Es la más Nolan, porque su estilo es prácticamente lo que origina y desarrolla la película; y es la menos Nolan, porque ha renunciado a impactar con hechos, lo que puede ser impactado con imágenes, en una renuncia que eleva la cinta a cine de autor.
Y es que nunca antes se había narrado con tanta perfección algo tan complejo.
Ni se había realizado un montaje tan exhaustivo que, literalmente, unifica las líneas temporales en una sola, sin apenas darte cuenta; sin ser consciente realmente de saber lo que estás viendo, el espectador descubre la verdadera magia del cine:
Son las imágenes las que te cuentan la historia, sin necesidad de decir nada.
No es demasiado larga, y la película no tiene presentación.
Ni siquiera tiene un desenlace al uso…
Sólo hay nudo, no sabemos nada de los personajes antes de la narración en sí misma, ni qué será de ellos después...
La narrativa de la película, sigue 3 hilos principales que cubren diferentes períodos de tiempo:
Uno que comienza en la tierra, y que cubre una semana; uno en el mar, y que cubre un día; y uno en el aire, que cubre una hora.
Estos están entrelazados en una narración no lineal.
Nolan, estructuró la historia desde el punto de vista de los personajes, con la intención de que la mayor parte de ella, fuera a ser contada visualmente, lo que significaba acabar con el diálogo y la historia de fondo.
La película entera, fue hecha para abarcar el efecto de la bola de nieve que se había utilizado solamente en los terceros actos de sus películas anteriores; y se acercó a la investigación, como si fuera un documental.
Lo que hizo que el proyecto fuera atractivo para Nolan, fue su contradicción inherente con la fórmula de Hollywood, ya que La Batalla de Dunkirk no fue una victoria, no involucró a Estados Unidos y, sin embargo, exigió una producción a gran escala para ser puesta en pantalla.
Un texto introductorio, indica que en 1940, después de la invasión de Francia por la Alemania nazi, miles de soldados aliados se retiraron a la ciudad costera de Dunkirk.
A medida que el perímetro británico circundante se encoge, los soldados esperan la evacuación de una situación aparentemente desesperada.
Durante la batalla occidental de La Segunda Guerra Mundial, el ejército alemán tiene a Francia literalmente invadida.
En mayo de 1940, alrededor de 370.000 soldados británicos y franceses, están en la costa de la ciudad de Dunkirk, cerca de Calais, rodeados, y siendo atacados por los alemanes desde el aire.
Dunkirk es el último puente de las tropas británicas en el continente, y El Primer Ministro Británico, Winston Churchill, necesita a su ejército para defender la patria contra los alemanes.
En los primeros minutos de Dunkirk, la cámara sigue a un pequeño grupo de jóvenes soldados, que se pasean por una pequeña ciudad, aparentemente desolada…
Desde el cielo, llueven pancartas lanzadas por los nazis, diciéndoles que estos rodeaban al ejército expedicionario británico, y partes del ejército francés en Dunkirk, y ahora piden rendirse.
Sin embargo, los jóvenes tienen otras preocupaciones:
Lamer las últimas gotas de agua de las mangueras de los jardines, arrebatar de las ventanas las colillas de cigarrillos que dejaron en sus casas los habitantes, encontrar un rincón tranquilo para estar listos para la batalla que se aproxima…
Pero no se necesita mucho tiempo para escuchar cientos de disparos.
En medio de los acontecimientos, el soldado Tommy, está tratando desesperadamente de salvarse a sí mismo.
El Comandante Bolton, lleva a cabo la evacuación del ejército británico.
El viaje en un barco velero de rescate civil, presenta un día de Mr. Dawson, su hijo  y un compañero del colegio, que planean ir a Dunkirk en misión de ayuda.
En el camino, rescatan a un soldado náufrago; y por último, vemos la historia de 3 pilotos, que incluye al as de la aviación llamado Farrier, que debe proteger la retirada de los soldados rodeados.
Son 3 historias que se tejen entre sí, a pesar de que estas ocupan la misma cantidad de espacio en la película, también se extienden a través de diferentes períodos de tiempo; por tanto, Nolan crea su estructura narrativa compleja, así como ya vimos en “Memento” (2000); y no dura mucho tiempo con una introducción.
