South Pacific
“Some enchanted evening, you may see a stranger, you may see a stranger across a crowded room, and somehow you know, you know even then, that somehow you'll see here again and again.
Some enchanted evening, someone may be laughing, you may hear her laughing across a crowded room, and night after night, as strange as it seems, the sound of her laughter will sing in your dreams”
James Albert Michener fue un escritor y novelista estadounidense de más de 40 libros, la mayoría de los cuales fueron sagas familiares ficticias y extensas, que cubren las vidas de muchas generaciones en lugares geográficos particulares, e incorporando una historia sólida.
Michener viajó por todo El Océano Pacífico Sur en varias asignaciones como historiador naval, que ganó porque sus Comandantes de base erróneamente pensaron que su padre era El Almirante Marc Mitscher; sin embargo combatió con La Armada de los Estados Unidos durante La Segunda Guerra Mundial, de cuya experiencia nació su obra “Tales Of The South Pacific”, publicada en 1947 cuando tenía 40 años, con la que ganó El Premio Pulitzer de Ficción en 1948.
Era su primer libro, que tuvo tan éxito que luego fue adaptado como el popular musical de Broadway “South Pacific” por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein, y más tarde como largometrajes epónimos en 1958 y 2001, añadiendo a su éxito financiero.
“Tales Of The South Pacific” es una colección de cuentos cortos relacionados secuencialmente sobre La Campaña del Pacífico en La Segunda Guerra Mundial; cuyas historias se basan en observaciones y anécdotas que recopiló mientras estaba destinado como Teniente Comandante en La Marina de los EEUU en la isla de Espíritu Santo en Las Islas Nuevas Hébridas, ahora conocidas como Vanuatu.
El autor utilizó la imagen tranquila y brumosa de la isla, suavemente inclinada en el horizonte para representar un lugar de inocencia y felicidad no tan lejano, pero siempre inalcanzable; y en su libro de memorias, “The World Is My Home” (1992), Michener escribe sobre su tiempo en Las Islas del Tesoro:
“En un rudimentario letrero conectado a un árbol, alguien había colocado un cartón dando el nombre del asentamiento, y era tan completamente diferente de los nombres ordinarios, tan musical para mi oído, que tomé prestado un lápiz, y en un cuaderno mojado anoté el nombre en contra del día en que podría querer usarlo para algún propósito que no podría entonces prever:
Bali-ha'i”
Todo inició cuando el autor sobrevivió a un accidente aéreo en Nueva Caledonia; la experiencia cercana a la muerte, lo motivó a escribir ficción, y comenzó a escuchar las historias contadas por los soldados.
Un viaje lo llevó a Las Islas del Tesoro, donde descubrió un pueblo desagradable, llamado “Bali-ha'i”, poblado por “residentes flacos y un solo cerdo”
Impresionado por el nombre, Michener comenzó a trabajar en una máquina de escribir maltratada, su versión de los cuentos; y en una plantación en la isla de Espíritu Santo, conoció a una mujer llamada Bloody Mary; era pequeña, casi desdentada, con la cara manchada de jugo de betel rojo; y acentuado con las blasfemias aprendidas de los soldados, ella se quejó interminablemente con Michener sobre el gobierno colonial francés, que se negó a permitir que ella y otros habitantes de Tonkines volvieran a su Vietnam natal, por temor a que las plantaciones se despoblaran; y le contó también sus planes para oponerse al colonialismo en la Indochina francesa.
Estas historias, recopiladas en “Tales Of The South Pacific”, le valieron a Michener el Premio Pulitzer de ficción de 1948.
Las historias tienen lugar en los alrededores del Mar de Coral y Las Islas Salomón.
Michener como narrador, le da una voz en primera persona a varias de las historias como un “Comandante sin nombre”, realizando tareas similares a las que él mismo realizó durante La Segunda Guerra Mundial.
Las historias están interconectadas por personajes recurrentes y varias líneas de trama sueltas; una línea argumental en particular, es la preparación y ejecución de una invasión anfibia ficticia, cuyo nombre clave es “Alligator”
El enfoque de las historias es, sin embargo, las interacciones entre los estadounidenses y una variedad de personajes coloniales, inmigrantes e indígenas.
La cronología de las historias comienza con la construcción de un aeródromo en La Isla Norfolk, antes de La Batalla del Mar de Coral en 1942, y pasa por la invasión de principios de 1944 de una de las islas ficticias de Michener.
Aunque las historias se refieren principalmente a La Marina de los EEUU, la mayor parte de la acción se basa en las costas, y ninguna de las historias se refiere a barcos más grandes que un LCI.
De esa manera, “Tales Of The South Pacific” comprende 19 historias; cada una se mantiene independiente, pero gira en torno a la preparación de una operación militar estadounidense para desalojar a los japoneses de una isla cercana.
Esta operación, llamada “Alligator”, ocurre en la penúltima historia, “The Landing at Kuralei”, donde muchos de los personajes mueren en esa batalla; y la última historia se titula “El cementerio en Huga Point”
Las historias están temáticamente vinculadas por parejas:
Las historias primera y final son reflexivas, la segunda y la 18ª implican batalla, la tercera y la 17ª implican preparación para la batalla, y así sucesivamente.
La 10ª historia, en el centro, sin embargo, no está emparejada con ninguna otra.
Esta historia, “Fo 'Dolla'”, fue una de las únicas 4 de sus muchas obras que más tarde admitió tener en alta estima; siendo además la que atrajo la atención de Rodgers & Hammerstein por su potencial para convertirse en un trabajo escénico…
“Fo 'Dolla'” está ambientada en parte en la isla de Bali-ha'i, y se centra en el romance entre una joven tonquinina, Liat; y uno de los estadounidenses, El Teniente de Marina, Joe Cable, un graduado de Princeton y vástago de un familia rica de Main Line.
Presionada para casarse con Liat por su madre, Bloody Mary, Cable declina a regañadientes, al darse cuenta de que la niña asiática nunca sería aceptada por su familia o la sociedad de Filadelfia.
Él se va a la batalla, donde morirá; mientras Bloody Mary continúa con su plan de respaldo, para afianzar a Liat a un rico sembrador francés en las islas.
Cable lucha, durante la historia, con su propio racismo:
Puede superarlo lo suficiente como para amar a Liat, pero no lo suficiente como para llevarla a casa.
Otra fuente del musical de Rodgers & Hammerstein es la 8ª historia, “Nuestra heroína”, que está emparejada temáticamente con la 12ª, “El diente de un jabalí”, ya que ambas involucran encuentros estadounidenses con culturas locales.
“Nuestra heroína” cuenta sobre el romance entre la enfermera de La Marina, Nellie Forbush, de la zona rural de Arkansas; y un rico y sofisticado plantador, el francés Emile De Becque.
Después de enamorarse de Emile, Nellie, que se presenta brevemente en la historia #4, “Un oficial y un caballero”, se entera de que Emile tiene 8 hijas, fuera del matrimonio, con varias mujeres locales.
Michener nos dice que “cualquier persona... que no era blanca o amarilla era negra”; y para Nellie, aunque está dispuesta a aceptar a 2 de los niños, de descendencia franco-asiática que permanecen en la casa de Emile, le desconcierta por las otras 2 muchachas que viven allí, la evidencia de que el plantador había cohabitado con una mujer polinesia más oscura...
Para su gran alivio, se entera de que esta mujer está muerta, pero Nellie pone en peligro su relación con Emile, cuando inicialmente no puede aceptar a los “nigger children” de Emile; pero Nellie supera sus sentimientos, y vuelve para pasar su vida con el dueño de la plantación.
A principios de la década de 1940, el compositor Richard Rodgers y el letrista Oscar Hammerstein II, veteranos de Broadway desde hace mucho tiempo, unieron fuerzas y comenzaron su colaboración escribiendo 2 musicales que se convirtieron en éxitos masivos:
“Oklahoma!” (1943) y “Carrusel” (1945)
Siendo una gran innovación para su tiempo en la integración de canción, diálogo y baile, en “Oklahoma!” que serviría como “el modelo de espectáculos de Broadway durante décadas”
De hecho, en 1999, la revista Time nombró a “Carousel” el mejor musical del siglo, y escribió que Rodgers & Hammerstein “establecieron los estándares para el musical del siglo XX”
Según el director de cine, Joshua Logan, amigo de ambos hombres del teatro, él y Leland Hayward, mencionaron el libro de mayor venta de Michener a Rodgers, como una posible base para la siguiente obra del dúo, pero el compositor no tomó ninguna medida.
Logan recordó, que luego se lo señaló a Hammerstein, quien leyó el libro de Michener, y habló con Rodgers; y los 2 acordaron hacer el proyecto, siempre y cuando tuvieran el control de la producción, a lo que Hayward aceptó a regañadientes.
Hayward intentó comprar los derechos de Michener directamente, ofreciendo $500; y Michener se rehusó.
A pesar de que la dramaturga Lynn Riggs había recibido el 1.5% de los ingresos brutos de taquilla por el derecho de adaptar “Green Grow the Lilacs” a “Oklahoma!”, Michener nunca se arrepintió de aceptar el 1% de los ingresos brutos por “South Pacific”
Cuando Rodgers & Hammerstein comenzaron su trabajo sobre la adaptación, Michener trabajó principalmente con el letrista, pero Rodgers estaba preocupado por las implicaciones del montaje, temiendo que tendría que incluir ukeleles y guitarras, lo que no le gustaba… pero Michener le aseguró que el único instrumento que había escuchado tocar a los nativos, era un barril de gasolina vaciado, tamborileado con palos…
Poco después de la compra de los derechos, Rodgers & Hammerstein decidieron no incluir un ballet, como en sus trabajos anteriores, sintiendo que el realismo del entorno no lo apoyaría; y preocupaba porque una adaptación demasiado centrada en “Fo 'Dolla'”, la historia del encuentro entre Cable y Liat, sería demasiado similar a la de “Madama Butterfly”, Hammerstein pasó meses estudiando las otras historias, y centró su atención en “Nuestra heroína”, el cuento del romance entre Nellie y Emile.
Así, el equipo decidió incluir ambos romances en la obra musical; y era común en ese momento que, si una historia de amor en un musical era seria, la otra sería más cómica; pero en este caso, ambas eran serias, y se centraban en el prejuicio racial; por lo que decidieron aumentar el papel desempeñado por Luther Billis en las historias, fusionando experiencias y elementos de varios otros personajes en él.
