The Beast Within: The Making of Alien

“In space no one can hear you scream”

Una nave espacial mercante percibe una transmisión desconocida como una llamada de socorro, su aterrizaje en la luna de origen, provoca que uno de sus tripulantes sea atacado por una misteriosa forma de vida… de pronto, la tripulación se da cuenta que su ciclo de vida simplemente ha comenzado… es ahí donde empieza el verdadero pánico.
Alien (1979) es una película de ciencia ficción y terror, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm y Yaphet Kotto.
La trama relata el acecho de una criatura alienígena a la tripulación en el espacio.
El éxito de STAR WARS (1977) supuso un cambio favorable en la forma en que era percibida la ciencia ficción en el cine, y motivó a 20th Century Fox, a iniciar la producción de Alien; un rodaje que se llevó a cabo en Londres durante 14 semanas, donde se construyeron 3 gigantescos escenarios, con H.R. Giger, Ron Cobb y Chris Foss, como los diseñadores de los elementos alienígenas y humanos, mientras que Jerry Goldsmith estuvo a cargo de la composición de la banda sonora.
En su momento, Alien recibió una gran acogida por la crítica, que destacó el suspenso y los efectos visuales; que se convirtió con el tiempo en una de las películas de ciencia ficción con mayores ingresos en la historia del cine, siendo también todo un gran éxito de taquilla.
En total, Alien se exhibió en 713 salas de cine de todo el mundo, recaudando $104,9 millones; siendo también la 6ª película con mayores recaudaciones de 1979, y uno de los filmes de ciencia ficción con mayores ingresos en la historia del cine.
Como generadora de una franquicia, dentro de la saga Alien, la de 1979 es la 4ª película con mayores ingresos después de “Prometheus” (2012), “Aliens” (1986) y “Alien vs Predator” (2004)
Alien recibió un Premio Oscar a Los Mejores Efectos Visuales para H.R. Giger, Carlo Rambaldi, Brian Johnson, Nick Allder y Denys Ayling; y obtuvo una nominación en la categoría de mejor dirección de arte para Michael Seymour, Leslie Dilley, Roger Christian e Ian Whittaker.
También, Alien fue muy elogiada en las décadas posteriores, siendo introducida en El Registro Nacional de Cine de La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en 2002, para preservación histórica como “una película que es cultural, histórica y estéticamente significativa”, y siendo clasificada por el American Film Institute en 2008, como la 7ª Mejor Película en el género de la Ciencia Ficción.
Y es que el éxito de Alien generó toda una cultura, con una franquicia de novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como 3 secuelas y hasta el momento con 2 precuelas.
Al tiempo que lanzó la carrera de Sigourney Weaver al darle el papel principal de la película.
Y es que la historia de los encuentros de su personaje, Ellen Ripley, con las criaturas alienígenas que la han perseguido por décadas, originaron una saga que se convirtió en la temática que impulsó las secuelas:
“Aliens” (1986), “Alien³” (1992) y “Alien Resurrection” (1997)
Y en el año 2003, se editó un pack de DVD llamado “Alien Quadrilogy”, recopilando las versiones originales de los 4 films, y una serie de documentales mostrando el detrás de cámara de sus realizaciones.
Entre ellos se destaca “The Beast Within: The Making of Alien”, un documental imprescindible en cualquier filmoteca que se precie, pues explica la creación y el desarrollo de una de las películas clave del cine fantástico, la historia de La Teniente Ellen Ripley, los 7 tripulantes del Nostromo, y ese 8º pasajero que aún hoy causa pesadillas.
Porque Alien es una obra maestra, un filme hermoso, tenebroso, tenso, angustioso cuento gótico de horror por cuyas arterias y espeluznantes pasillos corren fantasmas de Joseph Conrad y H.P. Lovecraft; con el suspense más sobrecogedor de los últimos tiempos, ya que nunca hasta entonces, una película de ciencia ficción había sido tan siniestra y terrorífica, que nada tiene que ver con la claridad cristalina, aséptica y también inquietante de la película con mayor impacto del género:
“2001: A Space Odyssey” (1968)
Por tanto, Alien es visto hoy, como una de las películas de ciencia ficción más influyentes... pero:
¿Cómo se hizo?
“Get ready to roll!”
The Beast Within: The Making of Alien es un documental del año 2003, escrito y dirigido por Charles de Lauzirika.
Protagonizado por Bolaji Badejo, Martin Bower, Gordon Carroll, Veronica Cartwright, Roger Christian, Ron Cobb, Jon Finch, H.R. Giger, David Giler, Jerry Goldsmith, Ian Holm, John Hurt, Brian Johnson, Yaphet Kotto, Alan Ladd Jr., Dan O'Bannon, Ivor Powell, Carlo Rambaldi, Terry Rawlings, Jake Scott, Luke Scott, Ridley Scott, Mary Selway, Michael Seymour, Ronald Shusett, Tom Skerritt  Harry Dean Stanton, Derek Vanlint, Sigourney Weaver, entre otros.
El guión de Alien se emplaza en un futuro lejano, cuando la tripulación de la nave espacial comercial Nostromo, se dirige a su casa cuando recibe una llamada de socorro de una luna lejana…
La tripulación tiene la obligación de investigar, y la nave espacial desciende sobre la luna, donde después de un aterrizaje brusco, 3 miembros de la tripulación abandonan la nave espacial para explorar el área, al mismo tiempo que descubren una colonia de colmenas de una criatura desconocida…
La computadora de la nave, descifra el mensaje como una advertencia, no como una llamada de socorro; y cuando se perturba uno de los huevos, la tripulación se da cuenta de que no están solos en la nave espacial… y deben lidiar con las consecuencias.
Este documental hecho para el DVD “Alien Quadrilogy” muestra a los fanáticos de las películas de terror y ciencia ficción, una mirada detrás de las escenas de Alien, el terrorífico clásico de una tripulación de una nave espacial atrapada con un monstruo horrible que los caza, uno por uno.
Con una duración de 178 minutos, más largo que la misma película Alien (1979); es abrumadoramente informativo, y documenta cada detalle de la preproducción, producción, filmación, postproducción, “marketing” y diseño; con entrevistas al director Ridley Scott y el diseñador H.R. Giger, así como con la estrella Sigourney Weaver y otros miembros del elenco y el equipo, quienes comparten sus experiencias al trabajar en el proyecto, y discuten los esfuerzos especiales que se hicieron para reunirlos; y entre las muchas personas entrevistadas se encuentran:
Los escritores Dan O'Bannon y Ronald Shussett, donde O'Bannon admite que su colaboración anterior, “Dark Star” con John Carpenter, fue una gran influencia para Alien; el productor David Giler, el compositor Jerry Goldsmith, el editor Terry Rawlings, el diseñador conceptual Ron Cobb; “el creador del monstruo” Carlo Rambaldi, el director de fotografía Derek Vanlint, el supervisor de efectos visuales Brian Johnson, y como era de esperar, los miembros del elenco:
Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, y John Hurt, quien reemplazó a Jon Finch a última hora.
Así, el director Charles de Lauzirika cubre todas las bases necesarias con un detalle fascinantemente minucioso:
Desde el génesis de la historia, a cómo se diseñaron los personajes, como básicamente “camioneros en el espacio”; el proceso de selección, la elección del director adecuado, el diseño de los escenarios y el monstruo; pero también el arduo, exigente y difícil rodaje, la edición, la bellamente escalofriante banda sonora de Goldsmith; así como la realización de los efectos visuales, el uso de miniaturas, las vistas previas iniciales de la película, y el tremendo éxito de taquilla de la película.
Se destaca en especial, la icónica y vanguardista banda sonora que fue compuesta por Jerry Goldsmith, considerada por algunos como “una de sus mejores y más viscerales jamás compuestas”, donde en lugar de centrarse en los temas, Goldsmith crea un paisaje sonoro sombrío y disonante, que se adapta al ambiente oscuro e intenso de la película, por lo que irónicamente cuenta con solo unas cuantas pistas “románticas”
Como dato, la música de Goldsmith, fue interpretada por La Orquesta Filarmónica Nacional, y dirigida por Lionel Newman; sin embargo, la música no se usó originalmente, ni se escuchó como estaba previsto...
La partitura se redujo sustancialmente para las versiones teatrales de la película, y se agregaron algunas grabaciones de otras fuentes, en particular, partes de la partitura original del mismo Goldsmith para la película de 1962, “Freud: The Secret Passion”; así como las pistas de Charcot “Show and Desperate Case”; y el I Movimiento, adagio, de La Sinfonía N° 2 “Romántica” (1930) de Howard Hanson para los créditos finales.
Fue hasta el año 2007, que Intrada Records publicó la banda sonora completa de Jerry Goldsmith, remezclada y remasterizada de las cintas maestras originales.
Pero aparte de disfrutar del documental desde el primer minuto, también queda una clara sensación nostálgica sobre el oficio de hacer cine, sobre todo cuando las películas se hacían principalmente en su proceso de producción; en la creación de sets, maquillajes, materiales que unidos eran capaces de crear superficies planetarias inexistentes, pero que cobraban vida en el film.
Siento que hoy en día, las películas son más insípidas en ese sentido, porque tienen menos realismo en su ejecución, y más ficción que la misma ficción entregada en la historia, sino veamos el CGI; porque dentro de Alien había una actor… y siendo el monstruo lo principal de la película, era necesario hacerlo ver realista, y no como una película B, donde el esfuerzo se nota en los intentos fallidos.
Sin embargo, el cuerpo del actor logró diluirse en la materialidad de Alien:
La carne del hombre, no es más que la sangre de la criatura.
Pero hoy estamos viviendo en lo digital… donde las películas de ciencia ficción, terror o aventuras, nacen en su proceso de post producción; donde los actores graban sobre pantallas verdes, y emulan una ficción sobre la misma que ya están trabajando.
¡Es ficción sobre la ficción!
Más o menos el concepto arcaico que se concebía del arte:
El arte era pensado como mímesis; una imitación de la realidad…
Pero si la realidad misma no es más que una proyección de algo, entonces el arte vendría a ser la copia de la copia...
Recordemos que en “Avatar” (2009), con una duración de 160 minutos, tan solo el 40% de sus escenas son “reales”
Aunque también Alien fue innovadora en su momento; atractiva en su argumento, mezclando la ciencia ficción con el horror que causaba una criatura desconocida; proponía no sólo entretención, sino que una puesta en escena oscura y claustrofóbica, con especial énfasis en la fotografía, habiendo un equilibro nunca antes visto entre la historia y lo visual.
Con lo anterior, queda claro que ni los mayores efectos especiales logran hacer olvidar de que la materialidad… no existe.
Por tanto, si desea saber no solo sobre Alien, sino también sobre Hollywood en ese momento, o sobre qué tratan los guionistas o sobre la tecnología de efectos especiales de la época, o sobre cómo se eligen los actores para una película, o sobre el público, al menos en ese entonces… aquí tienen la idea.
Tanto así que si tuviera que impartir un curso sobre la historia del cine, o sobre la industria cinematográfica, es muy probable que todos mis alumnos vean esto.
Puede que haya mejores documentales “detrás de cámaras”, pero no puedo pensar en ninguno como este; y por supuesto, ayuda si disfrutaste de Alien, y si no lo respetas como una película emblemática, entonces podrías ser una de las pocas personas a las que no les gustará.
Y es que parece interesante que Alien fuera concebido y moldeado en la película que es, con “Total Recall” surgiendo de ella, así como varias otras películas que aparecerían en escena unos años más tarde.
“What happened to Kane?”
Este extraordinario, extenso y exhaustivo documental, que narra las vicisitudes desde el inicio de la producción de uno de los hitos de la historia del cine como es, Alien, la obra maestra de Ridley Scott estrenada en mayo de 1979, que cambio el género para siempre, que creo un icono en la ciencia ficción, mil y una veces imitado desde entonces, y que dio pie a una serie de secuelas, precuelas y “spin-off” que llega hasta nuestros días, y que tiene pinta de no agotarse; empieza desde el embrión… desde la idea original salida de la mente de Dan O´Bannon con la ayuda más tarde de Ronald Shusett, y acaba con el espectacular estreno y su brutal éxito, pero después de un duro rodaje, marcado por la presión del estudio de ajustarse al presupuesto establecido; un presupuesto dicho sea de paso, para un film del cual en inicio… no estaban muy convencidos de su éxito.
Y ya ven… lo que son las cosas…
Dividido en segmentos, en entrevistas a todas las partes que trabajaron en la película, guionistas, diseñadores, productores, actores, etc., todos van desfilando:
Desde el mismo Dan O’Bannon, peculiar personaje ya desaparecido, guionista y actor, que salía en la famosa y curiosa producción de John Carpenter, “Dark Star” (1974), y su amigo Ronald Shusett, también creador de otro éxito del “sci-fi” como lo es “Total Recall” (1990); hasta el diseñador de los decorados, Ron Cobb; o de la criatura, H.R. Giger; productores como David Giler, y actores como Sigourney Weaver, John Hurt, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, etc.
Tomo inició mientras estudiaban cinematografía en La Universidad del Sur de California, que Dan O'Bannon, John Carpenter y Ron Cobb, produjeron el filme de ciencia ficción y comedia “Dark Star” (1974)
Años más tarde, O'Bannon comenzó a escribir una historia similar a esa trama, pero con más elementos del cine de terror...
Ronald Shusett escribía el libreto de “Total Recall” (1990) cuando miró “Dark Star” y quedó impresionado con la trama; y se puso en contacto con Dan, y ambos accedieron a colaborar en sus respectivos guiones; tanto que coincidieron en que la película de O'Bannon habría de ser la menos costosa de producir, así que trabajaron primero en dicho libreto.
Para entonces, O'Bannon ya tenía un borrador de 29 páginas titulado “Memory”, que describía cómo un grupo de astronautas despierta de un sueño inducido, y se entera de que el trayecto de su nave ha sido interrumpido por una señal proveniente de un planetoide desconocido… y pese a que ya tenía en mente a la criatura extraterrestre antagónica, todavía no definía su apariencia...
Por otro lado, O'Bannon recibió una propuesta de Alejandro Jodorowsky para participar en la adaptación de la novela “Dune”, y se trasladó a París donde permaneció por 6 meses.