El prólogo se muestra de forma rápida, y se va derecho a la infernal guerra, dicha acción pone a los espectadores rápidamente bajo su hechizo.
Por otra parte, las diferentes versiones del tiempo desde 3 perspectivas, proporcionan una compactación de la situación que amenaza con provocar un desastre militar y humanitario.
Para la turbulenta acción que se aproxima, se presentan secuencias inquietantes, aderezadas con un diseño de sonido eficaz.
Dicha combinación, acelera el ritmo cardíaco, y llegamos a conocer los hechos históricos, pero estos se olvida rápidamente, y el público se vuelve completamente en las perspectivas de los personajes que están representados por una gran y conocido elenco.
El lenguaje visual, muy distintivo de Nolan, es apoyado por el director de fotografía, Hoyte van Hoytema, quien capturó brillantemente la esencia de la soledad del ejército británico, apoyándose radicalmente en primeros planos, capturando así reacciones y miradas de los protagonistas, haciendo cómplice así al espectador de la obvia desesperación y ansiedad de los soldados.
Las magníficas secuencias en las costas, donde las espumas de mar juegan un papel importante en cuanto a la narrativa visual del momento, se suman a las extraordinarias secuencias submarinas, donde quedamos sin aliento, al igual que los soldados.
Este es sin lugar a dudas, un trabajo extraordinario, sin caer en lo espectacular o sobre expuesto.
No es sólo la ruptura de una narrativa convencional lineal lo que hace a Dunkirk, ojo que Nolan también escribió el guión; una película de guerra altamente inusual.
Por lo que Nolan prescindió de gran parte de lo que es habitual en este género.
No hay Generales que discuten al lado de grandes mapas inclinados sobre la estrategia correcta.
La sangre es casi nula, y Winston Churchill se menciona de vez en cuando, pero nunca es presentado.
Ni siquiera la palabra nazi es usada, y no hay propaganda patriótica evidente, ni símbolos nazis ni de otras naciones reconocibles.
El enemigo es la guerra y la muerte; y al no ponerle cara de soldado alemán, el relato se hace más honesto.
Prefiriendo la intimidad a lo espectacular, con un manojo valiente de actores, directamente en el campo de batalla, este largometraje visceral, sigue las obsesiones de su autor en los momentos y lugares, multiplicando elipses escalonadas, donde se utilizan todos los elementos para recrear el caos en su lugar.
Nolan, gran creador de personajes e historias, urdidor de tramas con la mente humana, y su compleja estructura como mecanismo narrativo, parece haber desarrollado en Dunkirk, un “cine de atracciones”, al que no nos tenía acostumbrados; logrando el mismo efecto de espectacularidad que en anteriores trabajos, esta vez es la verosimilitud de las imágenes, planteadas mediante elementos de una gran simplicidad y concreción, lo que genera la fuerza visual de la película.
Esta búsqueda del hiperrealismo, presente en films del mismo género que muestran la terrible dureza de la guerra, con secuencias como la del desembarco de Normandía, en “Saving Private Ryan” (1998), o los recuerdos y vivencias personales de los personajes en “The Thin Red Line” (1998); es el punto de partida que da lugar a un film como Dunkirk.
Con él, Christopher Nolan otorga una crudeza a las imágenes que, aunque cientos de veces vistas, nos producen un gran impacto visual y sonoro.
Para transmitir con precisión la perspectiva de los soldados en la playa, para quien el contacto con el enemigo era extremadamente limitado e intermitente, tomó la decisión consciente de no mostrar jamás a los alemanes en la pantalla.
También, se omitieron Winston Churchill y cualquier escena de Generales en una sala de guerra, ya que Nolan no quería “atascarse en la política de la situación”
Y encontró la inspiración, en 11 películas:
“All Quiet On The Western Front”, “The Wages Of Fear”, “Alien”, “Speed”, “Unstoppable”, “Greed”, “Sunrise”, “Ryan's Daughter”, “The Battle Of Algiers”, “Chariots Of Fire”, y “Foreign Correspondent”; solamente 2 de ellas, son “Películas de Guerra”
Para esta película, Christopher Nolan cuenta con un equipo creativo ya conocido, y con el que ha trabajado en anteriores films:
Hans Zimmer en música; Lee Smith, editor; Hoyte van Hoytema, fotografía; Nathan Crowley, diseñador de producción; John Papsidera, “casting”; Tom Hardy y Cillian Murphy como actores.