El cambio de rumbo de Billis, proporcionaría alivio cómico; y también acortaron el título a “South Pacific”
Rodgers relató, que los productores estaban cansados de que la gente hiciera juegos de palabras atrevidos con la palabra “Cuentos”
Finalmente, Rodgers compuso la música una vez que recibió la letra de Hammerstein.
Así fue como nació “South Pacific” el musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, con libreto de Oscar Hammerstein II y Joshua Logan, con el objetivo de enviar un fuerte mensaje progresivo sobre el racismo.
La trama se centra en una enfermera estadounidense estacionada en una isla del Pacífico Sur durante La Segunda Guerra Mundial, que se enamora de un propietario expatriado de una plantación francesa de mediana edad, pero se esfuerza por aceptar a sus hijos de raza mixta.
Un romance secundario, entre un Teniente estadounidense y una joven mujer de Tonkinesa, explora sus temores de las consecuencias sociales si se casa con su novia asiática.
El tema de los prejuicios raciales se explora con franqueza a lo largo de todo el musical, de manera más controvertida en la canción del Teniente “Tienes que ser educada con cuidado”
Los personajes secundarios, incluidos un suboficial cómico y la madre de la niña tonkinesa, ayudan a unir las historias.
Y como carecía de conocimiento militar, Hammerstein tuvo dificultades para escribir varias partes del guión; el director de la producción original, Joshua Logan, lo ayudó y recibió crédito como coguionista del libreto.
El musical se estrenó en 1949 en Broadway, y fue un éxito inmediato; siendo nominado a 10 Premios Tony, ganando todas las categorías, incluyendo:
Mejor Musical, Mejor Actor Principal en un Musical, Mejor Actriz Principal en un Musical, Mejor Actor de Reparto en un Musical, Mejor Actriz de Reparto en un Musical, Mejor Director de un Musical, Mejor Música Original, y Mejor Guión de un Musical.
Esta producción original, se representó durante 1.925 funciones; y tiene el récord de ser la única producción musical de la historia que ganó en todas las categorías de actuación en Los Tony.
Como ganadora del Premio Pulitzer en Drama, el musical “South Pacific” forma parte de un grupo selecto de 9 musicales que han ganado El Premio Pulitzer en drama musical, siendo 1 por década desde 1930 hasta 1990:
“Of Thee I Sing” (1931), “South Pacific” (1949), “Fiorello” (1959), “How to Succeed in Business Without Really Trying” (1961), “A Chorus Line” (1975), “Sunday in the Park with George” (1984), “Rent” (1996), “Next to Normal” (2009) y “Hamilton”
(2016)
El álbum del elenco original de Broadway de “South Pacific” vendió más de 1 millón de copias, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de la década de los 1940; y varias de sus canciones, incluyendo “Bali Ha'i”, “I'm Gonna Wash That Man Right Outa My Hair”, “Some Enchanted Evening”, “There Is Nothing Like a Dame”, “Happy Talk”, “Younger Than Springtime” y “I'm in Love with a Wonderful Guy” se han convertido en estándares populares, pero la canción más destacable del musical es “Some enchanted evening” cantada por innumerables cantantes famosos, sobre todo de jazz.
“I'm gonna wash that man right outa my hair, and send him on his way”
South Pacific es un musical del año 1958, dirigido por Joshua Logan.
Protagonizado por Rossano Brazzi, Mitzi Gaynor, John Kerr, Ray Walston, Juanita Hall, France Nuyen, Russ Brown, Jack Mullaney, Ken Clark, Floyd Simmons, Candace Lee, Warren Hsieh, Tom Laughlin, entre otros.
El guión es de Paul Osborn, basado en la colección de cuentos cortos de James A. Michener, “Tales Of The South Pacific” y en el musical de Rodgers & Hammerstein; siendo considerada como la película con mayores recaudaciones de 1958.
El director, Joshua Logan, se caracterizó en buena parte de su labor en la pantalla, por la traslación de textos escénicos generalmente recreados con éxito en el teatro musical de Broadway; y con ello atraía a unos públicos acostumbrados a las melodías de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, muy cercanas al gusto popular, e inclinándose por lugares exóticos y tratamientos paternalistas de temas importantes.
Por ejemplo, la isla hawaiana Kauai, fue el sitio principal que el equipo de producción de South Pacific utilizó como locación para representar la isla ficticia Bali Hai; algunas tomas pertenecen a la isla tropical Tioman Island, cerca de la costa oriental de Malasia; y la locación principal brindó elementos importantes para el desarrollo de la trama.
Además, South Pacific es la 4ª película del realizador, que ya se encontraba a gusto tratando melodramas de entorno interracial, que tuvieron una corriente muy amplia en el cine de aquellos años; siendo ahora producida por la Fox en 1958, y rodada en el novedoso sistema panorámico Todd-AO, negativo de 65mm. con copias en 70mm para los cines; que se caracterizó principalmente en su estreno por este sistema cinematográfico, pero en los cines preparados con proyectores de 70mm y el fabuloso sonido estereofónico de 6 pistas magnéticas, que junto a una maravillosa partitura musical de Richard Rogers, le valió un Premio Oscar al Mejor Sonido, y obtuvo 2 nominaciones más:
Mejor cinematografía y banda sonora.
Pero la gran perfección del sonido estereofónico magnético de 6 pistas, impresionó a los espectadores consiguiendo con todo ello un éxito grande taquilla; sin embargo, la película es más conocida por el uso de filtros iluminados durante la reproducción de la mayor parte de las secuencias musicales, efectos que han sido también criticados enormemente.
De hecho, el director Joshua Logan quería cambiarlo, pero 20th Century Fox, la empresa que distribuyó a nivel mundial la adaptación original, rehusó hacerlo, y sin considerarlo de nueva cuenta, el director no pudo corregir algunas escenas, incluso la película ya se encontraba en exhibición en algunos cines estadounidenses.
No obstante, todas las canciones de la producción teatral se conservaron para la película; siendo esta la única adaptación cinematográfica teatral de un show de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II en tener todas las canciones intactas, con la adición de la canción “My Girl Back Home”, que fue cortada de la obra antes de que se abriera.
La banda sonora permaneció durante varias semanas en las listas de popularidad de Reino Unido, 115 en total, durante mediados de los años 1950 y principios de los años 1960.
Como controversia, ya desde el desarrollo del escenario musical, Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II fueron presionados para eliminar la canción “You've Got To Be Carefully Taught”, pero se resistieron; por ello, la película fue recibida con objeciones, e incluso boicots en ciertas partes del país específicamente a causa de la canción, por sus comentarios sobre las relaciones entre diferentes razas y grupos étnicos.
De hecho, Rodgers & Hammerstein se arriesgaron a la luz de los desafíos legislativos contra la decencia o la supuesta agenda comunista; y mientras el espectáculo recorría el sur de los Estados Unidos, los legisladores de Georgia presentaron un proyecto de ley que prohibiera el entretenimiento que contiene “una filosofía subyacente inspirada en Moscú”
Tanto que un legislador dijo que “una canción que justificaba el matrimonio interracial era implícitamente una amenaza para el estilo de vida estadounidense”
Rodgers & Hammerstein defendieron su trabajo con fuerza; y James Michener, en cuyas historias se basó South Pacific, recordó:
“Los autores respondieron obstinadamente que este número se representara por qué habían querido hacer esta obra, y que incluso si eso significaba el fracaso de la producción”
Por otro lado, la versión original de la película duraba cerca de 3 horas, por lo que más tarde, los editores eliminaron algunas secuencias secundarias para ajustarla a una nueva duración de 2 horas y media.
La versión original fue hallada tiempo después, y exhibida en Bradford, Inglaterra, el 14 de marzo de 2005.
Cuando Fox, en ese entonces, propietaria de los derechos de la adaptación, se enteró del descubrimiento, optó por elaborar una versión remasterizada con 14 minutos adicionales de escenas inéditas en la versión exhibida.
Un paquete de 2 discos DVD, fue lanzado comercialmente el 7 de noviembre de 2006, ofreciendo la versión original y la extendida; pero esa versión extendida nunca fue mostrada públicamente.
A partir de entonces, Metro-Goldwyn-Mayer es la responsable de la adaptación y exhibición; y Fox mantiene los derechos sobre el DVD.
Para el 31 de marzo de 2009, South Pacific se convirtió en el primer musical de Rodgers & Hammerstein disponible en Blu-ray Disc de alta definición.
La acción principal de la película tiene lugar en una isla indeterminada del Pacífico Sur en 1943, poco después de la ocupación de EEUU de Las Islas Salomón, desde las que iniciaron la ofensiva sobre El Pacífico Central, con el objetivo de prepararse para una posible invasión en las costas de Nueva Guinea.
Mientras los marines esperan el momento de emprender su misión, montan fiestas y espectáculos de entretenimiento, en torno a los cuales se desarrollan 2 historias de amor:
La ingenua enfermera de La Marina, Nelly Forbush (Mitzi Gaynor) con el dueño de una plantación, Emile de Becque (Rossano Brazzi), un jardinero francés, de mediana edad, a quien La Armada busca para contratar como “elemento de reconocimiento” y obtener información de las tropas japonesas invasoras; y la del inmaduro Teniente Joseph Cable (John Kerr) con la nativa Liat (France Nuyen)
En medio de la trama restante, se devela el resto; y la película aporta un relato breve sobre el que apoya números musicales de gran éxito en su momento; pues la música es el centro de atención del film, y su verdadero protagonista.
Los 2 romances que la acompañan aportan, entre otras cosas, la defensa del amor interracial y la crítica de las actitudes racistas y xenófobas, como las ligadas a los prejuicios de Nelly con los hijos mestizos de Emile; y de Joe, que acepta a Liat como amante, pero no como esposa.
Los 2 romances se ven envueltos en circunstancias adversas, como es habitual en las obras de Logan; donde también el autor hace una generosa exhibición de torsos masculinos desnudos, aprovechando la mayor permisividad de la censura, y buscando el favor del público femenino.
Al tiempo que se añaden puntos de comicidad a cargo de Luther Billis (Ray Walston); y en el trasfondo se palpa la tragedia de La Segunda Guerra Mundial.
Este estupendo musical de Rodgers & Hammerstein, no se trata de un musical al uso, sino que mezcla diferentes historias en un ambiente bélico; siendo una película muy atractiva, llena de espléndidos paisajes naturales, no de cartón piedra, y con muchos extras reales, no de los creados por ordenador.
Tiene un punto de humor todavía válido hoy en día, y las canciones son maravillosas, aunque yo diría que hay que escucharlas una segunda vez para poderlas apreciar en su plenitud.