Pese a la cancelación del proyecto, esta experiencia le permitió a O'Bannon conocer a otros escritores y artistas de la ciencia ficción como:
Chris Foss, H.R. Giger, y Jean “Moebius” Giraud, cuyas ideas y conceptos habrían de repercutir en “Memory”; y se mostró impresionado con las carátulas de los libros de Foss, mientras que el trabajo de Giger le pareció “perturbador”, y dijo:
“Las ilustraciones de Giger tuvieron un profundo impacto en mí.
Nunca había visto nada tan horrible y, al mismo tiempo tan hermoso como su trabajo.
Acabé escribiendo un guión sobre el monstruo de Giger”
Una vez de regreso en Los Ángeles, y tras mudarse a la residencia de Shusett, retomó su historia; y Shusett le sugirió, que la criatura se infiltrara en la nave en la segunda mitad de la película; de manera oculta, en el estómago de uno de los astronautas...
Originalmente, el guión llevaba por título “Star Beast” pero luego lo cambiaron por “Alien”, al resultar más simple y tener un doble uso gramatical como sustantivo y adjetivo; pues además de significar alienígena, significa extranjero… y cabe señalarse que el guión incluye varias referencias a otras obras de ciencia ficción y de terror:
Desde el concepto de un entorno claustrofóbico en el que la bestia va persiguiendo a la tripulación, el cual provino de “The Thing from Another World” (1951), la advertencia de que no aterricen en el planetoide desconocido, y la forma en que la criatura acecha a los tripulantes, conceptos similares a los de la película “Forbidden Planet” (1956)
La escena en que los astronautas descubren el esqueleto gigante de un extraterrestre, la cual tuvo su origen en “Terrore Nello Spazio” (1965); y el hallazgo de la cámara repleta de huevos de xenomorfo, descrita originalmente en el relato corto “Junkyard” (1953) de Clifford D. Simak.
Peor hubo otras influencias notables:
La novela “Strange Relations” (1960) de Philip José Farmer, que aborda la reproducción extraterrestre; y varias historietas de terror de EC Comics.
La novela Strange Relations de Philip José Farmer o el relato “Junkyard” de Clifford Al tiempo que se dice que Alien tiene mucho en común con películas de monstruos de serie B, como:
“The Thing from Another World” (1951), “Creature from The Black Lagoon” (1954), “It! The Terror from Beyond Space” (1958), “Night of The Blood Beast” (1958) y “Queen of Blood” (1966); así como de películas de terror de los años 1970 como:
“Jaws” (1975) y “Halloween” (1978)
Mientras que en el ámbito literario, existen conexiones con elementos argumentales de:
“And Then There Were None” (1939) de Agatha Christie, “The Voyage of The Space Beagle” (1950) de A.E. van Vogt, las historias de la serie “The Black Destroyer”, donde se narra cómo un extraterrestre con forma de gato, se infiltra dentro de una nave, y comienza a cazar a los tripulantes; también se habla de “Discord in Scarlet”, en la que un extraterrestre implanta huevos parasitarios en unos pasajeros, que luego eclosionan, y cuyas larvas comienzan a alimentarse de ellos mientras salen de sus cuerpos.
A pesar de ello, Dan O'Bannon negó que esta última fuera una de las fuentes de inspiración para redactar la historia de Alien; y de hecho, su autor, A.E. van Vogt, inició una demanda contra Fox debido a las semejanzas con la cinta, pero Fox resolvió el caso en un arreglo extrajudicial…
Sobre el filme de Mario Bava, “Terrore Nello Spazio” (1965) también hay similitudes, específicamente en la secuencia en la que un grupo de investigadores encuentran unas ruinas que albergan una considerable cantidad de esqueletos gigantescos, al igual que la relación entre los escombros de las edificaciones con las escenas de la nave en sí misma, lo cual guarda similitud con la nave espacial abandonada que aparece en Alien…
A pesar de las semejanzas visuales entre ambas cintas, tanto O'Bannon como el director Ridley Scott, sostuvieron que ellos no habían visto el filme de Bava.
Mientras que en la TV, también se observó ciertas similitudes con la serie “Doctor Who”, en particular con el capítulo “The Ark in Space” (1975), en el que una reina alienígena parasitaria con forma de insecto, inyecta unas larvas en el interior de unos humanos, que luego comienzan a comerse a sus huéspedes...
Otra relación se encuentra en lo referente a la primera mitad de la película, con la obra “At The Mountains of Madness” de H.P. Lovecraft, no tanto en el argumento, pero sí en su pavorosa forma de generar intriga y las semejanzas que guarda en cuanto temáticas y entornos con otros trabajos de dicho escritor.
Por su parte, en 2009, Dan O'Bannon reconoció el legado de Lovecraft como una de las principales influencias de Alien, al decir:
“Una de las cosas que quedaron demostradas, es que no puedes adaptar a Lovecraft de forma efectiva sin un estilo visual extremadamente fuerte...
Lo que necesitas es un equivalente cinemático de la prosa de Lovecraft”
A la anterior declaración se sumó la de Giger, quien confesó que el guión original de O'Bannon, “le había gustado particularmente porque vi que estaba en la corriente de Lovecraft, una de mis mayores fuentes de inspiración”
Así las cosas, y aunque el guión todavía estaba inconcluso, O'Bannon y Shusett enviaron copias del libreto a varios estudios de cine, y promocionaron la trama como una versión de “Tiburón en el espacio”; y poco antes de concretar un acuerdo con la productora de Roger Corman, un amigo les sugirió enviar el libreto a Walter Hill, David Giler y Gordon Carroll, que eran propietarios de los estudios Brandywine, y tenían una estrecha relación con 20th Century Fox.
Y tan pronto se firmó el contrato con ellos, realizaron varias modificaciones al guión, por lo que O'Bannon y Shusett se mostraron inconformes con su intervención, especialmente por el hecho de que Hill y Giler carecían de experiencia en la ciencia ficción, y “no eran buenos en su labor de mejorar el guión, o al menos en no empeorarlo”, dijo O'Bannon, que creía que su intención era hacer modificaciones sustanciales al guion, para apropiarse de él.
Entre los cambios aportados por Hill y Giler, destacan la adición del androide Ash, que al principio O'Bannon y Shusett consideraron innecesario; y ciertos diálogos con tal de agregarles fluidez, y proporcionar un mayor énfasis al planetoide.
Al principio, la postura de Fox respecto al financiamiento de Alien era de recelo, pues creían que era un riesgo financiero invertir en una película de ciencia ficción…
Esta percepción cambió tras el éxito de “STAR WARS” (1977); y de acuerdo a O'Bannon:
“Los ejecutivos de Fox querían seguir los pasos de “STAR WARS”
Querían lograrlo rápido, y el único guión de naves espaciales que tenían en su escritorio en aquel entonces, era el de Alien”
Finalmente, Fox aprobó un presupuesto de $4,2 millones; y tras rechazar dirigirla Walter Hill, por la cantidad de efectos especiales que tenía, aunque sí que fue productor, 20th Century Fox propuso a varios directores:
Peter Yates, Jack Clayton y Robert Aldrich, pero fueron rechazados por los creadores.
O'Bannon quería dirigir Alien, pero Fox lo rechazó; sin embargo, los guionistas y Brandywine, coincidieron en que ninguno de los directores propuestos se habría tomado en serio la trama, y la habrían filmado como una cinta de monstruos de bajo presupuesto.
Asombrados por “The Dualist” (1977), que significó el debut cinematográfico de Ridley Scott; Giler, Hill y Carroll, le propusieron la dirección de Alien, y este accedió sin dudarlo.
No obstante, Scott creó guiones gráficos que no solamente persuadieron a Fox sobre el potencial de la película, sino que llevó a los estudios a incrementar el presupuesto para la película al doble, $8,4 millones; pues algunas de las ilustraciones hechas por Scott, incluían el diseño de la nave y los trajes espaciales, inspirados en las películas “2001: A Space Odyssey” (1968) y “STAR WARS” (1977); y al igual que O'Bannon, Scott quería hacer una película predominantemente de terror, y la describió como “The Texas Chain Saw Massacre de la ciencia ficción”
Por su parte, O'Bannon le mostró a Scott varias obras de Giger, incluida la ilustración “Necronom IV”, predecesor del diseño del alienígena.
Esta obra les agradó mucho, porque cumplía con su visión de la criatura alienígena, así que solicitaron a Fox su inclusión en la producción, pese a que el trabajo de Giger resultaba “muy tétrico y cadavérico” para algunos ejecutivos del estudio; y según Carroll:
“Desde el primer instante en que Ridley Scott miró la obra de Giger, supo que el mayor problema de diseño y quizás el más serio en la película estaba resuelto”
Por lo que Scott tomó un vuelo a Zürich para reunirse con Giger, y una vez ahí, le explicó la trama y le pidió que se hiciera cargo de los diseños de la criatura.
Por otro lado, las audiciones y selección del reparto se llevaron a cabo de forma simultánea en New York y Londres, siendo apoyados por las directoras de “casting”:
Mary Goldberg y Mary Selway, para Estados Unidos y Reino Unido, respectivamente.
O'Bannon y Shusett prefirieron definir los aspectos de la criatura, antes que los del resto del elenco, conformado por sólo 7 personajes humanos “de sexo intercambiable”, de forma que Scott, Selway y Goldberg podían elegir con qué actor o actriz trabajar según la personalidad y rasgos que fueran definiendo para cada personaje.
Eso sí, la prioridad de Scott era buscar actores experimentados, para que así pudiera centrarse en desarrollar el estilo visual de la película.
Inspirado por el concepto de “futuro explorado” de “STAR WARS” (1977), en el que cada elemento tiene su propia referencia histórica y luce una apariencia antigua; el director de Alien quiso apartarse del diseño prístino con el que era representado el futuro en muchas de las películas del género, y visualizó a los astronautas como “camioneros espaciales” trabajando en un entorno realista; y por ello, Scott detalló en varias páginas el trasfondo de cada personaje para asegurarse de que los actores contaran con material suficiente para interpretar su rol.
De hecho, grabó también algunos de los ensayos con la finalidad de capturar la espontaneidad, improvisación y tensiones que había en el reparto, especialmente de la entonces inexperta Sigourney Weaver, y posteriormente incluir esas tomas en la película para transmitir esa misma sensación en la audiencia.
Para el crítico de cine, Roger Ebert, el hecho de que el reparto estuviese integrado por actores de mayor edad que aquellos que solían aparecer en las cintas de suspense, le proporcionó veracidad tanto a la trama como a las actuaciones de Alien; y en su opinión dijo:
“Ninguno de ellos es particularmente joven.
Tom Skerritt, el capitán, tenía 46; Hurt tenía 39 pero se veía mayor; Holm tenía 48; Stanton 53, Yaphet Kotto 42.
Solo Weaver y Veronica Cartwright, que tenían 29 y 30 años, tenían la edad promedio del reparto usual de un filme de suspenso.
Es poco probable que muchas películas recientes de acción tengan un reparto de actores jóvenes en los papeles protagónicos o secundarios, y Alien, al tener solo a mayores de edad, alcanza una cierta textura:
Ellos no son aventureros, sino trabajadores contratados por una empresa para traer 20 millones de toneladas de minerales a La Tierra”
David McIntee, autor de “Beautiful Monsters: The Unofficial and Unauthorised Guide to the Alien and Predator Films”, explicó que la efectividad de la película para aterrar a la audiencia, “proviene del hecho de que los espectadores pueden identificarse con los personajes...
Todos los que están a bordo del Nostromo, son personas normales, cotidianas, solo que viven y trabajan en una época futura”
La filmación dio comienzo el 5 de julio de 1978, y duró solo 14 semanas debido al bajo presupuesto y a la insistencia de Fox, en que el equipo de producción se ajustara al calendario estipulado.60
Usaron los estudios Shepperton, cerca de Londres, para grabar la mayoría de las escenas principales de la película y, aproximadamente a 40 km, los estudios Bray en Water Oakley, Berkshire para filmar los modelos en miniatura.
Más de 200 obreros y técnicos colaboraron para construir los 3 principales sets de Alien:
La superficie del planetoide, los interiores del Nostromo, y la nave abandonada.
Y de Bray, en Water Oakley se filmaron los modelos en miniatura del planeta y de la nave abandonada.
Todo esto se hizo en… digamos “tiempo record”
De los 3 sets de Shepperton, el de los interiores del Nostromo constaba de 3 pisos, por lo que cada nivel de la nave ocupaba una planta.
Cada una de las estancias de la misma, estaba comunicada por pasillos, sí, esos que al final causaban tanta claustrofobia, a lo que hay que añadir que la altura de los techos de la nave eran de 1.9 metros.
Supieron hacerlo muy bien, no hay duda; y para crear el Nostromo, decidieron apostar por un diseño industrial, la cuestión era plasmar que los tripulantes no eran ninguna eminencia científica, nada de eso, más bien eran obreros al servicio de una gran corporación.
Curiosamente, el exterior del Nostromo se rodó en un cementerio de aviones…
Aquí tenemos un movimiento “maestro” para ahorrar presupuesto, y poder derivarlo a la creación de la criatura.
El padre del Alien, no es otro que H.R. Giger, pero no solo de la criatura, sino también de toda la iconografía de la película:
Escenarios, planeta, etc., y creó a un ser que contaba con 3 estadios evolutivos, y que era casi imbatible; fue por ello que hizo que su sangre fuese ácido concentrado, tuviese la mandíbula retráctil, de gran agilidad, y que se adaptase al medio en el que se encontraba, entre otras cosas.
Pero para darle un giro más de tuerca, Giger quería que el alien tuviese la piel transparente, ya que de esta forma sería más complicado saber dónde estaba.
Cosa que tampoco es que hiciese falta, pues supieron tirar muy bien de sombras y oscuros; pero era inviable, porque suponía un aumento considerable del presupuesto.
Por ello, la idea se guardó en el cajón para ser utilizada más adelante en la película de “Predator” (1987)
El honor de encarnar al alien, fue para el artista nigeriano, Bolaji Badejo, cuya complexión delgada y su altura de 2.18cm, le hacían perfecto para el papel.