La mayor parte del equipo, inclusive ha estado trabajando con Nolan desde “The Dark Knight Trilogy”, excepto van Hoytema, que ha trabajado con él desde “Interstellar” (2014)
Todos ellos hacen de Dunkirk, una obra maestra desde lo técnico:
La persecución inicial se siente, la sensación de impotencia se siente, ahogarse… se siente, todo montado con un realismo tremendo, donde se hizo evidente que tanto barcos como aviones eran trampas mortales; o una simple, enorme y bella playa, es el blanco fácil de destrucción para las bombas.
El cinematógrafo Hoyte van Hoytema, grabó la cinta con rollos IMAX de gran formato, y requirió el uso de efectos especiales reales, con el empleo de 6.000 extras, la construcción de los botes utilizados durante la operación, y el uso de aeronaves de la época para las secuencias aéreas.
Y es Nolan se ha negado a reconstruir digitalmente los buques de guerra que protagonizaron las secuencias de batallas navales en la película, y utilizó buques reales, como el que ya ha conseguido, un Destructor francés de clase T-47, el Maillé-Brézé.
Aunque no estuvo presente durante La Batalla de Dunkirk, momento histórico que abordará la película, sí se usó durante décadas, y es un modelo típico de acorazado de aquel momento; o 2 barcos de pesca históricos, se utilizaron como decoración de fondo:
El UK 12 y el UK 114.
Sin embargo, UK no representa el Reino Unido, es más bien un código de puerto holandés para Urk, donde se hizo gran parte de la filmación.
Como dato, Charles Lightoller, el oficial superviviente del RMS Titanic, participó en la evacuación de Dunkirk con su yate de motor privado, Sundowner.
El Sundowner, ha sido preservado por el Ramsgate Maritime Museum en Inglaterra.
Para la producción de Dunkirk, se usaron 1.500 extras, una grúa y un Spitfire para recrear la evacuación milagrosa de 338.000 tropas aliadas; utilizó más de 50 barcos en el mar; la mayor cantidad puestos en una película; y se dice que esta fue la mayor unidad marina de la historia del cine, mientras se rodaba en el mar durante la producción.
Por ello, Christopher Nolan se centró en lo real en todos los aspectos:
Poner una cámara IMAX en la cabina y el ala de un avión real Spitfire, o una cámara flotando en el agua con los actores.
Un Yak-52 de 2 plazas modificado, se utilizó para retratar un Spitfire de modo que el actor y el piloto real pudieran cambiar entre asientos, dependiendo de la toma que debía hacerse; también utilizó accesorios de cartón recortados de soldados y vehículos militares, colocados en el fondo de las escenas para crear la ilusión de un gran ejército durante la evacuación.
En un momento, había 62 naves durante la filmación, muchas de las cuales eran “Little Ships” reales de La Operación Dynamo.
El director, Christopher Nolan, en realidad se montó en el Spitfire mostrado en la película, con el fin de tener una idea de la sensación aérea del avión de combate; de hecho, Nolan junto con su esposa Emma Thomas, y un amigo, hicieron el cruce de Inglaterra a Dunkirk, en barco; la misma forma en que los civiles lo habrían hecho durante la evacuación de Dunkirk.
Nolan dijo que tomó 19 horas, debido a las condiciones del mar.
El sonido y la edición de sonido, es espectacular, al igual que la banda sonora, no solo ayuda a ambientar, sino que pone al espectador en el lugar, viviendo la acción, pues el ritmo de la película jamás decae, son 106 gloriosos minutos que se hacen rápidos, gracias a la buena narrativa en un relato que pone al Ciudadano como El Héroe de Guerra, algo no visto desde “Mrs. Miniver” (1942), también, en relación con el sonido y la banda sonora, al ser una película tan pequeña, hice un experimento:
La vi 2 veces seguidas, donde en la segunda, separé la voz del diálogo para que solo sea el sonido y la banda sonora la que se escuche, y generó un efecto poderoso, eso que los viejos directores llamaban El Arte Cinematográfico, donde la actuación, los gestos, la mirada, los detalles, el encuadre, la perspectiva… son los que hacen fluir una película más allá de las palabras, haciendo más global la obra, y eso solo los genios lo hacen, un ejemplo de quienes usan esa técnica:
Clint Eastwood, o en el cine clásico, William Wyler.