La película cosechó un buen éxito de público y críticas poco favorables; por lo que cayó después en el olvido…
“Bali Ha'I may call you, any night, any day in your heart, you'll hear it call you, one where they know they would like to be Bali Ha'I may call you, any night, any day in your heart, you'll hear it call you, come away...”
Después del éxito de la versión cinematográfica de Rodgers & Hammerstein “Oklahoma!” (1955), los productores decidieron abordar una adaptación en pantalla grande de “South Pacific” como su próximo proyecto; siendo producida por South Pacific Enterprises, una compañía creada específicamente para la producción, propiedad de Rodgers, Hammerstein, Logan, Magna Theatre Corporation, dueños del proceso de pantalla panorámica Todd-AO en el que se fotografiaría la película; y Leland Hayward, productor de la producción teatral original; 20th Century Fox invirtió parcialmente en la producción a cambio de algunos derechos de distribución; además, todos los departamentos y jefes de departamento, eran de Fox.
El plan original de los productores, era hacer que Ezio Pinza y Mary Martin, los 2 protagonistas del elenco original de Broadway, repitieran sus papeles para la película, pero Pinza murió repentinamente en mayo de 1957.
Si hubiera vivido para actuar en la película, los productores habrían echado a Martin.
En cambio, le ofrecieron a Doris Day la parte de Nellie, pero lo rechazó; Elizabeth Taylor probó para el mismo papel, pero Rodgers la rechazó después de que ella sufrió el miedo escénico en su audición.
Logan más tarde la escuchó cantar, pero no fue capaz de persuadir a Rodgers para que cambiara de parecer...
En última instancia, Mitzi Gaynor, que había trabajado anteriormente en películas musicales, y había probado 2 veces para Nellie, fue elegida para el papel.
Rossano Brazzi fue seleccionado como Emile, un papel que se ofreció por primera vez a estrellas tan consagradas como Charles Boyer, Vittorio De Sica y Fernando Lamas.
Ray Walston, un destacado actor musical de Broadway, interpretó el papel de Seabee Luther Billis, que anteriormente hizo en el escenario en Londres.
Y preocupados de que la exuberante configuración tropical de la película pareciera antinatural en Tecnicolor, y parcialmente para ocultar las fluctuaciones del clima durante el rodaje, el director Joshua Logan suavizó el efecto, filmando varias escenas a través de los nuevos filtros de colores disponibles...
Más tarde indicó, que consideraba que este era el mayor error que había cometido en su carrera de filmación; y quería que los filtros fueran más sutiles, pero dice que el laboratorio de procesamiento de películas los había vuelto más extremos de lo que a él le gustaba… y no había tiempo para volver a rodar sin ellos o reemplazarlos, porque la película ya estaba en un “roadshow” y los boletos se habían reservado con meses de anticipación.
Sin embargo, según su hijo Tom Logan, cuando la película apareció por primera vez en VHS, y Logan la vio, le gustaban las escenas filtradas...
La fotografía de Leon Shamroy, hace uso de primeros planos no muy cerrados, brillantes “travellings” aéreos y terrestres, magníficas vistas aéreas y luces filtradas que tiñen de color monocromo, sea dorado, azul o rosa varias escenas, imitando la iluminación del show.
Se trata con gran respeto la muerte de Cable, y el guión combina canciones, romances difíciles, y una trama de espionaje que eleva la tensión dramática hacia el final del metraje.
La historia se centra en la vida de unos militares de los EEUU, las enfermeras y los residentes de la isla polinesia que ocupan durante La Segunda Guerra Mundial.
Se narran 2 historias de amor paralelas, amenazadas por los peligros de la guerra y los prejuicios:
Nellie, una valiente enfermera de Arkansas, se enamora de Emile, el maduro dueño de una plantación francés.
Ella se entera de que la madre de los hijos de Emile, es una nativa de la isla, e incapaz de superar los prejuicios que le inculcaron de pequeña, rechaza la propuesta de matrimonio de Emile…
Mientras El Teniente Joe Cable se niega a sí mismo la posibilidad de un futuro pleno junto con la chica nativa de la que se ha enamorado, víctima de los mismos miedos que Nellie.
Cuando Emile es reclutado para acompañar a Joe en una misión peligrosa, Nellie se da cuenta de que la vida es demasiado corta para desaprovechar las oportunidades que se presentan para ser feliz, venciendo de esta manera sus prejuicios.
Aunque logró un gran éxito comercial en su momento, South Pacific recibió una fría acogida crítica, siendo hasta entonces el primer gran batacazo en este sentido sufrido por su artífice.
Pero dejémonos de prejuicios, de las limitaciones que impone un subgénero como la opereta, o la timidez que se detecta a la hora de abordar la discriminación racial.
Dejemos igualmente de acusar al film de Logan de ser una simple “postal turística”, o la visión simplificadora que se ofrece del conflicto de guerra expuesto.
Para aquellos que nos sentimos defensores de su cine, cabe decir en concreto sobre esta película, que su gama cromática es una de las más hermosas, compensadas, densas e incluso inclinadas a una vertiente “fantastique” que se recuerdan, con la que justificaríamos el recurso a unos “flous” o imágenes teñidas de diferentes colores, que quieren exteriorizar los estados de ánimo de sus principales personajes.
Y se valora y se siente, interesa, y en sus mejores momentos, incluso emociona, partiendo de la plena asunción de las limitaciones de su material de base, y no renunciando, al contrario, potenciando esos rasgos de aparente “tarjeta postal” que se subliman precisamente a través de la intensidad de una puesta en escena basada en la utilización de los elementos dramáticos puestos a su disposición.
Y es que si en este caso puede aducirse que hay un exceso de canciones, aunque algunas de ellas son bellísimas, lo cierto es que no interfieren en el desarrollo dramático de una película, espectáculo de primer orden, que se sigue con creciente interés, y en la que precisamente las melodías sirven para expresar los sentimientos y emociones de sus protagonistas.
Pero también lo hacen otros elementos consustanciales a los modos fílmicos de Logan:
Desde ese cromatismo y luminosidad de su puesta en escena, la peculiar disposición de los actores en las secuencias corales, la nada chirriante combinación de melodrama y comedia, la pureza de su intensidad dramática, y la fuerza de la dirección de actores.
Pero es quizá esa muestra del realizador, de saber plasmar con auténtica fuerza, la aparentemente sencilla utilización de los recursos expresivos de los que dispone a su alcance, para transmitir con una mirada, uno de sus inolvidables primeros planos, en esta ocasión no tan cerrados como en anteriores películas suyas, o un leve movimiento de cámara.
Trasladar con ellos esa historia aparentemente banal, de unos seres que se atraen y por cobardía envuelta de atavismos racistas, impiden que su atracción se consuma.
Y son muchos los ejemplos que hablan bien a las claras en las imágenes de esta película de esos sentimientos encontrados, y que nos hacen olvidar de ese abuso de filtros de color, o en algunas estáticas composiciones musicales pobladas por musculosos y sudorosos marines.
En esa línea, podríamos citar la irresistible sensación de felicidad que se transmite en la secuencia parcialmente acuática entre Joe Cable y Liat; el rechazo que instintivamente se produce por parte de Mitzi Gaynor cuando se entera que Rossano Brazzi ha tenido una esposa polinesia antes de conocerla a ella; o la elegancia con la que se muestra la muerte de Joe…
Negar esa maestría de Logan, es no apreciar algo que se describe con claridad meridiana, y que pocos hombres de cine de su tiempo podían igualar.
Por otro lado está su tratamiento del erotismo masculino, cercano a una estética “gay”, por su forma de elegir, embellecer y fotografiar a guapos actores, a los que sirve en ocasiones con unos modos casi “viscontinianos/pasolinianos”, en esta ocasión, se patentiza en la presencia casi constante y de forma algo “caliente” de atractivos marinos con el torso desnudo, del que el personaje que encarna John Kerr sería el ejemplo más evidente de este enunciado… más cuando va a la isla con Joe y le dice que “hay buenos hombres” a lo que Cable responde:
“Sin comentarios…”
Mientras tanto, algunas de las diferencias entre la versión de la película y la versión de Broadway del musical, es que la primera y segunda escenas de la obra se cambian, junto con todas las canciones contenidas en esas 2 escenas.
La versión teatral comienza con la primera escena de Nellie y Emile juntos en la plantación, luego muestra a Bloody Mary, El Teniente Joe Cable y los Seabees en la playa; mientras que en la versión cinematográfica se muestra al Teniente Cable desde el principio, en avión a la isla, donde los Seabees y Bloody Mary tienen sus primeros números musicales.
El primer número musical de la película es “Bloody Mary”, cantado por los Seabees; mientras que en la versión teatral es “Dites-moi”, cantado por los hijos de Emile.
De hecho, Emile no aparece en la película hasta aproximadamente 30 minutos después; mientras Nellie aparece por primera vez durante la escena con los Seabees.
Debido al cambio, la canción más famosa del programa, “Some Enchanted Evening”, no se escucha hasta casi los 45 minutos de la película; mientras que en la obra se escucha unos 15 minutos después de que el acto I comienza.
Con todo, en ambas obras, teatral y cinematográfica, las escenas de amor entre los personajes de Joe Cable y Liat fueron consideradas impactantes por los estándares aún conservadores de finales de los años 50.
Llama poderosamente la atención que los marines, soldados y demás, solo busquen sexo allá donde los lleve la misión, o que algunas madres de nativas solo pretendan casar a sus hijas con estadounidenses ¿para que se larguen de la isla?
Como anacronismo, al menos 2 de los marineros son negros...
Las Fuerzas Armadas no fueron segregadas hasta 1948, 3 años después de La Segunda Guerra Mundial.
Liat no entiende inglés, pero cuando su madre canta “Happy Talk” en inglés, muestra con sus gestos que entiende lo que su madre está cantando…
No tiene sentido que Bloody Mary aliente a la joven pareja a participar en conversaciones alegres sobre muchas cosas, cuando el único idioma que comparten, es unas pocas palabras de francés.
Además, aunque la cabina del hidroavión parece tener todo su cristal proyectado, la tripulación nunca muestra ningún efecto por el viento que lo azota…
Como dato, El Capitán Brackett siente un gran malestar por un desaire implícito del Teniente Cable sobre la virilidad de los hombres mayores… y afirma que “yo, de hecho, tengo más de 50”
Russ Brown, el actor que interpreta al Capitán Brackett tenía, de hecho, 66 años en ese momento.