Y para el diseño de la criatura, por tanto del traje que tenía que llevar Badejo, se inspiraron en una de las pinturas de Giger:
“Necronom IV”; y lo más complicado de recrear fue la cabeza, ya que contenía 900 facciones hidráulicas y móviles; y lo más llamativo, sin duda, es la forma que tiene… y sí, si estáis pensando mal, han dado totalmente en el clavo:
Tiene un diseño fálico, y cuenta con múltiples bocas.
No obstante, lo que puede que muchos no sepan, es que al principio, el alien tenía ojos.
¿Se imaginan?
Ya no lo veríamos igual… pero la producción decidió quitarlos para darle un aspecto mucho más perturbador, dando así el aspecto sombrío de una bestia fría y sin emociones, que caza por el olfato.
De esa manera, en el libreto inicial de Alien, la película terminaba con la destrucción del Nostromo, y mostraba a Ripley a bordo de la lanzadera Narcissus.
Scott había concebido un “IV acto”, en el que la criatura aparece inesperadamente en la lanzadera, y Ripley debe enfrentarla.
Para grabar estas nuevas escenas, tuvo que concretar antes un acuerdo con Fox, con tal de aumentar el presupuesto, y extender la filmación algunos días más de lo estipulado.
Su idea original, era que el monstruo le arrancara la cabeza a Ripley de un bocado, para usar su voz e ingresar a la bitácora de la nave.
No obstante, los productores se mostraron inconformes con este desenlace, y en cambio, propusieron que la criatura muriera al final de la película.
Así las cosas, la filmación terminó el 21 de octubre de 1978.
El título de la película, se crea lentamente una línea a la vez en la parte superior de la pantalla durante los créditos de apertura, comenzando con la I, luego la barra diagonal en A, y la barra en N, y luego las líneas verticales en L y E, por lo que parece / III \
Después de eso, las líneas resultantes de cada letra se agregan lentamente una a la vez, hasta que el título sea completamente visible.
Estamos en el año 2122, dentro de la nave espacial de transporte comercial, U.S.C.S.S. Nostromo, que regresa a La Tierra proveniente del planeta Thedus, con un remolque de 20 millones de toneladas de mena.
Los 7 miembros de la tripulación están en un estado de sueño criogénico; y al recibir una transmisión de origen desconocido, procedente al parecer de la luna de un planeta cercano, el ordenador central de la nave, al que llaman “Madre” despierta a la tripulación.
En un principio creen que están en las proximidades de La Tierra, hasta que descubren que se hallan en una región fuera del Sistema Solar.
El Capitán Dallas (Tom Skerritt) les comenta que la computadora cambió el rumbo de la nave para acudir a una señal anormal que la nave recibe cada 12 segundos, y que “Madre” identifica como una alerta de auxilio.
Dallas asume la responsabilidad de investigarla y, con la ayuda del oficial científico Ash (Ian Holm), persuade al resto del equipo para que colabore.
Gracias a cálculos de trayectoria realizados por la nave, descubren que están en el sistema extrasolar Zeta II Reticuli, en los límites de astronavegación, y se dirigen hacia un destino desconocido.
Finalmente, el Nostromo llega a la luna de un planeta gigantesco gaseoso anillado e inexplorado; y en ella, la tripulación desengancha a Nostromo del remolque, y la nave desciende hacia donde se originó la transmisión.
En su aterrizaje, la nave sufre algunos daños… por lo que El Capitán Dallas, el oficial ejecutivo Kane (John Hurt) y la navegante Lambert (Veronica Cartwright) salen a la superficie del planetoide a investigar el origen de la señal, mientras que la suboficial Ellen Ripley (Sigourney Weaver), Ash, y los ingenieros Brett (Harry Dean Stanton) y Parker (Yaphet Kotto) se quedan en la nave para monitorearlos y hacer reparaciones.
Dallas, Kane y Lambert, descubren que la señal proviene de lo que parece ser una nave espacial alienígena abandonada desde hace tiempo; y dentro encuentran los restos fosilizados de un extraterrestre gigante, sentado en la silla del piloto, con un boquete en su abdomen perforado de adentro hacia afuera.
Mientras tanto, Ripley ordena a “Madre” que realice una minuciosa decodificación binaria del código extraterrestre para su interpretación; y durante la actividad, se percata de que el mensaje es de advertencia, y no una solicitud de socorro como les hizo creer la computadora…
Dentro de la nave abandonada, Kane descubre una enorme cámara llena de numerosos huevos, uno de los cuales libera una criatura que se adhiere a su casco, derritiendo su visor, y dejándolo inconsciente.
Dallas y Lambert lo llevan al Nostromo, donde Ash les permite entrar, a pesar del protocolo de cuarentena activado por Ripley.
Una vez en el interior de la nave, Dallas y Ash intentan arrancar la alimaña del rostro de Kane, pero descubren que su sangre es un ácido extremadamente corrosivo.
Finalmente, la criatura se desprende por sí sola, y cae muerta.
Con la nave reparada, la tripulación despega, acopla el remolque, y retoma el viaje hacia La Tierra.
Posteriormente, Kane despierta aparentemente ileso, pero durante una comida antes de entrar nuevamente en hipersueño, Kane comienza a asfixiarse convulsivamente, hasta que una larva emerge violentamente de su pecho, matándolo en el acto, y escapando para ocultarse en la nave.
La tripulación intenta localizar y capturar al monstruo con sensores de movimiento, armas de electrochoque y lanzallamas, pues se dan cuenta que si la sangre de la criatura es corrosiva, dispararle puede afectar al casco de la nave.
Mientras Brett busca a Jones, el gato de la tripulación, llega a una sala en la que encuentra al engendro ya desarrollado, que presumiblemente lo asesina antes de desaparecer por los conductos del sistema de ventilación de la nave.
Dallas lo sigue con la intención de forzar a la cosa a entrar en una esclusa donde pueda ser expulsada hacia el espacio, pero el ser le tiende una emboscada, y aparentemente lo mata…
Lambert les pide a los demás que escapen en una lanzadera, pero Ripley, siguiente al mando, se niega alegando que la lanzadera no podría dar soporte vital a 4 personas; y tras acceder a “Madre”, Ripley descubre que Ash recibió secretamente órdenes de llevar la nave hasta su corporación propietaria con el alienígena dentro, a expensas de lo que le pudiese ocurrir a los demás pasajeros.
Así, Ash la ataca bruscamente, pero Lambert y Parker intervienen, siendo este último quien golpea a Ash con un extintor y lo decapita, revelando a la tripulación que en realidad Ash es un androide; y antes de ser incinerado, Ash les indica a los tripulantes que no sobrevivirán...
Más tarde, el resto de la tripulación idea un plan para activar el sistema de autodestrucción del Nostromo y escapar en la lanzadera.
Mientras Ripley inicia la secuencia de autodestrucción, Lambert y Parker son emboscados y asesinados por la criatura mientras recolectan pertrechos para el escape.
A continuación, Ripley se dirige a la lanzadera con Jones, y aunque el Alien le bloquea el camino, esta alcanza a escapar.
Luego intenta sin éxito abortar la autodestrucción, tras lo cual vuelve a la compuerta de la lanzadera.
Para su alivio, el ser ya no se halla ahí, y Ripley logra escapar en la cápsula antes de que el Nostromo explote.
Mientras Ripley se prepara para entrar en hipersueño, descubre que el monstruo se encuentra con ella en la lanzadera; y tras ponerse un traje espacial, despresuriza la lanzadera al abrir la escotilla, y logra expulsar al organismo fuera de la nave con ayuda de un gancho que lanza contra la criatura.
Sin embargo, el cable del gancho termina atascándose en la puerta, y el xenomorfo se mantiene sujeto al cable, tratando de introducirse en la nave por uno de los motores.
Finalmente Ripley activa los motores, y el impulsor envía al monstruo al espacio, deshaciéndose de él.
En las escenas finales, se ve a Ripley entrando en hipersueño junto con el gato antes de su retorno a La Tierra.
De una forma progresiva, Ridley Scott dio con la manera de ir introduciendo en el espectador no solo el miedo, sino también la sensación de claustrofobia; y para esto último se sirvió principalmente de 3 factores:
La luz, la altura del interior de la nave junto con los pasillos, y no enseñar al monstruo por completo hasta prácticamente el final.
En el tema de la luz o la iluminación, lo que Ridley Scott hace es ir disminuyéndola de forma progresiva, hasta llegados los últimos 20 minutos en los que la oscuridad se apodera totalmente de la escena.
Esto hace ver al espectador cómo la situación se va complicando por momentos, y lo de moverse a ciegas como que no gusta... pues el monstruo tiene ventaja.
Este juego de luces va directamente relacionado con el espacio del que disponen los protagonistas.
No hay nada como estar en medio del espacio, dónde “no se escuchan tus gritos” y no hay salida posible.
Poco contentos con esto, deciden llenar la nave de pasillos, que son estrechos, y jugar con una altura de techos más bien baja.
¿El resultado?
La claustrofobia.
Y la guinda del pastel fue jugar al escondite con el alien.
Con esto me refiero a que no hay nada que dé más miedo que lo desconocido, saber que te enfrentas a algo realmente peligroso, pero que no eres capaz de intuir o ver.
Lo que viene siendo insinuar, esto provoca que el espectador deje suelta la imaginación, y acabe pensando en aquello que le aterra… inclusive la idea que se tenga del monstruo.
Así se da un juego psicológico que en la mayoría de los casos funciona.
Por otra parte, los sets en miniatura del planetoide y de la nave abandonada, fueron creados a una escala de 24:1 por el director artístico, Les Dilley, que se basó en los diseños de Giger.
También fabricó moldes para usarlos como diagramas para las distintas formas de madera y de fibra de vidrio de los sets.
Y para representar el planetoide, llevaron al estudio toneladas de arena, yeso, fibra de vidrio, roca y grava, sobre los cuales debían caminar los protagonistas vistiendo sus trajes espaciales.
El diseño de los trajes, supuso un importante problema durante las grabaciones, ya que al estar forrados de nailon, resultaban gruesos y voluminosos, y no contaban con ningún sistema de ventilación para el escape del dióxido de carbono.
De hecho, algunos de los actores estuvieron cerca de desmayarse debido a este inconveniente, sumado al intenso calor de esas fechas; y para remediarlo, se le solicitó a algunas enfermeras que asistieran al elenco con botellas de oxígeno entre tomas para evitar riesgos de asfixia.
Así, los trajes espaciales usados por Tom Skerritt , John Hurt y Veronica Cartwright, eran enormes; y con ellos trabajaron bajo luces de estudio en condiciones de más de 100°F unos 37.8°C; y pasaron la mayor parte del tiempo desmayándose.
Como resultado, se usaron a los hijos de Ridley Scott y del director de fotografía, Derek Vanlint, en los trajes para tomas largas, y también se desmayaron cuando se hicieron algunas modificaciones a los trajes.
Y para dar la impresión de que la nave abandonada tenía un gran tamaño, el equipo construyó un soporte vertical que les permitió hacer tomas desde una altura de hasta 18m
Sin embargo, Scott quería ofrecer una perspectiva más realista en la toma, así que vistió a sus hijos y al hijo de uno de los camarógrafos de manera idéntica a los actores adultos para grabar dichas secuencias.
La misma técnica fue empleada en la escena en que la tripulación descubre el cadáver extraterrestre en la nave abandonada.
Por otra parte, en total se usaron 4 gatos para grabar las escenas de Jones, la mascota del Nostromo; y mientras filmaban, se percataron de que el pelo de gato en combinación con la glicerina que usaba Weaver para aparentar sudoración, le ocasionó alergia a la actriz, por lo que le aplicaron menos glicerina que al resto de sus compañeros, razón por la que su personaje aparentemente suda menos que los demás.
Por otra parte, O'Bannon le pidió a Ron Cobb y Chris Foss, con quienes había colaborado previamente en “Dark Star” y “Dune”, que diseñaran los elementos vinculados con los personajes humanos de la película, incluyendo el Nostromo y los trajes espaciales.
Cobb comenzó su labor cuando el guión todavía estaba en proceso de redacción:
Dibujó varios bosquejos de la nave, basándose en conceptos como “El Leviatán” y “El Snark”
Y para los nombres de la nave y la lanzadera espacial, se inspiró en un par de novelas de Joseph Conrad:
“Nostromo” provino del título homónimo de 1904, y “Narcissus” de la novela “Black Narcissus” de 1897.
El equipo realizador, destacó la destreza con la que Cobb representó los interiores de la nave; y es importante señalar, que Scott fue quien propuso el concepto una remolcadora de una plataforma de refinería.
Si bien Cobb realizó algunas sugerencias para el diseño del extraterrestre, estas no fueron tomadas en cuenta en la versión final del filme.
por otra parte, Moebius, otro de los involucrados en “Dune”, proporcionó algunos diseños de vestuario para los trajes espaciales de los protagonistas.
“Detesto las películas que son tan frívolas y que dependen completamente de sus efectos visuales, aunque lógicamente las películas de ciencia ficción son populares por ello.
Siempre he creído que hay otra manera de hacer esto:
Hay que esforzarse mucho para crear toda la atmósfera de la nave, del viaje espacial o de cualquier escenario fantástico que puedas imaginar, para convertirlo en lo más convincente que sea posible, pero siempre en un segundo plano.
Esto permite que la historia y los personajes salgan a flote, y ellos puedan ser más reales”, dijo Ron Cobb sobre la producción de efectos visuales.
Y ahí es donde entran los diseños de H.R. Giger, que se cambiaron varias veces debido a su descarada sexualidad.
Así, Giger aportó los diseños alienígenas, Moebius proporcionó el diseño de los trajes espaciales, y Ron Cobb las naves.
Los sets de los 3 compartimentos del Nostromo, estaban conectados por medio de pasillos para facilitar el traslado de los actores durante el rodaje, lo cual ayudó a incrementar la sensación de claustrofobia que se quería transmitir en la filmación; y para proporcionarle un aspecto industrial a los interiores de la nave con “tecnología retro”, colocaron radiorreceptores de notable tamaño y algunas pantallas de baja resolución en los sets.