Christopher Nolan citó películas mudas como “Greed” (1924), “Intolerance: Love's Struggle Throughout The Ages” (1916) y “Sunrise” (1927) como inspiración para las escenas en masa de Dunkirk:
“Pasé mucho tiempo revisando las películas mudas para la escenas masivas, la forma en que los extras se mueven, evolucionan, cómo se organiza el espacio, y cómo la cámara los captura y los visualiza”
Nolan, también estudió “A Man Escaped” (1956), “Pickpocket” (1959), “Saving Private Ryan” (1998) y “The Wages Of Fear” (1953) para diseccionar el proceso de crear suspenso, a través de detalles.
Dunkirk posee imágenes poéticas de gran fuerza, no solo por la belleza natural, muy bien fotografiada, sino desde la puesta en escena, las escenas aéreas son muy vertiginosas… se me hizo difícil encontrarle un fallo, y si hay que achacarle algo, sería en lo que respecta al tiempo narrativo, hay momentos en que la situación es de día, y en otros es de noche, que descoloca un poco al espectador, pero que tiene razón de ser, como marca del director, siendo una manera poco convencional de contar un relato.
Y para los que les guste el tema:
Los Messerschmitt Bf 109 que salen, son Buchones españoles; la playa está demasiado limpia y vacía, a comparación de las fotos originales; y hay muy pocas barcas cerca de las playas.
Le dan mucha importancia al combustible de los Spitfire, cuando en realidad tenían más capacidad de combustible que los Bf 109.
Y creo que lo más importante, no explica porque están los soldados donde están, porque para un neófito del tema, se preguntara que hacen ahí…
Atención a los momentos del ataque de bombas en el barco, un suspense a base de miradas, quitando el diálogo por supuesto; llena de sonidos mecánicos, que nos va introduciendo en la cabeza de esos soldados que vivieron aquel momento.
Estas sensaciones, producidas por los sonidos metálicos de la maquinaria bélica y sus engranajes, encajan perfectamente con la vivencia interna de los soldados que solo piensan en escapar.
Un ejemplo claro de este cúmulo de percepciones, es la sensación de vértigo producida por la vista subjetiva de un piloto británico en un avión de guerra, que no solo nos impacta, sino que nos expone como espectadores, situándonos en la piel del piloto, acechado por un avión nazi, a mil pies de altura, y sin saber hacia dónde disparar.
Pero el film va más allá de intentar recrear con espectacularidad y a través de la veracidad, un contexto pasado.
Sobre los actores, Christopher Nolan es capaz de hacer que una piedra recite Shakespeare y arrancar aplausos.
Después de que los relatos de primera mano de la evacuación de Dunkirk, revelaron a Christopher Nolan, cuán jóvenes e inexpertos eran los soldados, decidió lanzar actores jóvenes y desconocidos para la playa; por lo que este es el debut de Fionn Whitehead y Harry Styles.
Si el reparto es coral, Fionn Whitehead toma la bandera con una soltura tan real y natural, que se hizo empática, uno sufre con él.
El oscarizado Mark Rylance, repite de nuevo en un papel muy importante, el heroísmo civil.
Kenneth Branagh, nunca estuvo mejor, callado, actuando a base de gestos.
Eriza la piel, el momento en que Kenneth Branagh, casi con lágrimas en los ojos, pensando “qué más nos puede pasar”, se da cuenta de que el piloto, Farrier, ya sin combustible, planeando, se ha cargado al enemigo que les amenazaba con más bombas.
Espectacular también, el momento de Kenneth Branagh cuando vislumbra entre la niebla los barcos, civiles, no militares, al rescate.
Enorme Tom Hardy, imposible que haya mostrado tanto a punto de miradas, solo le veremos la cara al final, en un momento de tanto suspenso, que al final solo queda aplaudir.
Y es que Tom Hardy tiene menos de 10 líneas en pantalla; y es el único tipo capaz de bordar una interpretación en la que apenas se le ve la cara en toda la película, y apenas habla, ni se mueve, ni nada.