Del reparto, y según algunas fuentes, Mary Martin no interpretó a Nellie Forbush en la película, porque Ezio Pinza, que había retratado a Emile de Becque en el escenario, ya había muerto, y los productores consideraron que era una tarea desesperada encontrar a alguien que la igualara.
Otras fuentes dicen que, a los 45 años de edad, Martin era demasiado vieja para el papel en el momento en que se hizo la película, por lo que Mitzi Gaynor fue finalmente elegida para el papel.
France Nuyen, aún no había aprendido inglés cuando interpretó el papel de Liat.
Afortunadamente, pudo conversar en su lengua materna, francés con su coestrella Rossano Brazzi, que hablaba francés, además de su italiano nativo.
El marinero con el torso desnudo que comienza a cantar “There is Nothing Like a Dame” y “We got sunlight on the sand”, es Ed Fury, futura estrella de varias películas de “sandalia y espada”
Como dato, probablemente haya más voces cantadas en esta película que en cualquier otra versión de pantalla de un musical de Rodgers and Hammerstein, pero la única persona que recibe crédito de pantalla, es la de Giorgio Tozzi, quien dobla la voz de Emile de Becque (Rossano Brazzi)
Esto se debe a que Tozzi fue un barítono de contrabajo con La Metropolitan Opera; además, Juanita Hall, que había hecho de Bloody Mary en la producción original de Broadway, obviamente cantó sus propias canciones en el escenario, pero fue doblada en la versión cinematográfica a petición del compositor Richard Rodgers.
Rodgers y el director musical Alfred Newman, trajeron a Muriel Smith, que había hecho de Bloody Mary en Londres.
John Kerr actuó como El Segundo Teniente Joseph Cable, USMC, y su voz para cantar fue doblada por Bill Lee.
Ken Clark, quien interpretó a Stewpot, fue doblado por Thurl Ravenscroft.
Mitzi Gaynor y Ray Walston, fueron los únicos miembros principales del elenco cuyas propias voces de canto fueron utilizadas.
El álbum de la banda sonora de la película, fue la primera banda sonora de la película Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II que se emitió en estéreo, el mismo año en que se emitió la versión mono.
Debido a que los LPs estéreo no fueron posibles hasta 1958, los álbumes de la banda sonora de la película de “Oklahoma!” (1955), “Carousel” (1956) y “The King and I” (1956) se emitieron en mono entre 1955 y 1956, y las versiones estéreo en 1958.
“Once you have found her, never let her go”
Parte de la razón por la cual South Pacific se considera un clásico, es su confrontación con el racismo.
El intento de Rodgers & Hammerstein de utilizar el teatro de Broadway para hacer una declaración valiente contra el fanatismo racial en general y el racismo institucional en los Estados Unidos de posguerra en particular, forma parte de la leyenda de la obra.
Aunque “Tales Of The South Pacific” trata la cuestión del racismo, no le da el lugar central que ocupa en el musical.
Y sobre la política de la raza en South Pacific, se sugiere que a fines de la década de 1940, los liberales estadounidenses, como Rodgers & Hammerstein, recurrieron a la lucha por la igualdad racial como un medio práctico para avanzar en sus puntos de vista progresivos, sin arriesgarse a considerados comunistas.
De ahí señalar la importancia en el hecho de que Nellie, una sureña, finaliza la obra de convertirse en la madre de una familia interracial, se está realizando en Estados Unidos en 1949, y esa es la resonancia.
Pero desde los primeros borradores, Hammerstein y Logan hicieron que el tema del prejuicio racial fuera central en la historia.
Hammerstein reescribió repetidamente la escena del “backstage” del acto II donde Emile, Nellie y Cable confrontan la cuestión del racismo de los estadounidenses.
Pues si un joven tiene un prejuicio, podría ser un defecto de carácter., y si 2 jóvenes comparten un prejuicio, nos dice algo acerca de la sociedad en la que creció.
En un borrador, Emile informa que los estadounidenses no son mejores que los Poderes del Eje, en su perjuicio, y sugiere que se vayan a casa a cantar canciones sobre cómo se crean todos libres e iguales…
De esa manera, una audiencia estadounidense de posguerra habría encontrado tales sentimientos en el escenario como ofensivos.
En la versión teatral, las expresiones de Emile se limitan a 2 líneas argumentando que el prejuicio no es innato.
En el corazón de esta escena está la canción de Cable “Tienes que ser enseñado con cuidado”, en la cual, Cable se da cuenta de las fuentes de su propio racismo.
Sus letras francas lo hicieron tal vez el elemento más controvertido del espectáculo; en las que Michener recordó en sus memorias, que una delegación de Nueva Inglaterra se había acercado a él después de una prueba de New Haven, y lo instó a recomendar la eliminación de la canción a Rodgers & Hammerstein.
Cuando Michener le dijo a Hammerstein, se rio y respondió:
“¡De eso se trata el programa!” y que si se cantaba menos “enérgicamente” era una razón más para dejarlo inalterado, por lo que varios críticos de New York expresaron incomodidad con la canción.
Ni hablar de la escena final del acto I, Nellie rechaza a Emile debido a sus niños en parte polinesios.
Al hacerlo, Nellie no cumple con el ideal estadounidense de que “todos los hombres son creados iguales”, lo que Emile había afirmado anteriormente.
Esta escena también fue atenuada por Hammerstein; en los primeros borradores, Nellie, inicialmente incapaz de forzar una palabra para describir a la primera esposa de Emile, después de que él proporciona la palabra “polinesio”, responde con “color”
Este pronunciamiento, que hace que Nellie sea menos comprensiva como personaje, fue restaurado para las producciones posteriores del 2008; pues es perturbador porque Nellie no es un estereotipo “cracker” es adorable... pero, ¿Cómo podemos amar a un racista?
La mayoría argumenta que incluso Emile está contaminado por el racismo, como su estilo de vida depende del mantenimiento de un sistema en el que se beneficia de mano de obra mal pagada:
Bloody Mary puede atraer a los trabajadores para que fabriquen faldas de hierba para venderlas a los soldados porque, como ella dice, “¡malandrines franceses bastardos!”
Sobre el sexo y roles de género, South Pacific fue aún más allá...
Nellie Forbush, en su viaje desde Little Rock, Arkansas, a servir como enfermera de La Marina, y en la domesticidad de la escena final de South Pacific, es paralela a la experiencia de muchas mujeres estadounidenses de la época:
Ingresaron a la fuerza de trabajo durante la guerra, solo para encontrar luego una expectativa social de que renunciaran a sus trabajos para los hombres, con su mejor ruta hacia la seguridad financiera:
El matrimonio, y convertirse en ama de casa.
Una forma de asegurar la aceptación de la audiencia de las opciones de Nellie, fue la desinfección de su pasado sexual de su contraparte en la obra de Michener:
Ese personaje tenía un novio en Arkansas, y un enlace con Bill Harbison mientras estaba en la isla.
Mientras que los personajes masculinos pretenden aparecer convencionalmente masculinos…
A raíz de La Segunda Guerra Mundial, la masculinidad del soldado estadounidense estaba más allá de la cuestión pública.
La virilidad de Cable con Liat, se hace evidente para la audiencia.
Aunque Billis opera una lavandería, Nellie alaba especialmente sus pliegues y aparece con una falda de hierba en las locuras del Día de Acción de Gracias, estos actos son consistentes con su deseo de dinero, y están claramente destinados a ser cómicos.
Su interés en las mujeres jóvenes en Bali H'ai, establece su masculinidad.
Luther Billis está más definido más por clase que por sexualidad, evidenciado por la suposición de Seabee, al saber que Cable fue a la universidad en New Jersey, que era Rutgers, la universidad pública emblemática del estado, en lugar de Ivy League Princeton, y por su placer al saber que la operación de rescate para él le había costado $600,000 cuando su tío le había dicho que nunca valdría ni un centavo…
Aunque a leguas se note algunas evidencias homosexuales, solo son sutilezas….
Y se teoriza que South Pacific marca una transición para la pareja entre héroes y heroínas que están más o menos igualados en edad e historias sobre poderosos hombres mayores y las mujeres más jóvenes que se sienten atraídas por ellos.
Sin embargo, se señala que este patrón solo se aplica a 2 de sus 5 musicales posteriores, “The King and I” y “The Sound of Music”, y en el primero, el amor entre Anna y el Rey no se expresa en palabras.
Pero en South Pacific se involucra a una mujer que necesita ingresar y aceptar el mundo de su interés amoroso para tener éxito y aceptarse a sí misma.
Mientras que en “Oklahoma!” y “Carousel” involucra a un hombre que ingresa al mundo de su esposa.
Y en cuanto a las complejidades interraciales de criar a 2s niños de la Polinesia, todos estos temas fueron subsumidos en la euforia general del amor verdadero.
Con el éxito gigantesco, South Pacific despertó una enorme atención de los medios y del público, siendo uno de los primeros espectáculos para los que se dispuso de una variedad de “suvenires”:
Los fanáticos podían comprar corbatas temáticas, o para mujeres, pintalabios y bufandas; se pudo comprar talones falsos para usarlos como símbolos de estado.
Había cajas de música, muñecas, accesorios de moda, e incluso cepillos para el cabello para usar después de lavarles el cabello a los hombres.
El estilo de cabello de Martin, provocó una locura de la moda inmediata por el cabello corto que podría manejarse a través del lavado una vez al día en casa, en lugar de en un salón de belleza, y por los productos que permitirían tal cuidado.
Y obviamente, las canciones de South Pacific se podían escuchar en la radio, y eran populares entre las bandas de baile y en los salones de piano.
Mientras el disco de la banda sonora fue uno de los primeros discos de LP, con una velocidad de giradiscos de 33⅓ rpm, y ayudó a popularizar esa tecnología.
Anteriormente, se habían emitido álbumes y óperas en series de discos de 78rpm, con precios altos y mucha menos música en un solo disco.
En los años venideros, el LP se convertiría en el medio de elección para el nicho musical de espectáculos, ópera y actuaciones clásicas.
Un efecto indirecto del éxito del musical South Pacific fue la carrera de James Michener:
Su 1% como autor del material original, más los ingresos de una acción que el dúo le permitió comprar a crédito, lo hicieron financieramente independiente, y le permitieron renunciar a su trabajo como editor en Macmillan, y convertirse en un escritor a tiempo completo, y durante las siguientes 5 décadas, sus largas y detalladas novelas centradas en diferentes lugares, dominarían las listas de éxitos de ventas.