Inclusive Cobb diseñó una simbología industrial con patrones de colores para distinguir los distintos elementos y áreas de la nave.
Aunque nunca se menciona en la película, el nombre de la compañía propietaria del Nostromo, en los monitores de las computadoras y en las latas de cerveza es “Weyland-Yutani”, junto con un logotipo.
Cobb ideó esta denominación en alusión a una supuesta inversión conjunta de Gran Bretaña y Japón:
“Weyland” derivado de British Leyland Motor Corporation y “Yutani” del apellido de un vecino suyo de nacionalidad japonesa”
No es sino hasta “Aliens” (1986), que efectivamente Weyland-Yutani es referida como la empresa responsable del vehículo.
El director de diseño artístico, Roger Christian, utilizó chatarra para producir varias piezas del set, algo que ya había hecho en “STAR WARS” (1977); y se usaron partes de un bombardero para algunos de los pasillos de la nave, y con ayuda de un espejo, se aparentó que los pasillos inferiores eran más extensos.
Los supervisores de efectos especiales, Brian Johnson y Nick Allder, se encargaron de crear varias piezas y accesorios de los sets, tales como las sillas giratorias, las pantallas de computadora, los sensores de movimiento y el lanzallamas.
Giger diseñó los aspectos alienígenas de la película, incluidos la nave abandonada, el xenomorfo y la cámara de huevos.
Su principal objetivo, era darles una apariencia orgánica y biomecánica en contraste con el ambiente industrial del Nostromo; y para recrear los interiores de la nave abandonada y de la bóveda con huevos, esculpió los distintos elementos del escenario con huesos secos y yeso.
De acuerdo a Veronica Cartwright:
“Los sets de Giger son tan eróticos... tienen grandes vaginas y penes... es como si te metieras dentro de una especie de útero o algo así... es visceral”
Al principio se tenía pensado invertir una cantidad considerable del presupuesto total para construir el set del cadáver extraterrestre, personaje al que la producción apodó como “El Ingeniero”, sin embargo Fox prefería que descartaran dicha escena, debido a su breve aparición en la película.
Peor el equipo realizador convenció a los ejecutivos del estudio, al explicarles la importancia de la escena en la trama, además de percibirla como una manera de impresionar a la audiencia, y apartarse del concepto de una película de bajo presupuesto.
Al final, solamente se construyó una pared del set, y un disco giratorio para el cadáver, que facilitó las tomas desde distintos ángulos, y redundó en un ahorro en costos.
Giger se encargó de aerografiar tanto al set como al Ingeniero… y aunque la película no detalla el origen del Ingeniero, el director explicó que podría haberse tratado del piloto de la nave, originalmente un carguero que lanzaba huevos alienígenas en ciertos planetas…
En las primeras versiones del guión, los huevos iban colocados en una estructura piramidal con estatuas y jeroglíficos en su interior que habrían de mostrar el ciclo reproductivo del antagonista, así como los principales rasgos de los xenomorfos y de la raza del Ingeniero.
Los guiones gráficos de estas secuencias, fueron trazados por Cobb, Foss y Giger, sin embargo, prescindieron de estas imágenes debido a las restricciones presupuestarias, y a que no querían extender más la duración de la película.
En su lugar, instalaron la cámara de huevos en el mismo set del Ingeniero, aunque tuvieron que eliminarlo junto con la silla y el disco giratorio para poder grabar esas otras escenas; y para lograr los efectos de iluminación que se aprecian en la cámara de huevos, el equipo de producción solicitó un equipo de láseres recién adquiridos por la banda de rock inglesa, The Who, que ensayaba en un set de sonido junto al set donde filmaban la película.
Con todo, Ridley Scott hizo su trabajo de cámara a mano; y al comienzo de la producción, él tuvo que lidiar con 9 productores que estaban en el set en todo momento, y le preguntaron cuánto tiempo estuvo tomando cada toma...
Los supervisores de efectos visuales y de modelismo, Brian Johnson y Martin Bower respectivamente, diseñaron y construyeron los modelos en miniatura.
Sus diseños estaban inspirados en los guiones gráficos de Scott y en las ilustraciones de Cobb.
La estructura principal de los modelos, era de madera y plástico, e incluía elementos de otros modelos a escala de buques de guerra, tanques y bombarderos de La Segunda Guerra Mundial.
Para el Nostromo se requirieron 3 modelos:
Una versión de 30cm para las escenas más extensas; una de 1.2m para las tomas posteriores de la nave, y una más de 3.7m que requirió de un aparejo de 6.4 toneladas para las secuencias de desacoplamiento y aterrizaje en la superficie del planetoide.
Debido a la exigencia de Scott durante el rodaje, que involucraba cambios constantes en los modelos, hubo cierta tensión entre el director y los equipos de modelismo; por ejemplo, antes de que Johnson dejara la producción para trabajar en “STAR WARS: The Empire Strikes Back” (1980), el Nostromo era amarillo y así había sido filmada durante 6 semanas del calendario de rodaje; y por solicitud de Scott, tuvieron que pintarlo de gris y volver a realizar las tomas correspondientes.
Otros sucesos controvertidos ocurrieron cuando, por ejemplo, debido a la adición de varias piezas al modelo de la nave, fue necesario usar un armazón metálico para levantar el modelo con ayuda de una carretilla elevadora; cuando Scott destruyó varios de los diseños en espiral de Bower con un martillo y un cincel; o las diferencias entre el cineasta y el fotógrafo Dennis Ayling en relación al nivel de iluminación para los modelos.
Para grabar la parte inferior del Nostromo y mostrar la sección de la que se desprende Narcissus, y de la cual evacúan el cadáver de Kane, produjeron otro modelo de 12m de largo.
Para esta última escena, utilizaron una catapulta que sirvió para lanzar la mortaja moldeada en madera por Bower.
Para lograr el efecto que buscaban, filmaron la toma a alta velocidad, y luego la retardaron en la fase de edición.
El desprendimiento de la lanzadera, fue la única escena de Alien que requirió de una pantalla verde; para el resto de la cinta utilizaron mantas oscuras con estrellas superpuestas mediante la técnica de exposición múltiple.
Aunque la tecnología de fotografía con control de movimiento ya existía en aquel entonces, el equipo de producción no contaba con el presupuesto suficiente, por lo que emplearon una cámara de lentes especiales que montaron sobre un sistema de rieles para facilitar su movimiento alrededor de los modelos, y filmar a una velocidad de 2½ cuadros por segundo.
Scott decidió agregar efectos de humo y viento para darle mayor credibilidad a la escena; y se utilizó un brazo mecánico de 9.1m, construido con piezas de un modelo ferroviario y la carretilla elevadora para filmar el desenganche del Nostromo de la plataforma de refinería.
Y para las tomas hechas desde el exterior de la nave, donde se aprecia a través de las ventanillas de la nave a la tripulación en operaciones, se usaron modelos más extensos, y pantallas que reproducían escenas grabadas previamente por el elenco.
Ciertas áreas de la nave extraterrestre abandonada y de la superficie del planetoide, fueron pintadas con acabado mate.
Si bien nunca se menciona el nombre del planetoide en Alien, algunas versiones del guión contenían el término “Acheron”, proveniente del nombre del río Aqueronte que en la mitología griega es concebido como “el flujo del dolor”, un brazo del río Estigia, que circunda El Infierno en “La Divina Comedia” de Dante Alighieri.
Aunque en “Aliens” (1986), el planetoide lleva la denominación “LV-426”, ambos términos son asociados con el planetoide en la franquicia.
La película también sugiere que el planetoide está ubicado en algún lugar del sistema galáctico Zeta II Reticuli.
Hablando de nombres, en el guión original de Dan O'Bannon y Ronald Shusett , los nombres de los personajes eran:
Standard, Roby, Broussard, Melkonis, Hunter y Faust; no había un personaje de Ash.
Walter Hill y David Giler odió los nombres y los cambió varias veces durante las revisiones.
Finalmente se decidieron por Dallas, Ripley, Kane, Lambert, Parker y Brett, y agregaron a Ash.
El guión de O'Bannon y Shusett, también tenía una cláusula que indicaba que todos los personajes eran “unisex”, lo que significa que podrían ser elegidos con hombres o mujeres.
En consecuencia, a todos los personajes solo se les hace referencia por su apellido:
Dallas, Kane, Ripley, Ash, Lambert, Parker y Brett; y los pocos pronombres específicos de género, él o ella, se corrigieron después de elegir el reparto.
Sin embargo, Shusett y O'Bannon nunca pensaron en elegir a Ripley como un personaje femenino…
Sigourney Weaver como Ellen Ripley, suboficial y piloto:
La decisión de dar el personaje principal a una mujer, provino de Giler y Hill, que sentían que eso podría ayudar a Alien a destacar en un género como el de la ciencia ficción, dominado por personajes masculinos.
Weaver, que ya gozaba de experiencia en Broadway, aunque era relativamente desconocida en el cine, impresionó a Scott, Giler y Hill con su audición; y fue la última actriz en incorporarse al reparto; realizando sus pruebas de cámara en los estudios, mientras construían los sets.
Ripley fue el primer papel estelar de Weaver en el cine, y le hizo ganar nominaciones al Saturn a la  mejor actriz y un BAFTA como “La principiante más prometedora en un rol protagonista en el cine”
En un principio se pensó en Paul Newman para interpretar a Ripley, que acabó siendo Sigourney Weaver.
Posteriormente, Veronica Cartwright había sido escogida para interpretar a Ripley, pero el cambio le tomó por sorpresa, pues no se enteró sino hasta que acudió a Londres por cuestiones de vestuario.
De esa manera, Alien fue una de las películas pioneras en tener a una mujer en el papel protagonista, cosa muy poco habitual en el cine por aquel entonces, sobre todo en el cine de ciencia ficción, acción, o terror.
Y La Teniente Ripley, con el paso del tiempo, se ha alzado como un fuerte icono feminista que se relaciona directamente con la imagen de una jovencísima Sigourney Weaver.
Como dato, cuando le ofrecieron a Weaver el papel, era una total desconocida para la gran pantalla pese a haber “debutado” en 1977 en la oscarizada “Annie Hall” de Woody Allen.
En lo referente al tema del icono feminista, la propia actriz ha comentado sobre su personaje, que no se eligió que sobreviviese por cualquier ideología feminista, que simplemente fue porque nadie esperaría que ella fuese la única que quedase con vida.
Sea esto cierto o no, desde luego les salió mejor de lo esperado, ya que abrió la puerta a que más mujeres tuviesen los roles protagonistas.
Ridley Scott declaró que al interpretar el papel de Ripley, en última instancia, se trataba de Sigourney Weaver y Meryl Streep…
Las 2 actrices habían sido compañeras universitarias en Yale; y en última instancia, a Weaver le ofrecieron el trabajo, porque Streep estaba de luto por la muerte de su compañero, John Cazale en el momento del “casting”
¿Se imagina a Streep como Ripley?
Aunque Dan O'Bannon y Ronald Shusett habían incluido una cláusula en el guión, afirmando que todos los personajes podían ser hombres o mujeres, esperaban evitar lo que ya se estaba convirtiendo en un cliché en las películas de terror:
La mujer en peligro es la única con vida para enfrentar al asesino en el clímax, más tarde conocido como el fenómeno “The Final Girl”
Irónicamente, así es como terminó el personaje de Ripley, aunque debe notarse que, desde el principio, es mucho más fuerte y más ingeniosa que la típica “final girl”
Como dato, a partir de 2017, Sigourney Weaver es el único miembro del reparto que ha trabajado con Ridley Scott más de una vez:
En esta película, además de “1492: Conquest of Paradise” (1992), y en “Exodus: Gods and Kings” (2014)
Veronica Cartwright como Joan Lambert, oficial de navegación:
Cartwright tenía experiencia en películas de terror y ciencia ficción tras actuar en “The Birds” (1963) de Alfred Hitchcock y en “Invasion of The Body Snatchers” (1978)
No obstante, la actriz estaba inconforme con el hecho de que su personaje fuera emocionalmente débil; en sus propias palabras:
“Me convencieron de que yo representaba los miedos de la audiencia; yo era un reflejo de cómo se sentía el público”, y por ello, Cartwright ganó un Saturn a La Mejor Actriz de Reparto” por este papel.
Ian Holm como Ash, oficial científico y médico de la tripulación:
Holm, un actor veterano que ya había participado en varias películas, fue el actor con mayor experiencia cinematográfica del reparto.
El director Ridley Scott, dijo que a menudo se imaginaba que Ash estaba despierto durante gran parte del viaje de Nostromo, mientras que el resto de la tripulación estaba en crio, y se comunicaba en secreto con La Compañía; y volvería a estar criogénico poco antes de que el resto se despertara, para evitar levantar sospechas…
Esta idea se usó más tarde para el android David (Michael Fassbender) en el filme “Prometheus” (2012)
John Hurt como Gilbert Kane, oficial ejecutivo y copiloto:
Hurt era la primera opción de Scott para el personaje, pero no estaba disponible por cuestiones de agenda, puesto que trabajaba en esa época en Sudáfrica, así que Jon Finch accedió a interpretar el personaje en su lugar.
Pero Finch se enfermó el primer día de rodaje, y le diagnosticaron diabetes severa y bronquitis.
Debido a esto, Hurt llegó a Londres para sustituirlo.
Su actuación le valió una nominación para el premio BAFTA al mejor actor de reparto.
Yaphet Kotto como Dennis Parker, ingeniero en jefe:
Se eligió al afroamericano para dar diversidad étnica al elenco; y poco después de finalizar su participación en “Live and Let Die” (1973), el actor recibió una copia del guion, aunque no se integró de inmediato al reparto, ya que su agente tuvo que realizar antes algunas negociaciones para su participación en Alien.
Tom Skerritt como Arthur Dallas, capitán y oficial en jefe:
A Skerritt lo contrataron en fases tempranas del rodaje, pero rechazó el rol debido al bajo presupuesto y a la ausencia de un director al frente de la producción.
Más tarde, cuando Scott asumió la dirección y el presupuesto se duplicó, Skerritt aceptó el papel de Dallas.