Lo de Hardy en esta película, rompe todos los moldes.
Unos dicen que “no hay papel, que no hay personaje”
Farrier toma decisiones, algunas muy importantes, y hace lo que debe.
No hay necesidad de mostrar nada más.
Su magnetismo y su carisma, están fuera de toda duda.
Su personalidad se expresa por medio de sus actos, que son los del avión.
El avión es el personaje, pero el avión lo pilota un ser humano.
¿Qué más quieren?
El final, con el avión en llamas, es épico.
Está rodado como una victoria moral, y perfecto; y Tom Hardy, como un auténtico ángel de la guarda de los soldados que están en la playa aguardando.
Cillian Murphy, en un papel con poco diálogo, en su 5ª colaboración con Christopher Nolan; su personaje es víctima del Estrés Post-Traumático.
Barry Keoghan es otro actor de gran futuro, como símbolo de la contienda.
Toda su historia, que muere en el barco que sale de Inglaterra, ese momento cuando el personaje interpretado por Cillian Murphy, pregunta si George se salvará, y Peter, impresionante Tom Glynn-Carney, le dice que sí, y su padre asiente como diciéndole:
“Has hecho lo correcto”
No quiere que ese hombre sufra más, George ha muerto por su culpa, por una pelea absurda, pero el chico no quiere atormentarle más...
Eso es bondad, y toda esta trama gira en torno a eso.
Impresionante el momento en que le dice al soldado:
“¡Cuidado!”, y el soldado contesta:
“¡Está muerto!”; y él dice:
“Pues por eso, que cuidado”
Esta escena resume “El Milagro de Dunkirk”, la empatía de aquellas personas que salieron hacia el peligro para rescatar a sus compatriotas.
El respeto y la dignidad ante todo.
Y Harry Styles, un cantante tirado a actor, que es la prueba más refutable de que Christopher Nolan es un director de actores de primera categoría.
En una entrevista, Christopher Nolan comparó el “casting” del músico con el reparto de Heath Ledger como The Joker en “The Dark Knight”, porque la gente también lo subestimó.
Dunkirk, es la 7ª película entre Christopher Nolan y Michael Caine, después de “Batman Begins” (2005), “The Prestige” (2006), “The Dark Knight” (2008), “Inception” (2010), “The Dark Knight Rises” (2012) e “Interstellar” (2014)
Caine aparece en un cameo de voz, sin acreditar, y es la voz en la radio hablando con un oficial de la Royal Air Force a principios de la película.
En todo el film, sólo 2 mujeres tienen papeles en esta película…
En este punto quizás se debe recriminar el hecho de que no participe ninguna mujer como protagonista en casi toda la trama.
Dunkirk está lejos de ser una obra maestra redonda, pues no hay mucha profundidad en los hechos, es una película corta, pero con una edición mejor imposible; pero si desde lo técnico:
Todos los palmarés.
¿Oscar?
Mejor Director, Mejor Actores de Reparto:
Mark Rylance, Tom Hardy, o Barry Keoghan, y nominaciones a todas las categorías técnicas.
La película en ese sentido es un lujo, un milagro cinematográfico del saber hacer.
Y por qué no:
Mejor Película y Mejor Actor para Fionn Whitehead.
Ahora más que nunca, es importante mostrar hechos tan absurdos como trágicos, aquellos que fueron vividos por los jóvenes en La Segunda Guerra Mundial, algo que han pasado por alto la mayoría de los filmes bélicos actuales, pues fueron muchachos muy jóvenes, quienes dieron sus vidas en la guerra.
Si bien es cierto que ninguno muestra realmente una clara evolución dentro de la película, tampoco es que haya tiempo para ello, no se puede afirmar que todos los personajes sean iguales.
En Dunkirk, encontramos desde jóvenes soldados que, ya traumatizados como el personaje de Cillian Murphy o no, sólo piensan en volver a casa, a altos cargos que se niegan a aceptar una derrota.
Por otro lado, en el mar encontramos también desde muchos padres de soldados que se niegan a quedarse de brazos cruzados, pese a que ya por edad no podían ir a la guerra, a chicos jóvenes que sin entender del todo qué está ocurriendo, solo quieren ayudar.