“If you'll excuse an expression I use, I'm in love, I'm in love, I'm in love, I'm in love, I'm in love with a wonderful guy!”
Some enchanted evening, someone may be laughing, you may hear her laughing across a crowded room, and night after night, as strange as it seems, the sound of her laughter will sing in your dreams”
James Albert Michener fue un escritor y novelista estadounidense de más de 40 libros, la mayoría de los cuales fueron sagas familiares ficticias y extensas, que cubren las vidas de muchas generaciones en lugares geográficos particulares, e incorporando una historia sólida.
Michener viajó por todo El Océano Pacífico Sur en varias asignaciones como historiador naval, que ganó porque sus Comandantes de base erróneamente pensaron que su padre era El Almirante Marc Mitscher; sin embargo combatió con La Armada de los Estados Unidos durante La Segunda Guerra Mundial, de cuya experiencia nació su obra “Tales Of The South Pacific”, publicada en 1947 cuando tenía 40 años, con la que ganó El Premio Pulitzer de Ficción en 1948.
Era su primer libro, que tuvo tan éxito que luego fue adaptado como el popular musical de Broadway “South Pacific” por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein, y más tarde como largometrajes epónimos en 1958 y 2001, añadiendo a su éxito financiero.
“Tales Of The South Pacific” es una colección de cuentos cortos relacionados secuencialmente sobre La Campaña del Pacífico en La Segunda Guerra Mundial; cuyas historias se basan en observaciones y anécdotas que recopiló mientras estaba destinado como Teniente Comandante en La Marina de los EEUU en la isla de Espíritu Santo en Las Islas Nuevas Hébridas, ahora conocidas como Vanuatu.
El autor utilizó la imagen tranquila y brumosa de la isla, suavemente inclinada en el horizonte para representar un lugar de inocencia y felicidad no tan lejano, pero siempre inalcanzable; y en su libro de memorias, “The World Is My Home” (1992), Michener escribe sobre su tiempo en Las Islas del Tesoro:
“En un rudimentario letrero conectado a un árbol, alguien había colocado un cartón dando el nombre del asentamiento, y era tan completamente diferente de los nombres ordinarios, tan musical para mi oído, que tomé prestado un lápiz, y en un cuaderno mojado anoté el nombre en contra del día en que podría querer usarlo para algún propósito que no podría entonces prever:
Bali-ha'i”
Todo inició cuando el autor sobrevivió a un accidente aéreo en Nueva Caledonia; la experiencia cercana a la muerte, lo motivó a escribir ficción, y comenzó a escuchar las historias contadas por los soldados.
Un viaje lo llevó a Las Islas del Tesoro, donde descubrió un pueblo desagradable, llamado “Bali-ha'i”, poblado por “residentes flacos y un solo cerdo”
Impresionado por el nombre, Michener comenzó a trabajar en una máquina de escribir maltratada, su versión de los cuentos; y en una plantación en la isla de Espíritu Santo, conoció a una mujer llamada Bloody Mary; era pequeña, casi desdentada, con la cara manchada de jugo de betel rojo; y acentuado con las blasfemias aprendidas de los soldados, ella se quejó interminablemente con Michener sobre el gobierno colonial francés, que se negó a permitir que ella y otros habitantes de Tonkines volvieran a su Vietnam natal, por temor a que las plantaciones se despoblaran; y le contó también sus planes para oponerse al colonialismo en la Indochina francesa.
Estas historias, recopiladas en “Tales Of The South Pacific”, le valieron a Michener el Premio Pulitzer de ficción de 1948.
Las historias tienen lugar en los alrededores del Mar de Coral y Las Islas Salomón.
Michener como narrador, le da una voz en primera persona a varias de las historias como un “Comandante sin nombre”, realizando tareas similares a las que él mismo realizó durante La Segunda Guerra Mundial.
Las historias están interconectadas por personajes recurrentes y varias líneas de trama sueltas; una línea argumental en particular, es la preparación y ejecución de una invasión anfibia ficticia, cuyo nombre clave es “Alligator”
El enfoque de las historias es, sin embargo, las interacciones entre los estadounidenses y una variedad de personajes coloniales, inmigrantes e indígenas.
La cronología de las historias comienza con la construcción de un aeródromo en La Isla Norfolk, antes de La Batalla del Mar de Coral en 1942, y pasa por la invasión de principios de 1944 de una de las islas ficticias de Michener.
Aunque las historias se refieren principalmente a La Marina de los EEUU, la mayor parte de la acción se basa en las costas, y ninguna de las historias se refiere a barcos más grandes que un LCI.
De esa manera, “Tales Of The South Pacific” comprende 19 historias; cada una se mantiene independiente, pero gira en torno a la preparación de una operación militar estadounidense para desalojar a los japoneses de una isla cercana.
Esta operación, llamada “Alligator”, ocurre en la penúltima historia, “The Landing at Kuralei”, donde muchos de los personajes mueren en esa batalla; y la última historia se titula “El cementerio en Huga Point”
Las historias están temáticamente vinculadas por parejas:
Las historias primera y final son reflexivas, la segunda y la 18ª implican batalla, la tercera y la 17ª implican preparación para la batalla, y así sucesivamente.
La 10ª historia, en el centro, sin embargo, no está emparejada con ninguna otra.
Esta historia, “Fo 'Dolla'”, fue una de las únicas 4 de sus muchas obras que más tarde admitió tener en alta estima; siendo además la que atrajo la atención de Rodgers & Hammerstein por su potencial para convertirse en un trabajo escénico…
“Fo 'Dolla'” está ambientada en parte en la isla de Bali-ha'i, y se centra en el romance entre una joven tonquinina, Liat; y uno de los estadounidenses, El Teniente de Marina, Joe Cable, un graduado de Princeton y vástago de un familia rica de Main Line.
Presionada para casarse con Liat por su madre, Bloody Mary, Cable declina a regañadientes, al darse cuenta de que la niña asiática nunca sería aceptada por su familia o la sociedad de Filadelfia.
Él se va a la batalla, donde morirá; mientras Bloody Mary continúa con su plan de respaldo, para afianzar a Liat a un rico sembrador francés en las islas.
Cable lucha, durante la historia, con su propio racismo:
Puede superarlo lo suficiente como para amar a Liat, pero no lo suficiente como para llevarla a casa.
Otra fuente del musical de Rodgers & Hammerstein es la 8ª historia, “Nuestra heroína”, que está emparejada temáticamente con la 12ª, “El diente de un jabalí”, ya que ambas involucran encuentros estadounidenses con culturas locales.
“Nuestra heroína” cuenta sobre el romance entre la enfermera de La Marina, Nellie Forbush, de la zona rural de Arkansas; y un rico y sofisticado plantador, el francés Emile De Becque.
Después de enamorarse de Emile, Nellie, que se presenta brevemente en la historia #4, “Un oficial y un caballero”, se entera de que Emile tiene 8 hijas, fuera del matrimonio, con varias mujeres locales.
Michener nos dice que “cualquier persona... que no era blanca o amarilla era negra”; y para Nellie, aunque está dispuesta a aceptar a 2 de los niños, de descendencia franco-asiática que permanecen en la casa de Emile, le desconcierta por las otras 2 muchachas que viven allí, la evidencia de que el plantador había cohabitado con una mujer polinesia más oscura...
Para su gran alivio, se entera de que esta mujer está muerta, pero Nellie pone en peligro su relación con Emile, cuando inicialmente no puede aceptar a los “nigger children” de Emile; pero Nellie supera sus sentimientos, y vuelve para pasar su vida con el dueño de la plantación.
A principios de la década de 1940, el compositor Richard Rodgers y el letrista Oscar Hammerstein II, veteranos de Broadway desde hace mucho tiempo, unieron fuerzas y comenzaron su colaboración escribiendo 2 musicales que se convirtieron en éxitos masivos:
“Oklahoma!” (1943) y “Carrusel” (1945)
Siendo una gran innovación para su tiempo en la integración de canción, diálogo y baile, en “Oklahoma!” que serviría como “el modelo de espectáculos de Broadway durante décadas”
De hecho, en 1999, la revista Time nombró a “Carousel” el mejor musical del siglo, y escribió que Rodgers & Hammerstein “establecieron los estándares para el musical del siglo XX”
Según el director de cine, Joshua Logan, amigo de ambos hombres del teatro, él y Leland Hayward, mencionaron el libro de mayor venta de Michener a Rodgers, como una posible base para la siguiente obra del dúo, pero el compositor no tomó ninguna medida.
Logan recordó, que luego se lo señaló a Hammerstein, quien leyó el libro de Michener, y habló con Rodgers; y los 2 acordaron hacer el proyecto, siempre y cuando tuvieran el control de la producción, a lo que Hayward aceptó a regañadientes.
Hayward intentó comprar los derechos de Michener directamente, ofreciendo $500; y Michener se rehusó.
A pesar de que la dramaturga Lynn Riggs había recibido el 1.5% de los ingresos brutos de taquilla por el derecho de adaptar “Green Grow the Lilacs” a “Oklahoma!”, Michener nunca se arrepintió de aceptar el 1% de los ingresos brutos por “South Pacific”
Cuando Rodgers & Hammerstein comenzaron su trabajo sobre la adaptación, Michener trabajó principalmente con el letrista, pero Rodgers estaba preocupado por las implicaciones del montaje, temiendo que tendría que incluir ukeleles y guitarras, lo que no le gustaba… pero Michener le aseguró que el único instrumento que había escuchado tocar a los nativos, era un barril de gasolina vaciado, tamborileado con palos…
Poco después de la compra de los derechos, Rodgers & Hammerstein decidieron no incluir un ballet, como en sus trabajos anteriores, sintiendo que el realismo del entorno no lo apoyaría; y preocupaba porque una adaptación demasiado centrada en “Fo 'Dolla'”, la historia del encuentro entre Cable y Liat, sería demasiado similar a la de “Madama Butterfly”, Hammerstein pasó meses estudiando las otras historias, y centró su atención en “Nuestra heroína”, el cuento del romance entre Nellie y Emile.
Así, el equipo decidió incluir ambos romances en la obra musical; y era común en ese momento que, si una historia de amor en un musical era seria, la otra sería más cómica; pero en este caso, ambas eran serias, y se centraban en el prejuicio racial; por lo que decidieron aumentar el papel desempeñado por Luther Billis en las historias, fusionando experiencias y elementos de varios otros personajes en él.
El cambio de rumbo de Billis, proporcionaría alivio cómico; y también acortaron el título a “South Pacific”
Rodgers relató, que los productores estaban cansados de que la gente hiciera juegos de palabras atrevidos con la palabra “Cuentos”
Finalmente, Rodgers compuso la música una vez que recibió la letra de Hammerstein.