Harry Dean Stanton como Samuel Brett, ingeniero técnico:
Las primeras palabras de Stanton a Scott fueron “no me gustan las escenas de ciencia ficción o las películas de monstruos”
A Scott le divirtió aquello y convenció a Stanton para que actuara en el rol de Brett, después de asegurarle que Alien era realmente un “thriller” más bien parecido a la novela de Agatha Christie.
Bolaji Badejo como el alien, antagonista principal de la película:
Un miembro del equipo de producción, descubrió al nigeriano en un bar, cuando todavía era un estudiante de diseño.
Después de entrevistarlo, lo puso en contacto con Scott, que lo consideró idóneo para interpretar al personaje debido a la considerable extensión de sus brazos y piernas, un rasgo que a su parecer haría creer a la audiencia que el alienígena no podía tratarse de un actor disfrazado.
Los especialistas, Eddie Powell y Roy Scammell, también interpretaron a la criatura en algunas escenas.
Otra de las peculiaridades de la película, es que el orden en el que van muriendo los personajes, y eso tiene un por qué:
Mueren primero aquellos actores que eran más conocidos por el público, para ir dejando para el final los menos conocidos.
En primer lugar muere el personaje interpretado por Jon Hurt, mientras que el de Sigourney Weaver, que era una completa desconocida, es la única en sobrevivir.
Originalmente, no había un argumento secundario con “La Compañía” traicionando a la tripulación.
Cuando David Giler y Walter Hill reescribieron el primer borrador de Dan O'Bannon y Ronald Shusett, querían encontrar formas de hacer que la trama fuera más interesante.
Inicialmente agregaron un tercer giro de acto, donde el CPU de la nave tenía una directiva oculta.
Se suponía que “Madre” debía permitir que Kane se infectara del organismo y llegara a la nave, a pesar de las objeciones de Ripley.
Aunque La Compañía había programado a “Madre” para redirigir el Nostromo e investigar el origen de la especie, la computadora funcionó bajo su propio protocolo especial.
Como dice “Madre” en las escenas finales, no estaba interesada en traicionar a la tripulación, pero tomó un lugar neutral al permitir que la criatura entrara en la nave, se gestara y evolucionara.
Cuando Ripley la reprende, la CPU responde que su lealtad solo reside en la ciencia.
Los datos para este “producto clave” serían fascinantes para el mundo científico.
Los productores y escritores, finalmente se dieron cuenta de que esta revelación sería muy reminiscente del HAL 9000 de Kubrick; y mantuvieron a “Madre” como CPU, pero incorporaron a Ash como el séptimo y último personaje, que siempre tuvo la intención de ser el espía.
Ash fue escrito como un androide, y gran parte de su actitud se hace eco de la historia desechada de “Madre” que abre la compuerta para permitir que el parásito entre a la nave, a pesar de las reglas de la cuarentena.
En el “Corte del Director”, Ash controla al Alien dentro de Kane, permite su incubación, quiere mantener la especie muerta/desprendida para estudios adicionales, y repetidamente expresa su admiración por la nueva especie.
Ash incluso tuvo un diálogo adicional sobre los productos clave que se encuentran en el espacio y las órdenes de La Compañía, pero Ridley Scott finalmente decidió racionalizar la escena de la muerte de él, y hacer que fuera un presentimiento más para la tripulación restante.
Ahora hablemos de Giger.
En el año 1975, a través de un amigo común, Giger entra a formar parte del equipo multidisciplinar que se forma alrededor del inefable y polifacético Alejandro Jodorowsky para rodar una película basada en “Dune”, la serie de novelas de ciencia ficción de Frank Herbert; un proyecto descabellado en muchos aspectos en el que, para empezar, el protagonista iba a ser Salvador Dalí a razón de unos $100 mil la hora de rodaje.
Por lo que Giger fue convocado en la casa del pintor catalán para conocer los detalles y condiciones de su trabajo, pero no pudo reunirse con Jodorowsky por problemas de agenda, aunque aprovechó el viaje para convivir unos días con Dalí y Gala, que causaron una gran impresión en Giger.
No obstante, cometió el error de volver a Suiza a solucionar unos asuntos mientras su novia se quedaba en casa de Dalí, quien en uno de sus arranques de genio, la convirtió en modelo, y pretendió casarla personalmente con un hippie a cambio de supervisar en vivo la noche de bodas…
Finalmente, el intento de rodar “Dune” se desvaneció, pero Giger consiguió quedarse con sus diseños, como las sillas Harkonnen y, lo que es más importante, un integrante del equipo había quedado prendado del estilo del suizo:
Dan O’Bannon, el que sería el guionista de Alien, y que sugirió a Ridley Scott que “el 8° pasajero” sólo podría ser creado por Giger.
Al observar la serie “Necronom”, en especial los números IV y V, queda claro que lo que Scott buscaba ya lo había inventado el suizo años atrás.
Giger, fascinado por el proyecto, se involucró en el mismo al 100% dibujando, esculpiendo, pintando e incluso discutiendo con Scott, porque entre otras cosas, los huevos alien los había ideado con una sola abertura, una evidente vagina que el director consideró demasiado terrenal para una civilización extraterrestre, por lo que en el film, que estaba impregnado de imágenes con sexo implícito, la escena más abiertamente erótica se redujo a unos primeros plano del pubis de Sigourney Weaver calzando unas minúsculas braguitas... Giger se encargó de idear la parte extraterrestre, tanto la civilización Alien como la del Space Jockey.
La idea de una estructura piramidal llena de huevos/botes, fue desechada y resurgió nuevamente en “AVP: Alien vs. Predator” (2004) y en “Prometheus” (2012)
Con su estilo “biomecánico” de influencia surrealista, Giger aportó la imagen de esas criaturas abyectas, de género ambiguo, que combinaban secreciones y curvas orgánicas con una apariencia y movimientos de una máquina concebida para matar y reproducirse.
En diversas entrevistas, el autor de “Necronomicon” ha contado que buena parte de su inspiración, le venía de sus propios sueños y pesadillas.
Cuenta Giger que “Dune” estuvo presente en todo el proceso de preproducción y que, cada vez que surgía una duda, recurrían a él...
A pesar de que las criaturas sólo aparecen durante breves minutos en la primera película de Alien, Scott jugó con el terror en el sentido más clásico, tanto esos monstruos como los pasillos cavernosos de la nave y los paisajes desasosegantes daban un contrapunto gótico muy novedoso al género de la ciencia ficción; y de esta manera, las referencias a los miedos más arraigados en el subconsciente desembarcaron por primera vez en el espacio exterior, dejando casi en el ridículo las representaciones de los extraterrestres que hasta hacía bien poco predominaban en el cine.
“En el espacio, nadie puede oír tus gritos”, fue el eslogan perfecto para un largometraje cuyo principal mérito, aparte de los dibujos de Giger, fue su manejo de las sugerencias, que ha dado para ríos de tinta y análisis de todo tipo, muchos relacionados con el feminismo, la sexualidad y la psicología.
La escena en que aparece el “ovomorph” fue filmada en la posproducción:
Aunque el huevo traslúcido que aparece en la película fue creado con fibra de vidrio, durante las grabaciones de prueba usaron huevos de gallina.
Por ello, el póster promocional incluye tomas de las grabaciones de prueba, razón por la cual no aparece el “ovomorph” que se aprecia en la versión final de Alien.
Para recrear el movimiento del embrión en su interior, Scott agitó sus manos con guantes de hule en el interior, el cual estaba cubierto de tripas y vísceras de res; y para la toma en que se abre la parte superior del huevo, se requirió de un sistema hidráulico.
Para crear al “facehugger” y su probóscide, utilizaron tripas de oveja, pescado y mariscos.
Cabe señalarse que esta había sido la primera criatura diseñada por Giger para la película, y pasó por varios diseños antes de elegir el que se asemejaba a los dedos de una mano, y en cuyo desarrollo estuvieron también involucrados O'Bannon y Cobb.
Este último sugirió que la criatura fuese inmune a las heridas de armas de fuego o explosivos, gracias a la presencia de una sustancia ácida en su organismo.
El equipo realizador, recurrió a la misma técnica empleada en la escena de la evacuación del cadáver de Kane, consistente en reducir digitalmente la velocidad de la toma original, para prolongar el desplazamiento del “facehugger” al salir del huevo.
No obstante, a diferencia de aquella, grabaron esta escena de manera inversa:
Para lograr el efecto del desplazamiento se usaron mangueras de alta presión.
El diseño del “chestburster”, estuvo inspirado en la pintura “Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión” (1944) de Francis Bacon, que al igual que el “facehugger”, pasó por varios diseños.
Las anécdotas personales de O'Bannon con la enfermedad de Crohn, ayudaron a definir la escena donde aparece esta criatura.
Y aunque los actores ya estaban enterados de que el alienígena salía del estómago de Hurt antes de grabar dicha escena, no sabían que la producción había colocado bombas de alta presión y petardos para esparcir la sangre y vísceras contenidas en el interior de la marioneta usada en lugar del cuerpo de Hurt.
Para lograr este efecto, Hurt se colocó debajo de la mesa de forma que solo su cabeza y brazos eran visibles en la parte superior, mientras que un marionetista sujetaba con un palo al alienígena durante la grabación.
Al filmar la secuencia, un chorro de sangre salpicó a Cartwright, y provocó que la actriz cayera al suelo y se pusiera histérica.
Como comenta Skerritt:
“Lo que se ve en la película es su verdadera reacción.
Ella no tenía idea de qué es lo que estaba pasando.
Todo sucedió repentinamente”
Para el desplazamiento veloz de la criatura a través del set, se hizo un corte en la mesa, de manera que el marionetista pudiera pasar entremedio el palo que sujetaba a la criatura, y finalmente se usó una manguera de aire para impulsar el títere desde su cola.
La sorpresa y el pánico que sintió el reparto en esta escena, ayudaron a darle un realismo sin precedentes a Alien, y es catalogado como uno de los momentos más icónicos de la cinta.
Aparentemente, esto funcionó tan bien, que Yaphet Kotto se fue a casa en “shock total” después, encerrándose en una habitación y negándose a hablar con su esposa durante varias horas.
La escena del estallido de pecho, fue considerada el 2º momento de película más aterrador de todos los tiempos en “Los 100 momentos de película más terroríficos de Bravo” en 2004.
Durante las exhibiciones de prueba, antes del estreno oficial, algunos espectadores se mostraron inquietos en sus asientos, y se dirigían hacia la parte trasera de la sala, con tal de distanciarse de la pantalla en esta escena.
En 2007, la revista británica Empire la catalogó como “la mejor secuencia de cine para mayores de 18 años”, por encima de otras como la decapitación de uno de los personajes de “The Omen” (1976) o la metamorfosis del protagonista de “An American Werewolf In London” (1981)
Por otro lado, se usó otro títere para simular el tronco y extremidades superiores de Ash, en la escena donde revela que es un androide.
Para la secuencia en la que su cabeza es reactivada y colocada sobre una mesa, se utilizó un modelo animatrónico de la cabeza de Holm, cubierto con una capa de látex.
El fluido blanco que arroja el androide a causa de su mal funcionamiento, se produjo con leche, caviar, pasta y perlas de vidrio.
Estas escenas ocasionaron el desmayo de una asistente a las proyecciones de prueba de la película.
El hábito del extraterrestre de poner huevos en el pecho que luego explota, se inspiró en las avispas arañas, que se dice que ponen sus huevos “en el abdomen de las arañas”
Esta imagen le dio pesadillas a Dan O'Bannon, que usó para crear la historia.
Pero las avispas araña (pompilidae) ponen huevos en su presa, no dentro de ellos, después de lo cual, los gusanos de la avispa simplemente pican sobre las arañas paralizadas por la picadura.
O'Bannon puede haber pensado en avispas icneumónicas o bracónidos…
El ichneumon perfora un solo huevo en una larva de escarabajo que perfora la madera, mientras que los bracónidos inyectan huevos dentro de ciertas orugas.
Eso sí, ambos resultan en escapes fatales más parecidos al Alien de O'Bannon.
Como dato, el alienígena fosilizado, muerto, que se conoce comúnmente como “Space Jockey”, fue un término usado por el equipo de producción, y posteriormente fue adoptado por los fanáticos de la película, aunque el nombre en sí no se usa en ninguna parte de la película, ni en el guión.
De manera similar, los términos “facehugger” y “chestburster” se usaron en toda la producción para referirse al parásito y al alienígena recién nacidos, respectivamente, y se han convertido en términos ampliamente reconocidos, aunque nunca se usaron en la pantalla.
La guarida del nido alienígena, está flanqueada por muros que tienen portales con distintas similitudes “vaginales”
Además, algunos han notado que el “facehugger” parece ser una fusión de órganos sexuales masculinos y femeninos, predominantemente femeninos.
No es casual que las obras de arte del pintor suizo, H.R. Giger, a menudo se interpretan como abiertamente de naturaleza sexual.
Para el “ovomorph”, se hizo un huevo de fibra de vidrio relleno con vísceras y tripas de res que Scott llegó a agitar con guantes; y para crear aquella enorme cantidad de huevos que encontraron dentro de la nave, recurrieron a “material casero”:
Restos de pescado, colorantes, vísceras de animales y huevos.
Un tanto que se marcaron producción, montaje y dirección, porque por un lado aumentaban el realismo de la película al recurrir a elementos que dan repulsión, y por otro lado, ahorraban en efectos especiales.
El “facehugger” fue hecho con tripas de oveja, pescado y marisco, y fue la primera creación de Giger para la película.
El “chestburster” estuvo inspirado en la pintura de Francis Bacon, que representan criaturas que, aunque son bastante fálicas, son más parecidas a las aves, basadas en las furias griegas.
Las dudas de Giger acerca de su primer diseño, se confirmaron cuando Ridley Scott se rio al ver el prototipo de “chestburster”, describiéndolo como “como un pavo desplumado”, y Roger Dicken terminó reajustándolo para asemejarse al diseño clásico.
Finalmente, el “xenomorfo”, conocido como Alien, tiene solo 4 minutos de duración de pantalla, y no hace su primera aparición hasta aproximadamente 1 hora después de iniciada la película; mientras que el “facehugger” solo aparecen en pantalla durante unos 4 minutos.