Frustraciones, anhelos, miedos, todo se marca en cada personaje.
“El horror”, como decía aquel... y por último, el final.
Podría haber acabado la película con el rescate, aunque entonces Dunkirk sólo habría sido una película sobre eso, un rescate a gran escala.
Y sin embargo, tras éste se suceden varios pequeños finales, hasta que la película acaba lenta y reposadamente, al igual que el avión de Hardy, que planea y planea hasta que reposa en la arena…
Creo que es el final más acertado que podría tener esta película.
Y la mirada del chico…
¡Qué mirada!
Esos últimos 2 segundos que transcurren entre el final de la lectura del comunicado de Churchill, y los créditos, esa mirada casi perdida, de dolor, de derrota…
Esa mirada expresa en 2 segundos, mucho más que horas y horas de balas, sangre y muerte; que convierte a Dunkirk, en una gran crítica a la política de la guerra, o política de guerra simplemente.
No cabe duda, Dunkirk es Séptimo Arte, y lo mejor del 2017 hasta ahora.
Según el actor y director Kenneth Branagh, aproximadamente 30 veteranos sobrevivientes de Dunkirk, que estaban en sus mediados de los 90 años, asistieron al estreno en Londres.
Cuando se les preguntó sobre la película, pensaron que capturó con precisión el evento, pero que la banda sonora era más fuerte que el bombardeo real, un comentario muy divertido, que agradó al director Christopher Nolan.
Lo más interesante de todo, o quizás admirable, es que ninguno de sus protagonistas se deja vencer por esas circunstancias.
Todos creen en que vale la pena recorrer ese último tramo del camino, y lo hacen a pesar de cualquier dificultad porque piensan que, por lo menos para alguien, su esfuerzo habrá merecido la pena.
Y probablemente, ellos nunca llegaron a saberlo, pero nosotros si somos capaces de apreciar ese enorme entramado de decisiones tomadas, que más a menudo de lo que parece, se han sincronizado en el último segundo para salvar a uno más, o dar tiempo a uno más.
Al final, suma tras suma, todos los millones de soldados en Dunkirk, pueden encontrar su oportunidad, y por un breve momento, también somos capaces de apreciar la cara más inspiradora de la guerra, que Christopher Nolan no ha querido dejar fuera del conjunto:
A veces, esa gran máquina anónima que devora vidas sin compasión, se transforma de la misma manera, en otra enorme máquina de coraje y sacrificio, por muy extrema que sea la situación.
A veces, millones de pequeñas luchas pueden resistirse al tic-tac del reloj, y si no silenciarlo, al menos hacerlo trabajar en beneficio común.
Y a veces, el solo hecho de ver algo tan terrible acercándose, es suficiente para intentar ir en sentido contrario.
Christopher Nolan, no esquiva que las decisiones jodidas, sirven muchas veces a causas injustas, o que una momentánea cobardía puede ser un alto precio a pagar por una vida, no necesariamente más importante que las demás, aunque cualquier muerte cercana se hace significativa.
Pero la verdadera victoria es que, otras tantas veces, alguien se elimina de la ecuación para que otros tengan una oportunidad.
Alguien decide seguir adelante, y enfrentarse a la total falta de oportunidades, solo para que otros miles puedan sentir seguridad.
Y a veces solo hace falta una palabra amable en medio de la desolación, una que dé la tranquilidad que no hay en ninguna parte, para sentirse más cerca del hogar.
¿De qué nos habló Dunkirk?
De hombres normales y corrientes, al rescate de miles de soldados atrapados en una playa, perseguidos por el enemigo, una amenaza constante, invisible, fantasmal, no hace falta insistir en ello, los nazis son un elemento tangencial; de la dignidad, de personajes que hacen lo que tienen que hacer, o lo único que pueden hacer en esas circunstancias.
Nos habla de la lealtad, del compromiso, de la responsabilidad, de la solidaridad, de la bondad.
No se trata de mero patriotismo, se trata de explicar algo más complejo, pero sin moralizar.
Sin embargo, es una película que intenta transmitir ciertos valores, quizá esto irrite a algunos.
Así que Dunkirk, no se trata de una película de guerra, sino de supervivencia.