Así fue como nació “South Pacific” el musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, con libreto de Oscar Hammerstein II y Joshua Logan, con el objetivo de enviar un fuerte mensaje progresivo sobre el racismo.
La trama se centra en una enfermera estadounidense estacionada en una isla del Pacífico Sur durante La Segunda Guerra Mundial, que se enamora de un propietario expatriado de una plantación francesa de mediana edad, pero se esfuerza por aceptar a sus hijos de raza mixta.
Un romance secundario, entre un Teniente estadounidense y una joven mujer de Tonkinesa, explora sus temores de las consecuencias sociales si se casa con su novia asiática.
El tema de los prejuicios raciales se explora con franqueza a lo largo de todo el musical, de manera más controvertida en la canción del Teniente “Tienes que ser educada con cuidado”
Los personajes secundarios, incluidos un suboficial cómico y la madre de la niña tonkinesa, ayudan a unir las historias.
Y como carecía de conocimiento militar, Hammerstein tuvo dificultades para escribir varias partes del guión; el director de la producción original, Joshua Logan, lo ayudó y recibió crédito como coguionista del libreto.
El musical se estrenó en 1949 en Broadway, y fue un éxito inmediato; siendo nominado a 10 Premios Tony, ganando todas las categorías, incluyendo:
Mejor Musical, Mejor Actor Principal en un Musical, Mejor Actriz Principal en un Musical, Mejor Actor de Reparto en un Musical, Mejor Actriz de Reparto en un Musical, Mejor Director de un Musical, Mejor Música Original, y Mejor Guión de un Musical.
Esta producción original, se representó durante 1.925 funciones; y tiene el récord de ser la única producción musical de la historia que ganó en todas las categorías de actuación en Los Tony.
Como ganadora del Premio Pulitzer en Drama, el musical “South Pacific” forma parte de un grupo selecto de 9 musicales que han ganado El Premio Pulitzer en drama musical, siendo 1 por década desde 1930 hasta 1990:
“Of Thee I Sing” (1931), “South Pacific” (1949), “Fiorello” (1959), “How to Succeed in Business Without Really Trying” (1961), “A Chorus Line” (1975), “Sunday in the Park with George” (1984), “Rent” (1996), “Next to Normal” (2009) y “Hamilton”
(2016)
El álbum del elenco original de Broadway de “South Pacific” vendió más de 1 millón de copias, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de la década de los 1940; y varias de sus canciones, incluyendo “Bali Ha'i”, “I'm Gonna Wash That Man Right Outa My Hair”, “Some Enchanted Evening”, “There Is Nothing Like a Dame”, “Happy Talk”, “Younger Than Springtime” y “I'm in Love with a Wonderful Guy” se han convertido en estándares populares, pero la canción más destacable del musical es “Some enchanted evening” cantada por innumerables cantantes famosos, sobre todo de jazz.
“I'm gonna wash that man right outa my hair, and send him on his way”
South Pacific es un musical del año 1958, dirigido por Joshua Logan.
Protagonizado por Rossano Brazzi, Mitzi Gaynor, John Kerr, Ray Walston, Juanita Hall, France Nuyen, Russ Brown, Jack Mullaney, Ken Clark, Floyd Simmons, Candace Lee, Warren Hsieh, Tom Laughlin, entre otros.
El guión es de Paul Osborn, basado en la colección de cuentos cortos de James A. Michener, “Tales Of The South Pacific” y en el musical de Rodgers & Hammerstein; siendo considerada como la película con mayores recaudaciones de 1958.
El director, Joshua Logan, se caracterizó en buena parte de su labor en la pantalla, por la traslación de textos escénicos generalmente recreados con éxito en el teatro musical de Broadway; y con ello atraía a unos públicos acostumbrados a las melodías de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, muy cercanas al gusto popular, e inclinándose por lugares exóticos y tratamientos paternalistas de temas importantes.
Por ejemplo, la isla hawaiana Kauai, fue el sitio principal que el equipo de producción de South Pacific utilizó como locación para representar la isla ficticia Bali Hai; algunas tomas pertenecen a la isla tropical Tioman Island, cerca de la costa oriental de Malasia; y la locación principal brindó elementos importantes para el desarrollo de la trama.
Además, South Pacific es la 4ª película del realizador, que ya se encontraba a gusto tratando melodramas de entorno interracial, que tuvieron una corriente muy amplia en el cine de aquellos años; siendo ahora producida por la Fox en 1958, y rodada en el novedoso sistema panorámico Todd-AO, negativo de 65mm. con copias en 70mm para los cines; que se caracterizó principalmente en su estreno por este sistema cinematográfico, pero en los cines preparados con proyectores de 70mm y el fabuloso sonido estereofónico de 6 pistas magnéticas, que junto a una maravillosa partitura musical de Richard Rogers, le valió un Premio Oscar al Mejor Sonido, y obtuvo 2 nominaciones más:
Mejor cinematografía y banda sonora.
Pero la gran perfección del sonido estereofónico magnético de 6 pistas, impresionó a los espectadores consiguiendo con todo ello un éxito grande taquilla; sin embargo, la película es más conocida por el uso de filtros iluminados durante la reproducción de la mayor parte de las secuencias musicales, efectos que han sido también criticados enormemente.
De hecho, el director Joshua Logan quería cambiarlo, pero 20th Century Fox, la empresa que distribuyó a nivel mundial la adaptación original, rehusó hacerlo, y sin considerarlo de nueva cuenta, el director no pudo corregir algunas escenas, incluso la película ya se encontraba en exhibición en algunos cines estadounidenses.
No obstante, todas las canciones de la producción teatral se conservaron para la película; siendo esta la única adaptación cinematográfica teatral de un show de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II en tener todas las canciones intactas, con la adición de la canción “My Girl Back Home”, que fue cortada de la obra antes de que se abriera.
La banda sonora permaneció durante varias semanas en las listas de popularidad de Reino Unido, 115 en total, durante mediados de los años 1950 y principios de los años 1960.
Como controversia, ya desde el desarrollo del escenario musical, Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II fueron presionados para eliminar la canción “You've Got To Be Carefully Taught”, pero se resistieron; por ello, la película fue recibida con objeciones, e incluso boicots en ciertas partes del país específicamente a causa de la canción, por sus comentarios sobre las relaciones entre diferentes razas y grupos étnicos.
De hecho, Rodgers & Hammerstein se arriesgaron a la luz de los desafíos legislativos contra la decencia o la supuesta agenda comunista; y mientras el espectáculo recorría el sur de los Estados Unidos, los legisladores de Georgia presentaron un proyecto de ley que prohibiera el entretenimiento que contiene “una filosofía subyacente inspirada en Moscú”
Tanto que un legislador dijo que “una canción que justificaba el matrimonio interracial era implícitamente una amenaza para el estilo de vida estadounidense”
Rodgers & Hammerstein defendieron su trabajo con fuerza; y James Michener, en cuyas historias se basó South Pacific, recordó:
“Los autores respondieron obstinadamente que este número se representara por qué habían querido hacer esta obra, y que incluso si eso significaba el fracaso de la producción”
Por otro lado, la versión original de la película duraba cerca de 3 horas, por lo que más tarde, los editores eliminaron algunas secuencias secundarias para ajustarla a una nueva duración de 2 horas y media.
La versión original fue hallada tiempo después, y exhibida en Bradford, Inglaterra, el 14 de marzo de 2005.
Cuando Fox, en ese entonces, propietaria de los derechos de la adaptación, se enteró del descubrimiento, optó por elaborar una versión remasterizada con 14 minutos adicionales de escenas inéditas en la versión exhibida.
Un paquete de 2 discos DVD, fue lanzado comercialmente el 7 de noviembre de 2006, ofreciendo la versión original y la extendida; pero esa versión extendida nunca fue mostrada públicamente.
A partir de entonces, Metro-Goldwyn-Mayer es la responsable de la adaptación y exhibición; y Fox mantiene los derechos sobre el DVD.
Para el 31 de marzo de 2009, South Pacific se convirtió en el primer musical de Rodgers & Hammerstein disponible en Blu-ray Disc de alta definición.
La acción principal de la película tiene lugar en una isla indeterminada del Pacífico Sur en 1943, poco después de la ocupación de EEUU de Las Islas Salomón, desde las que iniciaron la ofensiva sobre El Pacífico Central, con el objetivo de prepararse para una posible invasión en las costas de Nueva Guinea.
Mientras los marines esperan el momento de emprender su misión, montan fiestas y espectáculos de entretenimiento, en torno a los cuales se desarrollan 2 historias de amor:
La ingenua enfermera de La Marina, Nelly Forbush (Mitzi Gaynor) con el dueño de una plantación, Emile de Becque (Rossano Brazzi), un jardinero francés, de mediana edad, a quien La Armada busca para contratar como “elemento de reconocimiento” y obtener información de las tropas japonesas invasoras; y la del inmaduro Teniente Joseph Cable (John Kerr) con la nativa Liat (France Nuyen)
En medio de la trama restante, se devela el resto; y la película aporta un relato breve sobre el que apoya números musicales de gran éxito en su momento; pues la música es el centro de atención del film, y su verdadero protagonista.
Los 2 romances que la acompañan aportan, entre otras cosas, la defensa del amor interracial y la crítica de las actitudes racistas y xenófobas, como las ligadas a los prejuicios de Nelly con los hijos mestizos de Emile; y de Joe, que acepta a Liat como amante, pero no como esposa.
Los 2 romances se ven envueltos en circunstancias adversas, como es habitual en las obras de Logan; donde también el autor hace una generosa exhibición de torsos masculinos desnudos, aprovechando la mayor permisividad de la censura, y buscando el favor del público femenino.
Al tiempo que se añaden puntos de comicidad a cargo de Luther Billis (Ray Walston); y en el trasfondo se palpa la tragedia de La Segunda Guerra Mundial.
Este estupendo musical de Rodgers & Hammerstein, no se trata de un musical al uso, sino que mezcla diferentes historias en un ambiente bélico; siendo una película muy atractiva, llena de espléndidos paisajes naturales, no de cartón piedra, y con muchos extras reales, no de los creados por ordenador.
Tiene un punto de humor todavía válido hoy en día, y las canciones son maravillosas, aunque yo diría que hay que escucharlas una segunda vez para poderlas apreciar en su plenitud.