El director Ridley Scott, redujo intencionalmente la cantidad de tiempo de pantalla del xenomorfo, para hacer que su apariencia limitada sea aún más aterradora.
Se usaron fragmentos de un cráneo humano cubierto con un revestimiento brillante y traslúcido para el rostro y para la piel, respectivamente.
A un cuerpo con plastilina, Giger le agregó vértebras de serpiente y tubos de enfriamiento de un Rolls-Royce, para representarla con una mayor fidelidad a sus dibujos conceptuales.
El diseño de las partes móviles del personaje, fue responsabilidad de Carlo Rambaldi, centrado mayormente en los movimientos de la mandíbula.
Para el movimiento de la lengua a través de su segunda boca, se instalaron cables y bisagras.
En total, la cabeza del alienígena tenía aproximadamente 900 elementos y puntos de flexión diferentes; y el actor Bolaji Badejo, personificó al Xenomorfo vestido con un traje de látex.
Un crítico dijo que tenía una forma fálica inconfundible, y otro la compara con una “chorreante boca vaginal”
No es causal que el aspecto pegajoso se debe a la aplicación del lubricante K-Y Jelly…
Este es otro de los elementos que no constaba en el guión; y resulta que el mecanismo de la cabeza debía ser lubricado constantemente, lo que provocaba que el alien echase baba constantemente.
Este detalle hacía al monstruo todavía más terrorífico, por lo que decidieron mantenerlo así.
A pesar de que muchos fanáticos llaman a la criatura asexual, o se refieren a la criatura como “eso”, el Alien está fuertemente implicado en ser hombre.
De hecho, cuando los fanáticos y el elenco se refieren a la criatura por su género, siempre se refieren a “él”
Sin embargo, el Xenomorfo en esta película es ligeramente diferente de otros de su tipo que aparecen en las secuelas en términos de comportamiento:
A diferencia de los otros Aliens en la franquicia, que matan solo por comida, en reunión de anfitriones o defensa personal, el Alien en esta película es implícito varias veces en la película, la novelización y varios guiones para ser muy sádicos, y disfruta matar por diversión.
Esto se muestra cuando el Alien mata a Parker:
Él espera unos 30 segundos más o menos, mientras aprieta a Parker con tanta fuerza que sangra, antes de matarlo de un disparo en la cabeza.
Mientras que el actor de voz, Percy Edwards, conocido por proveer sonidos de aves en varios documentales británicos de las décadas de 1960 y 1970, y los sonidos de la ballena en “Orca, The Killer Whale” (1977), ayudó a producir los sonidos que emite la criatura.
Finalmente, la mandíbula original de Rambaldi se exhibe en El Instituto Smithsoniano; mientras que el resto del cuerpo fue subastado en abril de 2007.
El actor Bolaji Badejo personificó al xenomorfo vestido con un traje de látex.
Scott explicó que el hecho de que la criatura posea forma humanoide se debe a que una de sus habilidades consiste en adquirir rasgos del organismo que infecta, que en este caso, es el de un ser humano; y para su actuación, Badejo tomó clases de taichí y mimetismo.
En algunas escenas, como la que muestra el descenso de la criatura del techo de la nave, el personaje fue interpretado por los dobles:
Eddie Powell y Roy Scammell; y para esta escena en específico, mantuvieron suspendido a Powell con unos cables, y luego lo bajaron con ayuda de una polea.
Scott prefirió mantener oculta la apariencia íntegra del alienígena en la mayor parte de la cinta, pues su intención era brindar a la audiencia una sensación de terror y suspense.
De esta forma, el público puede proyectar sus propios temores, e imaginar cómo luce el xenomorfo.
Varios críticos elogiaron el diseño de la criatura, y la catalogaron como “uno de los monstruos más representativos en la historia del cine” debido a su aspecto biomecánico y matices sexuales inherentes.
Roger Ebert subrayó:
“La película utiliza un mecanismo engañoso que mantiene fresco el concepto del alienígena durante toda la trama:
Va evolucionando la naturaleza y apariencia de la criatura, de tal forma que nunca conocemos su forma real, o lo que puede hacer... la primera vez que podemos tener un buen vistazo de la criatura, es cuando este sale del pecho del pobre Kane”
Y en algunas escenas, Ridley Scott prefirió que los actores no supieran realmente lo que iba a pasar, sólo que tuviesen una ligera idea…
Curiosamente, el principal actor del filme, Bolaji Badejo, solo trabajó en esa película, porque murió de una grave anemia en Nigeria en 1992.
Hoy, los aliens se modernizaron, porque están hechos con efectos visuales.
Bolaji Badejo lamentó que nadie lo reconociera como el Alien en la película, como lo hizo Boris Karloff o Christopher Lee, actores exitosos que comenzaron sus carreras haciendo de monstruos grotescos.
“El hecho de que hice la parte del Alien, para mí, eso es lo suficientemente bueno.
Legalmente, se me dará la oportunidad de hacer un seguimiento, si lo hay”
Aunque se estaba entrenando para una carrera en diseño gráfico y arte comercial, exclama:
“¡No si aparece una película!”
El final, pues ya todos lo sabemos…
Como dato, el corte original de esta película duraba 3 horas y 12 minutos; y antes de su estreno, se realizaron 2 proyecciones de prueba, con el propósito de analizar la reacción de la audiencia.
Sin embargo, la primera no les permitió obtener conclusiones definitivas debido a fallas en el sistema de sonido de la sala.
Esta se llevó a cabo en San Luis, Missouri, y entre sus asistentes estuvieron algunos ejecutivos de Fox.
Según se informa, la gente gritó de terror y la esposa del presidente de Twentieth Century Fox, Alan Ladd, Jr., se asustó tanto que se negó a abandonar su casa por más de un día.
Varios de los miembros de la tripulación más tarde asistieron a las proyecciones donde las respuestas de la audiencia superaron sus predicciones más salvajes, desde personas que corrían desde sus asientos y solicitaron lugares más alejados de la pantalla, personas que gritaban a los personajes que no hicieran ciertas cosas, que el personal del cine se desmayara y baños lleno de vómitos.
En la segunda, realizada en un cine recién inaugurado en Dallas, Texas, no ocurrió ningún inconveniente técnico, y sí pudieron captar la reacción de pánico que esperaban ver en los asistentes.
Terry Rawlings, uno de los productores de la película, presenció esta función especial y comentó al respecto:
“Fue la presentación más increíble en la que jamás haya estado.
Había gente gritando y corriendo hacia la salida”
Posteriormente, los estudios distribuyeron 2 avances publicitarios para promover Alien:
El primero consistía en una sucesión rápida y alternada de imágenes acompañadas de algunos arreglos musicales que Goldsmith compuso para la película “Logan's Run” (1976)
El otro contenía algunas grabaciones de prueba, que tenían de fondo la música compuesta para la película.
Se usó a su vez el eslogan:
“En el espacio, nadie puede oírte gritar” para fines publicitarios.
Debido a sus elementos de terror, Fox consideró que la mejor estrategia para que la película resultara rentable, era distribuirla con clasificaciones para mayores de edad, dependiendo del baremo aplicable en cada país.
Otros factores que influyeron en esta decisión, fueron su contenido sexual, violencia y material inapropiado para el público infantil.
De hecho, en varios países recibió esta calificación “R”, “X” en Reino Unido y “M” en Australia, pese a que en Reino Unido. la British Board of Film Classification por poco la calificaba como “AA” para mayores de 14 años de edad.
La versión definitiva de Alien, comenzó pues a proyectarse en salas de cine de EEUU, el 25 de mayo de 1979.
Muchas personas acudieron el día del estreno al Grauman's Egyptian Theatre en Hollywood, y se formó una larga fila que se extendió por algunas manzanas.
Afuera del edificio se instaló un set con modelos y accesorios relacionados con la película, y de manera anecdótica, algunos devotos le prendieron fuego a un modelo del Ingeniero, al considerar que se trataba de “una obra satánica”
Ese hecho cimentó el éxito de la película.
En Reino Unido sí hubo un estreno de gala al que acudieron los actores y el equipo de producción, durante El Festival de Cine de Edimburgo, el 1 de septiembre de 1979, evento que fue seguido de una proyección en el Odeon Leicester Square, en Londres, el 6 de septiembre; mientras su estreno en el resto del país ocurrió a partir del 13 de enero de 1980.
De esta manera, el documental The Beast Within: The Making of Alien, incluye imágenes inéditas del rodaje, y entrevistas muy interesantes, llevadas a cabo por el experimentado en estas lides, Charles de Lauzirika, creador de los “making of” definitivos de esta saga, que se realizaron para el lanzamiento en DVD en el año 2003, de la colección “The Alien Quadrilogy”
Este es por razones obvias, el primero de esa serie, al que le siguen:
“Superior Firepower. The making of Aliens”, “The making of Alien3” y “One Beyond Step. The making of Alien Resurrection”
Más tarde realizo “The Furious Gods: Making Prometheus”
Y es que el documental nos dice que para Alien, la prioridad de Rawlings y Scott fue darle un ritmo lento al desarrollo de los sucesos, con tal de proporcionar suspense a los momentos de mayor tensión.
En opinión del primero:
“Pienso que lo que nos funcionó fue que hicimos la trama lo suficientemente lenta, algo completamente distinto a como lo hacen ahora, en las demás cintas del género.
A mi parecer, esa lentitud fue la que nos permitió crear esos momentos en que querías que la gente estuviera aterrada... podíamos ir luego tan rápido como queríamos porque, para entonces ya has acorralado a todos en una esquina y puedes atacarlos.
Creo que fue así como funcionó todo”
Originalmente, como se dijo, la película tenía una duración de 3 horas, pero esta se fue reduciendo hasta 2 conforme se llevó a cabo el montaje.
Una de las principales escenas modificadas durante el montaje, mostraba a Ripley encontrándose con los cuerpos de Dallas y Brett envueltos parcialmente en una especie de capullo fabricado por el extraterrestre.
La intención de O'Bannon con esta escena, era dar a entender que Brett se estaba convirtiendo en un huevo incubador de la criatura, mientras que el cuerpo de Dallas estaba cerca de él, para permitirle al “facehugger” resultante, implantar un nuevo embrión en este último.
Según el diseñador de producción, Michael Seymour:
“Dallas se había vuelto una especie de alimento para la criatura”, en tanto que el productor Ivor Powell percibió que “se encuentra en la nave en forma de huevo, con vida”
Para Scott, la escena mostraba cómo “Dallas y Brett están transformándose, cambiando estructuralmente hasta... ser consumidos por lo que fuera ese organismo alienígena... en un huevo”
Al final, se optó por recortar la escena, ya que consideraron que se veía muy irreal, además de que alteraba el ritmo de la secuencia de escape de la protagonista.
Pero la escena fue incluida en la edición en formato laserdisc, mientras que una versión editada de la misma aparece en la edición “Director's Cut” del formato DVD, lanzado al mercado en 2003.
Además del ritmo, hay muchas escenas lentas, que toman su tiempo, hacen pausas, y permite los silencios, son majestuosas escenas las iniciales, que contienen la musicalización de Jerry Goldsmith con unos parloteos metálicos lejanos y apenas audibles; y se infiere sobre la magnitud del descubrimiento que hace la tripulación, algo que se va comprendiendo paso a paso:
La sintonización de una señal, ¿es de peligro o de auxilio?
El aterrizaje en una zona alienígena.
La inquietud de Brett y Parker, quienes solo están interesados en recibir su sueldo.
El toque maestro de la atmósfera sombría por la que los tripulantes se mueven, tanto que las luces de sus cascos apenas pueden traspasar la densidad de su entorno.
La lóbrega silueta de la nave extraterrestre.
El encuentro con el piloto extraterrestre petrificado en su silla de comando.
El extraordinario descubrimiento que hacen en el interior de la nave... lleno de... huevos membranosos...
No es casual que junto a “Halloween” (1978) y “Friday The 13th” (1980), a Alien se la catalogó como un prototipo para el género de películas “slasher”
La razón por la que es una buena película, y por la que tanto los críticos, que son los que generalmente desaprueban el género, como el público casual quedaron cautivados, es que sintetiza todo aquello que nos aterra en el cine, destinado a múltiples audiencias:
A los fanáticos de las cintas de suspense de corte “hitchcockiano” les gustará por su humor cambiante y su ambiente siniestro.
A los seguidores del cine “gore”, les gustará por el “chestburster”
Los cinéfilos de ciencia ficción la amarán por su sólida decoración futurista y las máquinas sofisticadas.
A los hombres les encantará por el elemento de supervivencia, y a las mujeres por no ser ese personaje inútil que suele estar en apuros…
A su vez, hay un profundo sentido existencialista que hace que se sienta como un filme negro, que está mejor desarrollado que sus continuaciones, cada vez más barrocas, ya que es una película sobre la soledad humana en medio de la amoralidad y sentimiento de vacío que implica la creación.
Es una perspectiva izquierdista cínica de los años 1970, en la que ninguno de los problemas que aquejan a La Tierra durante el siglo XX, como la división de clases, la explotación capitalista, la subyugación de la humanidad ante la tecnología… se han solventado en lo más mínimo por las incursiones humanas en el espacio exterior.
Y es que casi todas las películas de terror desde Alien, se han torcido en cierta manera, aunque la mayoría de sus imitaciones se han enfocado más que nada en sus detalles, en un monstruo mecánico asesino que tiene una apariencia tanto vaginal como fálica; los goteantes y recónditos pasadizos del Nostromo; esas imágenes biomecánicas tan impactantes de Giger, y se perdió lo que podríamos denominar como el “zeitgeist” general de la película.
Porque con Alien, el género de “cuerpos terroríficos” floreció, o dependiendo del punto de vista, decayó en los años 1970, y los diseños de Giger cubrieron todas las formas posibles de ansiedad:
Hombres atravesando puertas semejantes a vulvas, que quedan “embarazados” y que dan a luz a una estrepitosa y viscosa vagina colmilluda que al final los asesina…
¿Cómo piensas que reaccionará el público?