Y sobre todo, es una película con un claro mensaje antibelicista:
La guerra es un infierno que deja huella, y es una experiencia tan traumática y horrible, que el que la vive, no desea volver otra vez allí; un mensaje personificado en ese soldado derrotado en Cillian Murphy.
Por último, la banda sonora corre a cargo del compositor Hans Zimmer, en lo que supone la 6ª colaboración entre ambos, desde que hizo la banda sonora de “Batman Begins” (2005)
Hans Zimmer, usó el reloj de bolsillo de Nolan, para crear el sonido del reloj en la película; luego, puso los sonidos en sintetizadores, y los alteró de diferentes maneras para la banda sonora; además, tomó prestado especialmente de “Enigma Variations” del compositor británico Edward Elgar para completar el “score”
“At the point of crisis, at the point of annihilation, survival is victory”
Lo que pudo haber sido una masacre, se convirtió en una heroicidad que permitió a los británicos reorganizarse, y frustrar los planes de Hitler contra Inglaterra.
Nunca antes, la cita de Napoleón, “una retirada a tiempo es una victoria”, había sido tan precisa.
En cuanto a la importancia de La Batalla de Dunkirk, Christopher Nolan declaró:
“Este es un momento esencial en la historia de La Segunda Guerra Mundial.
Si esta evacuación no hubiera sido un éxito, Gran Bretaña se habría visto obligada a capitular, y todo el mundo se habría perdido, o habrían conocido un destino diferente:
Los alemanes sin duda, habrían conquistado Europa, los Estados Unidos no habrían entrado a la guerra, es un verdadero punto de ruptura en la guerra y en la historia del mundo.
Y el éxito de la evacuación, permitió a Churchill imponer la idea de una victoria moral, que le permitiera galvanizar a sus tropas como civiles, e imponer un espíritu de resistencia, mientras que la lógica de esta secuencia debía haber sido la de rendirse.
Derrota, en el plano humano, es una victoria colosal”
Las bajas alemanas en Dunkirk fueron 20.000 a 30.000 muertos y heridos; 100 tanques y 240 aviones.
Mientras Los Aliados tuvieron 11.000, unos 3.500 británicos; 7 muertos; de 60.000 a 100.000 prisioneros británicos, de los más de 40.000 soldados británicos capturados, que lucharon contra la retaguardia, 10.000 más eran escoceses.
Incluyendo batallones de hombres de edad militar en Francia y las Islas del Canal Inglés; 50.000 vehículos, inclusive tanques; 9 destructores, 200 embarcaciones, y 177 aviones.
Hasta la caída de Singapur en 1942, la retirada de Dunkirk fue vista como la peor derrota en la historia militar británica; y muy a pesar que El Ejército Francés siguió luchando, los alemanes entraron a París, el 14 de junio de 1940; por lo que el gobierno francés, fue obligado a negociar un armisticio en Compiègne, el 22 de junio.
En Dunkirk, hay un memorial de mármol, en recuerdo de esta batalla.
Su texto en francés dice:
“A la gloriosa memoria de los pilotos, marineros y soldados de los ejércitos franceses y Aliados, que se sacrificaron en La Batalla de Dunkirk.
Mayo – Junio de 1940”
Por otra parte, la propaganda británica, explotó posteriormente la exitosa evacuación de Dunkirk en 1940, en especial “el papel de los pequeños barcos de Dunkirk”, de forma muy efectiva.
Muchos de los “pequeños barcos”, eran embarcaciones particulares, tales como pesqueros y yates, pero navíos comerciales tales como los ferribotes, también contribuyeron con la fuerza, incluyendo algunos de lugares tan remotos como Man Island y Glasgow.
Estas pequeñas embarcaciones, guiadas por buques de guerra a través del canal desde el estuario del Támesis y Dover, ayudaron en la evacuación oficial.
Siendo capaces de acercarse mucho más a las aguas poco profundas de las playas, “los pequeños barcos” actuaron como transbordadores hacia y desde las grandes embarcaciones, llevando soldados que hacían cola dentro del agua, muchos de ellos esperando por horas con el agua hasta los hombros.
El término “Espíritu de Dunkirk” aún hace referencia a la creencia popular en la solidaridad del pueblo británico, en tiempos de adversidad.

“The event that shaped our world”