La película cosechó un buen éxito de público y críticas poco favorables; por lo que cayó después en el olvido…
“Bali Ha'I may call you, any night, any day in your heart, you'll hear it call you, one where they know they would like to be Bali Ha'I may call you, any night, any day in your heart, you'll hear it call you, come away...”
Después del éxito de la versión cinematográfica de Rodgers & Hammerstein “Oklahoma!” (1955), los productores decidieron abordar una adaptación en pantalla grande de “South Pacific” como su próximo proyecto; siendo producida por South Pacific Enterprises, una compañía creada específicamente para la producción, propiedad de Rodgers, Hammerstein, Logan, Magna Theatre Corporation, dueños del proceso de pantalla panorámica Todd-AO en el que se fotografiaría la película; y Leland Hayward, productor de la producción teatral original; 20th Century Fox invirtió parcialmente en la producción a cambio de algunos derechos de distribución; además, todos los departamentos y jefes de departamento, eran de Fox.
El plan original de los productores, era hacer que Ezio Pinza y Mary Martin, los 2 protagonistas del elenco original de Broadway, repitieran sus papeles para la película, pero Pinza murió repentinamente en mayo de 1957.
Si hubiera vivido para actuar en la película, los productores habrían echado a Martin.
En cambio, le ofrecieron a Doris Day la parte de Nellie, pero lo rechazó; Elizabeth Taylor probó para el mismo papel, pero Rodgers la rechazó después de que ella sufrió el miedo escénico en su audición.
Logan más tarde la escuchó cantar, pero no fue capaz de persuadir a Rodgers para que cambiara de parecer...
En última instancia, Mitzi Gaynor, que había trabajado anteriormente en películas musicales, y había probado 2 veces para Nellie, fue elegida para el papel.
Rossano Brazzi fue seleccionado como Emile, un papel que se ofreció por primera vez a estrellas tan consagradas como Charles Boyer, Vittorio De Sica y Fernando Lamas.
Ray Walston, un destacado actor musical de Broadway, interpretó el papel de Seabee Luther Billis, que anteriormente hizo en el escenario en Londres.
Y preocupados de que la exuberante configuración tropical de la película pareciera antinatural en Tecnicolor, y parcialmente para ocultar las fluctuaciones del clima durante el rodaje, el director Joshua Logan suavizó el efecto, filmando varias escenas a través de los nuevos filtros de colores disponibles...
Más tarde indicó, que consideraba que este era el mayor error que había cometido en su carrera de filmación; y quería que los filtros fueran más sutiles, pero dice que el laboratorio de procesamiento de películas los había vuelto más extremos de lo que a él le gustaba… y no había tiempo para volver a rodar sin ellos o reemplazarlos, porque la película ya estaba en un “roadshow” y los boletos se habían reservado con meses de anticipación.
Sin embargo, según su hijo Tom Logan, cuando la película apareció por primera vez en VHS, y Logan la vio, le gustaban las escenas filtradas...
La fotografía de Leon Shamroy, hace uso de primeros planos no muy cerrados, brillantes “travellings” aéreos y terrestres, magníficas vistas aéreas y luces filtradas que tiñen de color monocromo, sea dorado, azul o rosa varias escenas, imitando la iluminación del show.
Se trata con gran respeto la muerte de Cable, y el guión combina canciones, romances difíciles, y una trama de espionaje que eleva la tensión dramática hacia el final del metraje.
La historia se centra en la vida de unos militares de los EEUU, las enfermeras y los residentes de la isla polinesia que ocupan durante La Segunda Guerra Mundial.
Se narran 2 historias de amor paralelas, amenazadas por los peligros de la guerra y los prejuicios:
Nellie, una valiente enfermera de Arkansas, se enamora de Emile, el maduro dueño de una plantación francés.
Ella se entera de que la madre de los hijos de Emile, es una nativa de la isla, e incapaz de superar los prejuicios que le inculcaron de pequeña, rechaza la propuesta de matrimonio de Emile…
Mientras El Teniente Joe Cable se niega a sí mismo la posibilidad de un futuro pleno junto con la chica nativa de la que se ha enamorado, víctima de los mismos miedos que Nellie.
Cuando Emile es reclutado para acompañar a Joe en una misión peligrosa, Nellie se da cuenta de que la vida es demasiado corta para desaprovechar las oportunidades que se presentan para ser feliz, venciendo de esta manera sus prejuicios.
Aunque logró un gran éxito comercial en su momento, South Pacific recibió una fría acogida crítica, siendo hasta entonces el primer gran batacazo en este sentido sufrido por su artífice.
Pero dejémonos de prejuicios, de las limitaciones que impone un subgénero como la opereta, o la timidez que se detecta a la hora de abordar la discriminación racial.
Dejemos igualmente de acusar al film de Logan de ser una simple “postal turística”, o la visión simplificadora que se ofrece del conflicto de guerra expuesto.
Para aquellos que nos sentimos defensores de su cine, cabe decir en concreto sobre esta película, que su gama cromática es una de las más hermosas, compensadas, densas e incluso inclinadas a una vertiente “fantastique” que se recuerdan, con la que justificaríamos el recurso a unos “flous” o imágenes teñidas de diferentes colores, que quieren exteriorizar los estados de ánimo de sus principales personajes.
Y se valora y se siente, interesa, y en sus mejores momentos, incluso emociona, partiendo de la plena asunción de las limitaciones de su material de base, y no renunciando, al contrario, potenciando esos rasgos de aparente “tarjeta postal” que se subliman precisamente a través de la intensidad de una puesta en escena basada en la utilización de los elementos dramáticos puestos a su disposición.
Y es que si en este caso puede aducirse que hay un exceso de canciones, aunque algunas de ellas son bellísimas, lo cierto es que no interfieren en el desarrollo dramático de una película, espectáculo de primer orden, que se sigue con creciente interés, y en la que precisamente las melodías sirven para expresar los sentimientos y emociones de sus protagonistas.
Pero también lo hacen otros elementos consustanciales a los modos fílmicos de Logan:
Desde ese cromatismo y luminosidad de su puesta en escena, la peculiar disposición de los actores en las secuencias corales, la nada chirriante combinación de melodrama y comedia, la pureza de su intensidad dramática, y la fuerza de la dirección de actores.
Pero es quizá esa muestra del realizador, de saber plasmar con auténtica fuerza, la aparentemente sencilla utilización de los recursos expresivos de los que dispone a su alcance, para transmitir con una mirada, uno de sus inolvidables primeros planos, en esta ocasión no tan cerrados como en anteriores películas suyas, o un leve movimiento de cámara.
Trasladar con ellos esa historia aparentemente banal, de unos seres que se atraen y por cobardía envuelta de atavismos racistas, impiden que su atracción se consuma.
Y son muchos los ejemplos que hablan bien a las claras en las imágenes de esta película de esos sentimientos encontrados, y que nos hacen olvidar de ese abuso de filtros de color, o en algunas estáticas composiciones musicales pobladas por musculosos y sudorosos marines.
En esa línea, podríamos citar la irresistible sensación de felicidad que se transmite en la secuencia parcialmente acuática entre Joe Cable y Liat; el rechazo que instintivamente se produce por parte de Mitzi Gaynor cuando se entera que Rossano Brazzi ha tenido una esposa polinesia antes de conocerla a ella; o la elegancia con la que se muestra la muerte de Joe…
Negar esa maestría de Logan, es no apreciar algo que se describe con claridad meridiana, y que pocos hombres de cine de su tiempo podían igualar.
Por otro lado está su tratamiento del erotismo masculino, cercano a una estética “gay”, por su forma de elegir, embellecer y fotografiar a guapos actores, a los que sirve en ocasiones con unos modos casi “viscontinianos/pasolinianos”, en esta ocasión, se patentiza en la presencia casi constante y de forma algo “caliente” de atractivos marinos con el torso desnudo, del que el personaje que encarna John Kerr sería el ejemplo más evidente de este enunciado… más cuando va a la isla con Joe y le dice que “hay buenos hombres” a lo que Cable responde:
“Sin comentarios…”
Mientras tanto, algunas de las diferencias entre la versión de la película y la versión de Broadway del musical, es que la primera y segunda escenas de la obra se cambian, junto con todas las canciones contenidas en esas 2 escenas.
La versión teatral comienza con la primera escena de Nellie y Emile juntos en la plantación, luego muestra a Bloody Mary, El Teniente Joe Cable y los Seabees en la playa; mientras que en la versión cinematográfica se muestra al Teniente Cable desde el principio, en avión a la isla, donde los Seabees y Bloody Mary tienen sus primeros números musicales.
El primer número musical de la película es “Bloody Mary”, cantado por los Seabees; mientras que en la versión teatral es “Dites-moi”, cantado por los hijos de Emile.
De hecho, Emile no aparece en la película hasta aproximadamente 30 minutos después; mientras Nellie aparece por primera vez durante la escena con los Seabees.
Debido al cambio, la canción más famosa del programa, “Some Enchanted Evening”, no se escucha hasta casi los 45 minutos de la película; mientras que en la obra se escucha unos 15 minutos después de que el acto I comienza.
Con todo, en ambas obras, teatral y cinematográfica, las escenas de amor entre los personajes de Joe Cable y Liat fueron consideradas impactantes por los estándares aún conservadores de finales de los años 50.
Llama poderosamente la atención que los marines, soldados y demás, solo busquen sexo allá donde los lleve la misión, o que algunas madres de nativas solo pretendan casar a sus hijas con estadounidenses ¿para que se larguen de la isla?
Como anacronismo, al menos 2 de los marineros son negros...
Las Fuerzas Armadas no fueron segregadas hasta 1948, 3 años después de La Segunda Guerra Mundial.
Liat no entiende inglés, pero cuando su madre canta “Happy Talk” en inglés, muestra con sus gestos que entiende lo que su madre está cantando…
No tiene sentido que Bloody Mary aliente a la joven pareja a participar en conversaciones alegres sobre muchas cosas, cuando el único idioma que comparten, es unas pocas palabras de francés.
Además, aunque la cabina del hidroavión parece tener todo su cristal proyectado, la tripulación nunca muestra ningún efecto por el viento que lo azota…
Como dato, El Capitán Brackett siente un gran malestar por un desaire implícito del Teniente Cable sobre la virilidad de los hombres mayores… y afirma que “yo, de hecho, tengo más de 50”
Russ Brown, el actor que interpreta al Capitán Brackett tenía, de hecho, 66 años en ese momento.