Esto es lo que David Cronenberg llamaría “la nueva chicha”, una separación de los límites entre el hombre y la máquina, la máquina y el alienígena, y el hombre y el alienígena, cuyas irrupciones psicosexuales jamás han sido, gracias a Dios, reproducidas de nuevo, dándole inmortalidad a Alien.
Y es que durante el desarrollo inicial, Dan O'Bannon y Ronald Shusett se encontraron con un impasse de escritura, al tratar de averiguar, cómo se metería el alienígena a bordo de la nave…
A Shussett se le ocurrió la idea del alien violara a uno de ellos, que finalmente se desarrolló en el concepto del “facehugger”
Este método de reproducción a través de la implantación, tenía la intención deliberada de invocar imágenes de violación e impregnación masculinas, por lo que ambos escritores insistieron en que la víctima del agresor del “facehugger” sea un hombre:
En primer lugar, porque querían evitar el cliché de horror de las mujeres como el primer objetivo fácil; en segundo lugar, porque sentían que hacer que una mujer fuera víctima de una violación simbólica, se sentía inapropiada; y en tercer lugar, hacer que los espectadores masculinos se sientan más incómodos con esta inversión de las convenciones de género.
Porque Alien cuenta con varias alusiones a temáticas sexuales que no pasaron desapercibidas para la prensa tras su estreno:
Observaron por ejemplo, que el ataque del “facehugger” contra Kane, es comparable con una violación masculina; la escena del “chestburster” alude a un alumbramiento violento; y la cabeza del alienígena posee una forma fálica.
Tales observaciones fueron corroboradas por O'Bannon, que reveló que la escena del “facehugger” funciona como una metáfora sobre el miedo viril a la penetración.
Concibió “el abuso oral” recibido por Kane como una compensación por aquellas películas de terror en las que las mujeres sexualmente vulnerables son atacadas por monstruos masculinos, también se explicó que el contenido sexual de Alien es evidente y deliberado, pues:
“Una de las cosas que más perturban a las personas, es el sexo.
Así que me dije:
“Así es como voy a irritar al público; los voy a agredir sexualmente.
No voy a ir detrás de las mujeres, voy a inquietar a los hombres.
Voy a poner cada idea que se me ocurra para que todos los hombres se crucen de piernas.
Violación oral homosexual, parto...
La cosa, el alienígena, deposita sus huevos en tu garganta, a todos ellos”, dijo el guionista.
No es casual que hallan más connotaciones sexuales, empezando con ese despertar en cunas, como un despertar de bebés, con naves que simulan ser pechos, etc.
Además, la criatura alienígena es vista como una representación de “la monstruosa-femenina como madre arcaica”
La “madre arcaica” es la madre de la primera infancia, cuya continua influencia se remonta al psicoanálisis, y se considera que su presencia, reprimida, es la base de la película de terror.
Además de ser un apodo fácil de recordar para la computadora de la nave, otra razón para que la tripulación se refiera a ella como “Madre” es el nombre real de la computadora:
“MU-TH-UR”
Esto está impreso en letras rojas en la pequeña puerta de acceso que contiene la tarjeta de computadora que Dallas y Ripley usan para obtener acceso a la sala de la consola de control.
La incubación de Alien, también se ha interpretado como una metáfora del embarazo…
Sin olvidar el método de matar a los miembros de la tripulación, se suman a las imágenes sexuales, como violaciones.
De hecho se afirma que Alien es una película de violación tan parecida a “Straw Dogs” (1971), “I Spit on Your Grave” (1978), o “The Accused” (1988)
En un nivel, se trata de una intrigante amenaza alienígena; en otro nivel, se trata de parasitismo y enfermedad; y en el nivel más importante para los escritores y directores, se trata del sexo y la reproducción por medios no consensuados.
Y se trata de que esto le suceda a un hombre.
Observa cómo la película se basa en el miedo y malentendido de los hombres sobre el embarazo y el parto, mientras que también les da a las mujeres un vistazo de estos temores, sino veamos la reacción de Veronica Cartwright.
El diseño del Alien mismo, con fuertes matices sexuales freudianos, múltiples símbolos fálicos y una figura femenina en general, proporciona una imagen andrógina que se ajusta a los mapeos e imágenes arquetípicos en películas de terror que a menudo dibujan líneas de género; a diferencia de otras cintas del género de ciencia ficción como “E.T.: The Extraterrestrial” (1982), en las que los alienígenas aparecen de una manera amigable y tierna; en esta ocasión, la criatura que da nombre a la cinta, ostenta el rol del antagonista.
Además, por fin una mujer es la que se encarga de hacerle frente a esta amenaza, que no solo la condena a ella sino a toda la raza humana.
El personaje de Ripley, si bien puede considerarse como una heroína de acción, posee sus defectos y teme por su vida... pero está dispuesta a enfrentar al 8° pasajero del Nostromo.
Estamos así ante un enemigo que a su vez resulta una metáfora de la misma cinta:
Oscuro, aterrador, elegante, con un desarrollo lento pero que al llegar a su etapa madura, a su clímax, es un organismo único, un organismo perfecto.
Asimismo, una de las cuestiones que los críticos notaron fue el hecho de que el subtítulo en español de la película resultó impreciso, puesto que para algunos críticos, el monstruo en realidad refería a un 9° pasajero, si se llega a tomar en cuenta la presencia del gato Jones de la nave...
Diversos académicos, también han efectuado estudios de carácter filosófico de acuerdo a los elementos que posee Alien y sus continuaciones.
Este tipo de estudios parten del concepto autómata que planteó Isaac Asimov en sus “Tres Leyes de La Robótica”, que permiten a un ser artificial convertirse en una máquina sensible y potencialmente consciente de sí mismo.
La aparición de otros personajes parecidos al de Ash en las demás secuelas, ha sido objeto de observación por parte de los académicos sobre la relación que los humanos tendrían con estos seres, los cuales tienden a ser denominados como “los otros”, ya que Ripley tiende a tratarlos con cierto recelo y desconfianza, una forma de “racismo tecnológico que puede evolucionar en una segregación racial robótica”
Esta idea relacionada con la “tecnofobia” puede provenir de la escena en la que Ripley es acosada sexualmente por un ente sin deseos pulsantes, además de la tarea que la computadora le encomienda a Ash respecto al ser alienígena.
El filme añadía un elemento misterioso, otra raza alienígena, la estructura del filme, además recupera el formato clásico de la novela de Agatha Christie, en la que se va eliminando a un personaje tras otro; alusión que tal vez es lo que me hace preferir el título en español que eligieron para su estreno.
Jalando esa hebra, desde 2012, cuando se estrenó “Prometheus”, Scott ha buscado enmarcar el relato de sus alienígenas en tropos más ambiciosos de la ciencia ficción, incluyendo narrativas de impulso utópico, como la colonización planetaria, el extraterrestre como “Dios-dador-de-vida”, pero sin dejar de ser pesimista, los dadores de vida, al que pertenecía ese otro alienígena misterioso, parecen tener una sociedad fascista y militar; el xenomorfo, se nos ha revelado, no es otra cosa que un arma biológica, un patógeno fuera de control, etc.
¿No es cierto que las películas de Scott sobre el xenomorfo, también nos dicen algo sobre la relación entre el género y las estructuras sociales?
Absolutamente.
En la sociedad que conocemos, los vínculos afectivos o sexuales van de la mano de otras estructuras, como la herencia, la prole, e incluso la tradición matrimonial y otras legislaciones civiles.
En el mundo que propone el universo llevado al cine por Scott, no es así.
Quiero decir, sí, ahí están los humanos con sus encuentros sexuales y afectivos, las normas de género que conocemos, pero también hay androides, como una siniestra forma en que el hombre impotente se replica a sí mismo; más importante aún, una vida que sencillamente se abre paso, inseminando incluso a mujeres estériles, como ocurre en “Prometheus”
Ese filme representó un proceso de aborto necesario para sobrevivir a una vida extraterrestre no deseada, casi tan impactante como otra idea radical, el varón humano inseminado, en el universo de Alien, el resultado o nacimiento siempre es violento y letal, como recordamos todos los que vimos la famosa escena con John Hurt.
Y aquí está la nota pesimista, por “lovecraftiana”:
A pesar de las cosas que conocemos, como las limitadas instituciones afectivas de nuestro planeta y tiempo, parece que podríamos encontrar cosas peores en el universo, y que apenas podemos imaginar.
Así lo dijo Stephen Hawkings; o tal vez, y hay que insistir hoy, que celebramos a nuestras “madres”, nos hemos topado con una de esas catástrofes-muro con las que choca continuamente nuestra imaginación.
En todo caso, ante la popularidad de “franquicias” irreflexivamente pro-familia como la saga “Fast & Furious”, es agradable ver cómo siguen vigentes narrativas anticonceptivas como Alien.
Continuando con el documental, este se estrenó en 2003, cuando Fox lanzó la caja recopilatoria de discos DVD “The Alien Quadrilogy”, que incluiría las 4 cintas de la serie Alien.
Adicionalmente, contendría versiones alternativas de cada una de las películas a manera de “ediciones especiales” y “versiones del director”
“La definición tradicional del término “Versión del Director”, supone la restauración de la versión original que se estrenó, libre de contener cualquier tipo de idea no incluida en su edición original.
También significa que el director puede ignorar por fin todas las intromisiones que los ejecutivos del estudio habían tenido con la cinta, y esta ha sido reestructurada a su forma primigenia.
Pero no es el caso que pasa con “Alien: Versión del Director”
Esta es una bestia totalmente dispar”, dijo Ridley Scott sobre la reedición de Alien.
Y es que Fox le sugirió a Scott que remasterizara y restaurara ciertas tomas que habían sido cortadas de la versión final de Alien, para el estreno de una versión extendida de la cinta.
Después de ver la edición terminada, este pensó que era demasiado larga y decidió que era mejor recortarla a una versión más breve:
“Decidí acortar esa versión tan larga en una edición más dinámica y pulida del filme original.
Para fines comerciales, esta edición es la que se conoce como “Versión del Director”
Esta versión contenía 4 minutos extras de tomas eliminadas, pero para adaptarlas a la cinta original, se tuvieron que recortar otros 5 minutos, lo que hacía que la película durara 1 minuto menos que la versión original.
Muchos cambios resultaron ser menores, como algunas modificaciones en los efectos de sonido, mientras que algunas escenas inéditas, como aquella en la que Ripley se encuentra con los capullos de Dallas y Brett mientras escapa del Nostromo, se arreglaron digitalmente.
Fox decidió estrenarla en cines, y debutó el 31 de octubre de 2003.
Una escena originalmente cortada, pero reinsertada para “Director's Cut”, muestra a Lambert abofeteando a Ripley, en represalia por la negativa de Ripley a dejar que ella, Dallas y Kane regresen a la nave.
Según Ridley Scott y Veronica Cartwright, cada vez que iba a abofetear a Sigourney Weaver, ella se alejaba.
Después de 3 o 4 tomas de esto, Scott finalmente le dijo a Cartwright:
“No se contenga.
Realmente le vas a pegar”
Por tanto, las reacciones realmente fueron impactantes para Weaver, Yaphet Kotto y Harry Dean Stanton.
También se guionizó una escena de sexo entre Dallas y Ripley, para mostrar cuán casualmente la tripulación resolvería largos períodos de abstinencia.
Otra referencia a esto, fue una escena eliminada donde Ripley le pregunta a Lambert, si alguna vez tuvo sexo con Ash…
Tom Skerritt dijo más tarde, que discutió la necesidad de la escena con el director Ridley Scott, pensando que no añadió nada a la narrativa, y que solo interrumpió el flujo de la película.
Scott estuvo de acuerdo, y la escena de sexo finalmente no fue filmada, pero revivió la idea de que los miembros de la tripulación tuvieran sexo casual para “Prometheus” (2012)
Alien también no está exenta de errores de hecho:
Alrededor de los 3 minutos de metraje, se muestra un juguete de ave “dippy” en movimiento en la escena inicial.
Las aves “dippy” requieren de agua para trabajar.
Como la tripulación está en hibernación y ha estado durante algún tiempo, el agua en el vaso frente al ave “dippy” se habría evaporado hace mucho, por lo que el juguete estaría inmóvil, no sumergiéndose… eso da pistas de que Ash se levantaba para boicotear el trayecto de la nave.
Varias tomas al principio de la película, donde el equipo está en sus estaciones, las imágenes del monitor se proyectan en sus caras.
Esto es imposible, porque tendrían que mirar proyectores en lugar de monitores, por lo que este efecto simplemente no tiene sentido.
Sin embargo, esta es una elección estilística hecha por los cineastas para ilustrar una pantalla de visualización de computadora futurista, y por tanto, no es un error; un efecto similar se empleó en la película “2001: A Space Odyssey” (1968)
La cola del alienígena, casi al final, serpentea entre los pies de Lambert, pero no son sus pies los que se muestran.
Lambert lleva botas de vaquero; los pies mostrados llevaban “joggers”
Esos pies y las piernas eran de Harry Dean Stanton.
Hubo especulación en línea de los fanáticos, que durante la escena de la muerte de Lambert, el Alien asaltó sexualmente a Lambert antes de matarla, ya que ella ya no está usando pantalones cuando Ripley descubre su cuerpo…
A pesar de las temperaturas húmedas de la nave durante la secuencia de detonación, y el hecho de que se ve a Ripley cubierta de sudor, incluidas las uñas, cuando se desnuda en la lanzadera de escape, no hay transpiración en ninguna parte de ella debajo de la ropa, ni siquiera las axilas...
Como dato, Saul Bass, el famoso artista gráfico, diseñó la apertura de los títulos jeroglíficos, pero no fue acreditado.
El número de identificación de Nostromo, es 180924609; y es la primera película con clasificación “R” que tiene una serie de juguetes para niños.
El 25 de enero de 2017, Sir John Hurt se convirtió en el primer miembro del reparto principal de esta película en morir, tal como lo hizo su personaje Kane en la película.
El 15 de septiembre de 2017, Harry Dean Stanton se convirtió en el 2º miembro del reparto en morir, al igual que su personaje, Brett es el 2º personaje de la película en morir.
Como en “Psycho” (1960) de Alfred Hitchcock, en la primera mitad de las primeras 4 películas Alien, se presentan 1 o 2 personajes, y se construyen de manera que el público piense que van a ser personajes importantes a lo largo de la historia, solo para que los maten a menos de la mitad… y en esta película, es Dallas.
El conteo de cadáveres del filme es de 9 cuerpos, incluido el “Space Jockey”, el “facehugger” y el Alien.
Por último, hablemos de la banda sonora:
Jerry Goldsmith compuso la banda sonora, que a su vez fue dirigida por Lionel Newman e interpretada por la National Philharmonic Orchestra.
Aunque la primera opción de Scott era el compositor Isao Tomita, Fox quería a alguien cuyo nombre fuera más reconocible.
Fue Alan Ladd, Jr., el entonces Presidente de Fox, quien propuso a Goldsmith.
Para las escenas introductorias, Goldsmith eligió tonos que brindaran una sensación romántica y misteriosa, con tal de generar el ambiente de terror y suspense que se buscaba a lo largo de toda la cinta.
Pronto surgieron algunas tensiones respecto a su labor; Scott tenía opiniones adversas sobre el tema principal, mientras que el editor Terry Rawlings prefirió utilizar algunas melodías anteriores del mismo compositor, incluida una de “Freud: The Secret Passion” (1962) y un fragmento de La Sinfonía Nº 2 “Romántica” de Howard Hanson para los créditos finales.
Debido a que Scott y Rawlings estaban ya lo suficientemente familiarizados con los temas, decidieron editar luego el material original de Goldsmith por su cuenta, y grabar nuevamente varias de las secuencias, pese a que parte de la revisión original de ambos se mantuvo en la versión final de la película.
Al respecto, Goldsmith comentó:
“Pueden apreciar que yo estaba yendo a los extremos opuestos del polo con los realizadores de la cinta”
Pese a su involucramiento y el de Rawlings en la banda sonora, Scott elogió el trabajo de Goldsmith, al cual describió como “lleno de una lúgubre belleza y seriamente intidimidante, pero hermoso”
Para muchos, esta fue su mejor partitura:
A veces majestuosa, a veces aterradora.
Para entonces, Goldsmith acababa de ganar un Premio Oscar por la banda sonora de “The Omen”, y estaba escribiendo una partitura tras otra.
En 1977, hizo 8 partituras solo; y tras “STAR WARS”, las partituras épicas volvieron a estar de moda; por lo que Goldsmith pudo escribir “Star Trek: The Motion Picture”
Con todo, Alien sigue teniendo una de las mejores partituras de terror y de ciencia ficción jamás realizada; por lo que Goldsmith dividió el marcador en 2 estilos:
El tema de la nave espacial Nostromo y su tripulación condenada, es un tema romántico de trompeta y orquesta, “Título principal” que es seguido por un misterioso motivo de eco de 2 notas.
Sugiere tanto la maravilla primigenia de la gran incógnita como el temor persistente que la sigue.
Esto se desarrolla maravillosamente en la siguiente pista, “Hyper Sleep”, donde la tripulación se despierta lentamente.
A medida que se abren los pedales de las cápsulas para dormir, la orquesta se construye en un crescendo, y luego la trompeta solista.
Es un momento de gran música de cine de lo que Stravinsky se habría sentido orgulloso.
Una pista más tarde, “The Landing”, utiliza los motivos alternativos de forma más agresiva, lo que le da al aterrizaje estándar aparente de la nave un matiz peligroso.
Una vez que llegan al planeta, surge el otro estilo de la partitura.
“The Terrain” y “The Craft” usan repeticiones de tonos enteros que hacen eco, repetidas por tambores de acero y marimbas.
Sugiere un lugar muerto y misterioso desde hace mucho tiempo…
El tono se intensifica con las siguientes pistas:
“The Passage” y “The Skeleton” tienen el mismo efecto de eco, usando una caracola india “ecoplexed” y repeticiones de tonos completos.
Con cuerdas agudas que se contrapesan con un solo de flauta, la tensión aumenta a un nivel insoportable.
No suelo ir pista por pista así, pero lo que Goldsmith hizo en esta sección, fue reinventar la orquestación de películas de terror.
Muchos de los elementos utilizados aquí, se habían hecho por separado antes, pero nunca juntos en este nivel de dominio.
La mayoría de las partituras de horror, tienden a funcionar a un nivel simple de “esto te hace sentir incómodo” o “te asusta”
El genio compositivo de Goldsmith, es que puede sugerir otros niveles al mismo tiempo.
No puedo decirlo mejor que el director Ridley Scott, quien comentó que “da un sentido de escala, arquitectura y civilización, aunque no como lo conocemos”
Goldsmith sabía muy bien que, para sugerir algo “extraño”, tenía que crear sonidos desconocidos y amenazantes.
Goldsmith siempre fue un fanático de la experimentación con instrumentos étnicos; y aquí usaría el caracol indio, junto con un “didgeridoo snake” junto con sonidos raros de cuerdas de pianos golpeados y otros ruidos aleatorios, sutiles picaduras de sintetizador y efectos “ecoplex”, presentado por primera vez en “Here Kitty”, el tema Alien nos da una criatura feroz aparentemente como un gran insecto y un reptil al mismo tiempo.
En “Parker's Death” y “Sleeping Alien” el “didgeridoo” vibra como una serpiente de cascabel enrollada, lista para atacar.
La llamada del cuerno suena el grito de algún animal extraño.
Instintivamente nos tensamos con estos sonidos, y las cuerdas de conducción nos mantienen en movimiento.
Pero una gran partitura es aquella que hace que cada pista sea ganadora, y Goldsmith nos da todas las variaciones de la creación de suspenso sin una nota falsa.
Hay señales ambientales cambiantes como “The Lab” y “The Eggs”
Hay señales de suspenso de construcción lenta como “The Shaft” y “Hanging On”
Hay señales de acción de alta energía como “It's A Droid” y “Out The Door”
Incluso hace señales abstractas disonantes en “A New Face” y “The Eggs”
Desde las sesiones originales, esta fue una gran partitura.
Y con la restauración, la música suena mejor que nunca, y para hacer que esta fantástica versión sea aún mejor, contiene las grabaciones de la sesión original y las versiones alternativas recuperadas.
Para cualquiera que conozca la historia de esta partitura, esta es una gran cosa.
Porque la escritura de Alien, es uno de los grandes conflictos de compositores y directores en la música de cine.
Goldsmith, comprensiblemente no estaba muy contento con ser reeditado e, irónicamente, no sería la única vez.
Cuando trabajó con Scott de nuevo en “Legend” (1986), Scott reemplazaría la puntuación completa de Goldsmith con una escrita por Tangerine Dream para el lanzamiento en Estados Unidos.
Aunque, para ser justos, no por elección.
Personalmente, me gustan muchos de los cambios que Scott hizo.
Los títulos iniciales nos dicen claramente en qué nos estamos metiendo, y las otras pistas reescritas son solo sutilmente diferentes.
Creo que las claves de “Freud” se sienten fuera de lugar, más en su calidad de grabación que en el tono.
Al mismo tiempo, incluso admito que la partitura original de Goldsmith es igual de buena.
De cualquier manera, obtienes todo, excepto La Sinfonía de Hanson y las canciones de “Freud”, que merece su propia reedición de la banda sonora.
Si eso no fuera suficiente, también se incluye el lanzamiento original del álbum de 1979, y 8 minutos de extractos de demostración, con versiones separadas de la única instrumentación de Alien.
Como dato, fue idea de Sigourney Weaver cantar “You Are My Lucky Star” mientras se preparaba para deshacerse del Xenomorfo...
Ridley Scott menciona la cantidad de críticas que recibió del estudio debido a lo caros que eran los derechos de la canción...
Tras el estreno de Alien, el material audiófono resultó nominado al Globo de Oro como mejor banda sonora; al Grammy y al BAFTA.
Desde entonces, se han distribuido varias versiones de la banda sonora que contienen distintas canciones y secuencias; todo ello lo hace un álbum completo de una partitura clásica.
“Sometimes the scariest things come from within”
Seguro que alguna vez han utilizado la expresión:
“Llevo un alien dentro”
Independientemente de que hayan visto o no, Alien trata sobre  una cría que sale del interior de un cuerpo humano.
Esto es tan sólo una muestra de hasta qué punto una película puede marcar un antes y un después, ya sea dentro del ámbito histórico, cultural, social o cinematográfico; porque Alien consiguió un impacto profundo y duradero en los géneros de ciencia ficción y de terror dentro de la industria cinematográfica muy difícil de reconocimiento serio; y ante el éxito conseguido, varios cineastas imitaron o adaptaron algunos de sus elementos, e inclusive eligieron el mismo título para sus producciones.
Una de las primeras fue “The Alien Dead” (1979), nombrada así de último momento para conseguir cierto beneficio financiero a costa de la popularidad del filme de Scott.
Por otro lado, en 2008, el American Film Institute colocó a Alien en la 7ª posición dentro de la categoría de “Las Mejores Películas de Ciencia Ficción”, como parte de su listado “AFI's 10 Top 10”, en un programa especial de televisión de la CBS en la que se enumeran 10 categorías distintas sobre las mejores películas clásicas del cine estadounidense.
La lista se basó en un sondeo hecho a más de 1.500 artistas de cine, críticos e historiadores, en las que Alien superó a “Terminator 2: Judgment Day” (1991), aunque estuvo por debajo de “Blade Runner” (1982), también dirigida por Scott.
Ese mismo año, la revista británica “Empire”, la colocó en la 33ª posición de su lista sobre “Las 500 Mejores Películas de La Historia”, la cual está basada en una encuesta realizada a 10.200 lectores, críticos y miembros de la industria cinematográfica.
El sitio web, Internet Movie Database (IMDb) la colocó en su lista de “1000 películas que debes ver antes de morir”, en la 23ª posición; y en otra lista de la misma página web, Alien aparece en la lista de “100 películas sorprendentes” en la 46ª posición.
El éxito de Alien, influyó en la producción de otras películas del mismo género y videojuegos; y dio lugar a una franquicia que incluye novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como 3 secuelas:
“Aliens”, “Alien³” y “Alien Resurrection”; 2 “crossovers”:
“Alien vs. Predator” y “Aliens vs. Predator: Requiem”; y 2 cintas relacionadas con la trama original:
“Prometheus” y “Alien: Covenant”
Fue por el éxito de Alien que llevó a Fox a financiar 3 continuaciones en los siguientes 18 años, cada una escrita por diferentes guionistas y con diferentes cineastas al frente; siendo Sigourney Weaver la única actriz del reparto original en participar en todas las películas, y los encuentros de su personaje con los extraterrestres se volvieron el eje principal de la serie.
En “Aliens” (1986), dirigida por James Cameron, se centra más en la acción, y narra cómo Ripley regresa al planetoide acompañada de un grupo de marines para enfrentarse a legiones de estas criaturas con las que anteriormente tuvo que lidiar.
En “Alien³” (1992), bajo la dirección de David Fincher, presenta una temática nihilista, y detalla cómo Ripley se enfrenta a la raza del monstruo mientras se encuentra varada en un planeta.
En un intento por salvar a sus compañeros, se sacrifica con el fin de evitar que la criaturas se reproduzcan.
Finalmente, en la cinta de Jean-Pierre Jeunet, “Alien: Resurrection” (1997), Ripley resucita en el futuro mediante clonación con el fin de ayudar a combatir a los xenomorfos.
Surgió también una franquicia de medios que incluye varias novelas, historietas, videojuegos, juguetes y otros productos.
Algunos de estos artículos, comenzaron a comercializarse bajo la marca “Alien vs. Predator”, un “crossover” donde los xenomorfos se enfrentan al personaje titular de la serie de películas iniciada por “Predator” (1987)
A continuación, se produjeron otras cintas basadas en este concepto:
“Alien vs. Predator” (2004) dirigida por Paul W.S. Anderson, y “Aliens vs. Depredador: Requiem” (2007), de Colin y Greg Strause.
Ripley no aparece en ninguna de estas, ya que están ambientadas en una época anterior a la de Alien.
“Creo que sería genial volver atrás, a los hechos que anteceden a Alien, porque siempre me he planteado esa pregunta muchas veces:
¿De dónde vino el alienígena?
La gente realmente quiere saberlo de una manera muy concreta”, dijo Sigourney Weaver; y ese interés en una precuela, se dio a conocer públicamente en 2003, cuando Scott supuso que las siguientes películas debían explorar los orígenes del Ingeniero y sus alienígenas,  una idea apoyada por los productores Giler, Hill y Gordon Carroll.
Así que 6 años después, Fox contrató a Jon Spaihts para redactar el guión de la precuela, bajo la dirección de Scott.
Scott y Damon Lindelof reescribieron dicho libreto, y finalmente la película entró en fase de producción a mediados de 2011, bajo el título “Prometheus” (2012)
Su trama ocurre 30 años antes de que Nostromo aterrice en el planetoide; siendo esta película seguida por “Alien: Covenant” (2017)
Los hallazgos de un proyecto de investigación de audiencia internacional realizado por personal de la Universidad de Aberystwyth , la Universidad de Northumbria y la Universidad de East Anglia fueron publicados en 2016 por Palgrave Macmillan como “Alien Audiences: Remembering and Evaluating a Classic Movie” donde 1.125 personas fueron encuestadas sobre sus recuerdos y opiniones de la película para probar algunas de las teorías ofrecidas por académicos y críticos sobre, por qué la película se hizo tan popular, y por qué ha perdurado durante tanto tiempo como una obra maestra...
El estudio reveló que los recuerdos de Alien en el cine y en el video casero desde el punto de vista de las audiencias cotidianas, describieron que muchos comparten la película con sus hijos, y el impacto de la escena del pecho, entre otras, ha perdurado como “algo difícil de superar”

“Final report of the commercial starship Nostromo.
Third Officer reporting.
The other members of the crew:
Kane, Lambert, Parker, Brett, Ash and Captain Dallas are dead.
Cargo and ship destroyed.
I should reach the frontier in about six weeks.
With a little luck, the network will pick me up.
This is Ripley, last survivor of the Nostromo, signing off”