Del reparto, y según algunas fuentes, Mary Martin no interpretó a Nellie Forbush en la película, porque Ezio Pinza, que había retratado a Emile de Becque en el escenario, ya había muerto, y los productores consideraron que era una tarea desesperada encontrar a alguien que la igualara.
Otras fuentes dicen que, a los 45 años de edad, Martin era demasiado vieja para el papel en el momento en que se hizo la película, por lo que Mitzi Gaynor fue finalmente elegida para el papel.
France Nuyen, aún no había aprendido inglés cuando interpretó el papel de Liat.
Afortunadamente, pudo conversar en su lengua materna, francés con su coestrella Rossano Brazzi, que hablaba francés, además de su italiano nativo.
El marinero con el torso desnudo que comienza a cantar “There is Nothing Like a Dame” y “We got sunlight on the sand”, es Ed Fury, futura estrella de varias películas de “sandalia y espada”
Como dato, probablemente haya más voces cantadas en esta película que en cualquier otra versión de pantalla de un musical de Rodgers and Hammerstein, pero la única persona que recibe crédito de pantalla, es la de Giorgio Tozzi, quien dobla la voz de Emile de Becque (Rossano Brazzi)
Esto se debe a que Tozzi fue un barítono de contrabajo con La Metropolitan Opera; además, Juanita Hall, que había hecho de Bloody Mary en la producción original de Broadway, obviamente cantó sus propias canciones en el escenario, pero fue doblada en la versión cinematográfica a petición del compositor Richard Rodgers.
Rodgers y el director musical Alfred Newman, trajeron a Muriel Smith, que había hecho de Bloody Mary en Londres.
John Kerr actuó como El Segundo Teniente Joseph Cable, USMC, y su voz para cantar fue doblada por Bill Lee.
Ken Clark, quien interpretó a Stewpot, fue doblado por Thurl Ravenscroft.
Mitzi Gaynor y Ray Walston, fueron los únicos miembros principales del elenco cuyas propias voces de canto fueron utilizadas.
El álbum de la banda sonora de la película, fue la primera banda sonora de la película Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II que se emitió en estéreo, el mismo año en que se emitió la versión mono.
Debido a que los LPs estéreo no fueron posibles hasta 1958, los álbumes de la banda sonora de la película de “Oklahoma!” (1955), “Carousel” (1956) y “The King and I” (1956) se emitieron en mono entre 1955 y 1956, y las versiones estéreo en 1958.
“Once you have found her, never let her go”
Parte de la razón por la cual South Pacific se considera un clásico, es su confrontación con el racismo.
El intento de Rodgers & Hammerstein de utilizar el teatro de Broadway para hacer una declaración valiente contra el fanatismo racial en general y el racismo institucional en los Estados Unidos de posguerra en particular, forma parte de la leyenda de la obra.
Aunque “Tales Of The South Pacific” trata la cuestión del racismo, no le da el lugar central que ocupa en el musical.
Y sobre la política de la raza en South Pacific, se sugiere que a fines de la década de 1940, los liberales estadounidenses, como Rodgers & Hammerstein, recurrieron a la lucha por la igualdad racial como un medio práctico para avanzar en sus puntos de vista progresivos, sin arriesgarse a considerados comunistas.
De ahí señalar la importancia en el hecho de que Nellie, una sureña, finaliza la obra de convertirse en la madre de una familia interracial, se está realizando en Estados Unidos en 1949, y esa es la resonancia.
Pero desde los primeros borradores, Hammerstein y Logan hicieron que el tema del prejuicio racial fuera central en la historia.
Hammerstein reescribió repetidamente la escena del “backstage” del acto II donde Emile, Nellie y Cable confrontan la cuestión del racismo de los estadounidenses.
Pues si un joven tiene un prejuicio, podría ser un defecto de carácter., y si 2 jóvenes comparten un prejuicio, nos dice algo acerca de la sociedad en la que creció.
En un borrador, Emile informa que los estadounidenses no son mejores que los Poderes del Eje, en su perjuicio, y sugiere que se vayan a casa a cantar canciones sobre cómo se crean todos libres e iguales…
De esa manera, una audiencia estadounidense de posguerra habría encontrado tales sentimientos en el escenario como ofensivos.
En la versión teatral, las expresiones de Emile se limitan a 2 líneas argumentando que el prejuicio no es innato.
En el corazón de esta escena está la canción de Cable “Tienes que ser enseñado con cuidado”, en la cual, Cable se da cuenta de las fuentes de su propio racismo.
Sus letras francas lo hicieron tal vez el elemento más controvertido del espectáculo; en las que Michener recordó en sus memorias, que una delegación de Nueva Inglaterra se había acercado a él después de una prueba de New Haven, y lo instó a recomendar la eliminación de la canción a Rodgers & Hammerstein.
Cuando Michener le dijo a Hammerstein, se rio y respondió:
“¡De eso se trata el programa!” y que si se cantaba menos “enérgicamente” era una razón más para dejarlo inalterado, por lo que varios críticos de New York expresaron incomodidad con la canción.
Ni hablar de la escena final del acto I, Nellie rechaza a Emile debido a sus niños en parte polinesios.
Al hacerlo, Nellie no cumple con el ideal estadounidense de que “todos los hombres son creados iguales”, lo que Emile había afirmado anteriormente.
Esta escena también fue atenuada por Hammerstein; en los primeros borradores, Nellie, inicialmente incapaz de forzar una palabra para describir a la primera esposa de Emile, después de que él proporciona la palabra “polinesio”, responde con “color”
Este pronunciamiento, que hace que Nellie sea menos comprensiva como personaje, fue restaurado para las producciones posteriores del 2008; pues es perturbador porque Nellie no es un estereotipo “cracker” es adorable... pero, ¿Cómo podemos amar a un racista?
La mayoría argumenta que incluso Emile está contaminado por el racismo, como su estilo de vida depende del mantenimiento de un sistema en el que se beneficia de mano de obra mal pagada:
Bloody Mary puede atraer a los trabajadores para que fabriquen faldas de hierba para venderlas a los soldados porque, como ella dice, “¡malandrines franceses bastardos!”
Sobre el sexo y roles de género, South Pacific fue aún más allá...
Nellie Forbush, en su viaje desde Little Rock, Arkansas, a servir como enfermera de La Marina, y en la domesticidad de la escena final de South Pacific, es paralela a la experiencia de muchas mujeres estadounidenses de la época:
Ingresaron a la fuerza de trabajo durante la guerra, solo para encontrar luego una expectativa social de que renunciaran a sus trabajos para los hombres, con su mejor ruta hacia la seguridad financiera:
El matrimonio, y convertirse en ama de casa.
Una forma de asegurar la aceptación de la audiencia de las opciones de Nellie, fue la desinfección de su pasado sexual de su contraparte en la obra de Michener:
Ese personaje tenía un novio en Arkansas, y un enlace con Bill Harbison mientras estaba en la isla.
Mientras que los personajes masculinos pretenden aparecer convencionalmente masculinos…
A raíz de La Segunda Guerra Mundial, la masculinidad del soldado estadounidense estaba más allá de la cuestión pública.
La virilidad de Cable con Liat, se hace evidente para la audiencia.
Aunque Billis opera una lavandería, Nellie alaba especialmente sus pliegues y aparece con una falda de hierba en las locuras del Día de Acción de Gracias, estos actos son consistentes con su deseo de dinero, y están claramente destinados a ser cómicos.
Su interés en las mujeres jóvenes en Bali H'ai, establece su masculinidad.
Luther Billis está más definido más por clase que por sexualidad, evidenciado por la suposición de Seabee, al saber que Cable fue a la universidad en New Jersey, que era Rutgers, la universidad pública emblemática del estado, en lugar de Ivy League Princeton, y por su placer al saber que la operación de rescate para él le había costado $600,000 cuando su tío le había dicho que nunca valdría ni un centavo…
Aunque a leguas se note algunas evidencias homosexuales, solo son sutilezas….
Y se teoriza que South Pacific marca una transición para la pareja entre héroes y heroínas que están más o menos igualados en edad e historias sobre poderosos hombres mayores y las mujeres más jóvenes que se sienten atraídas por ellos.
Sin embargo, se señala que este patrón solo se aplica a 2 de sus 5 musicales posteriores, “The King and I” y “The Sound of Music”, y en el primero, el amor entre Anna y el Rey no se expresa en palabras.
Pero en South Pacific se involucra a una mujer que necesita ingresar y aceptar el mundo de su interés amoroso para tener éxito y aceptarse a sí misma.
Mientras que en “Oklahoma!” y “Carousel” involucra a un hombre que ingresa al mundo de su esposa.
Y en cuanto a las complejidades interraciales de criar a 2s niños de la Polinesia, todos estos temas fueron subsumidos en la euforia general del amor verdadero.
Con el éxito gigantesco, South Pacific despertó una enorme atención de los medios y del público, siendo uno de los primeros espectáculos para los que se dispuso de una variedad de “suvenires”:
Los fanáticos podían comprar corbatas temáticas, o para mujeres, pintalabios y bufandas; se pudo comprar talones falsos para usarlos como símbolos de estado.
Había cajas de música, muñecas, accesorios de moda, e incluso cepillos para el cabello para usar después de lavarles el cabello a los hombres.
El estilo de cabello de Martin, provocó una locura de la moda inmediata por el cabello corto que podría manejarse a través del lavado una vez al día en casa, en lugar de en un salón de belleza, y por los productos que permitirían tal cuidado.
Y obviamente, las canciones de South Pacific se podían escuchar en la radio, y eran populares entre las bandas de baile y en los salones de piano.
Mientras el disco de la banda sonora fue uno de los primeros discos de LP, con una velocidad de giradiscos de 33⅓ rpm, y ayudó a popularizar esa tecnología.
Anteriormente, se habían emitido álbumes y óperas en series de discos de 78rpm, con precios altos y mucha menos música en un solo disco.
En los años venideros, el LP se convertiría en el medio de elección para el nicho musical de espectáculos, ópera y actuaciones clásicas.
Un efecto indirecto del éxito del musical South Pacific fue la carrera de James Michener:
Su 1% como autor del material original, más los ingresos de una acción que el dúo le permitió comprar a crédito, lo hicieron financieramente independiente, y le permitieron renunciar a su trabajo como editor en Macmillan, y convertirse en un escritor a tiempo completo, y durante las siguientes 5 décadas, sus largas y detalladas novelas centradas en diferentes lugares, dominarían las listas de éxitos de ventas.
“If you'll excuse an expression I use, I'm in love, I'm in love, I'm in love, I'm in love, I'm in love with a wonderful guy!”
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