Scarface: The Shame Of The Nation

“This picture is an indictment of gang rule in America and of the callous indifference of the government to this constantly increasing menace to our safety and our liberty.
Every incident in this picture is the reproduction of an actual occurence, and the purpose of this picture is to demand of the government:
“What are you going to do about it?”
The government is your government.
What are YOU going to do about it?”

Si bien los orígenes de la mafia en EEUU se remontan en New Orleans, al final de La Guerra de Secesión, esta alcanzó su auge en las primeras décadas del siglo XX, sobre todo en torno a la prohibición del consumo de bebidas alcohólicas, conocida como “Ley Seca” que entró en vigor en 1920, proporcionando el caldo de cultivo ideal para el desarrollo del crimen organizado.
Así, en las grandes ciudades, los gánsteres, delincuentes profesionales para quienes el crimen era una forma de vida, se convirtieron en personajes a la vez admirados y temidos por el público; y su rápida ascensión social, se asemejaba a una grotesca parodia del “Sueño Americano”; por lo que la industria del cine no tardó en aprovechar ese nuevo filón.
Una película de gánsteres es una película que pertenece a un género que se centra en las pandillas y el crimen organizado; siendo un subgénero de la película de crimen, que puede involucrar a grandes organizaciones criminales o pequeñas pandillas formadas para realizar un determinado acto ilegal.
El género se diferencia del western y las pandillas de ese género; por lo que el American Film Institute lo define como “centrado en el crimen organizado o los delincuentes rebeldes en un entorno del siglo XX”; y aunque el tema del gánster estaba ya presente en filmes anteriores a La Primera Guerra Mundial, en la época del cine mudo destacan sobre todo 2 películas:
“Underworld” (1927) de Josef von Sternberg y “The Racket” (1928) de Lewis Milestone; y pueden considerarse precursoras las películas que Fritz Lang rodó en Alemania sobre el personaje del Doctor Mabuse:
“Dr. Mabuse der Spieler” (1922) y “Das Testament des Dr. Mabuse” (1933)
La Época Dorada del Cine de Gánsteres llegó un poco después, entre 1929 y 1934, y se calcula que unas 250 películas abordaron el tema; y entre 1931 y 1932 se produjeron 3 de las películas de gánsteres más duraderas de la historia:
“Scarface”, “Little Caesar” y “The Public Enemy” que siguen siendo los mejores ejemplos del género.
Sin embargo, a partir de mediados de la década de 1930, El Código Hays y sus requisitos para que todas las acciones criminales sean castigadas y todas las figuras de autoridad sean tratadas con respeto, hicieron que las películas de gánsteres fueran escasas durante las próximas 3 décadas.
Así, la política combinada con el clima social y económico de la época para influir en cómo se hicieron las películas de crimen, y cómo se retrataron los personajes; muchas implicaron que los delincuentes eran la creación de la sociedad, más que un rebelde, y considerando el tiempo problemático y sombrío de la década de 1930, ese argumento tuvo un peso significativo.
A menudo, las mejores películas de gánsteres son aquellas que han estado estrechamente vinculadas a la realidad del crimen, lo que refleja el interés público en un aspecto particular de la actividad criminal; así, la película es en cierto sentido, una historia del crimen en los Estados Unidos.
Recordar que la institución de La Prohibición en 1920, condujo a una explosión del crimen y la representación del contrabando era un hecho frecuente en muchas películas de la mafia.
Sin embargo, a medida que avanzaba la década de 1930, Hollywood también experimentó con las historias de los delincuentes rurales y los ladrones de bancos, como John Dillinger, Baby Face Nelson y Pretty Boy Floyd; y el éxito de estos personajes en el cine, puede atribuirse a su valor como temas de noticias, ya que sus hazañas a menudo emocionaron a la gente de una nación que se había cansado del gobierno ineficiente y la apatía en los negocios.
También, a medida que El FBI aumentó su poder, hubo un cambio para favorecer las historias de los agentes del FBI que cazaban a los criminales en lugar de centrarse en los personajes criminales.
De hecho, en 1935, en el apogeo de la búsqueda de Dillinger, la oficina del Código de Producción emitió una orden para que no se hiciera ninguna película sobre Dillinger, por temor de glamurizarlo.
De esa manera, muchas de las películas de crimen de la década de 1930 abordaron conflictos de clase y étnicos, en particular las primeras películas, lo que refleja dudas sobre qué tan bien funcionaba el sistema estadounidense.
Como se dijo, muchas películas transmitieron el mensaje de que los delincuentes eran el resultado de una sociedad moral y económica pobre, y muchos son retratados como de origen extranjero o provenientes de la clase baja.
Por tanto, el criminal de la película a menudo es capaz de evocar simpatía y admiración del espectador, quien a menudo atribuye la culpa, no a los hombros del criminal, sino a una sociedad cruel en la que el éxito es difícil.
Y cuando la década llegó a su fin, las películas de crimen se volvieron más figurativas, representando metáforas a diferencia de las películas más directas producidas a principios de la década, que muestran un creciente interés en ofrecer un mensaje que provoque reflexiones sobre el carácter criminal.
Finalmente, tras La Segunda Guerra Mundial, el cine de gánsteres decae, y es sustituido en el aprecio del público por el cine negro, con el que no debe confundirse aunque existan entre ellos numerosas similitudes.
No obstante, el género fue revitalizado en el movimiento “New Hollywood” con películas como:
“Bonnie and Clyde” (1967) de Arthur Penn, “The Godfather” (1972) de Francis Ford Coppola y “Scarface” (1983) en una nueva versión del original 1932  dirigido por Brian De Palma; y “Goodfellas” (1990) de Martin Scorsese.
Como dato, todas las películas del género comparten una serie de características que resultarán en lo sucesivo definitorias del cine de gánsteres:
1. El protagonista es un inmigrante que sueña con superar su pobreza y alcanzar el éxito; se introduce en una organización criminal y sus “virtudes” le van aupando hasta los puestos más altos.
En ese momento, comienzan los anuncios de decadencia con la muerte de algún allegado, a veces por propia mano; el rechazo o la traición de la mujer amada; el conflicto con la familia, etc.
Y poco después llega la caída propiamente dicha, que suele ser bastante apocalíptica; donde el protagonista debe morir indefectiblemente, y ninguno de estos gánsteres clásicos termina su carrera entre rejas.
Su muerte, acribillado por la policía o asesinado por una banda rival, es el punto álgido de la película, su merecido castigo pero también consagración definitiva del héroe.
2. Existe una serie de roles bien definidos que se repiten con leves variaciones en todas las películas del género, como el amigo del protagonista que muere trágicamente, uno de los tributos que el protagonista debe pagar por su rápida ascensión; la “Femme Fatale”; la madre que encarna los valores tradicionales, etc.
3. El espacio es característicamente urbano, con una serie de decorados que se repiten como clichés, como las salas de fiestas, o bares clandestinos, etc.
“THE WORLD IS YOURS”
Scarface: The Shame Of The Nation es una película de acción criminal del año 1932, dirigida por Howard Hawks.
Protagonizada por Paul Muni, Ann Dvorak, Karen Morley, Osgood Perkins, C. Henry Gordon, George Raft, Vince Barnett, Boris Karloff, Purnell Pratt, Tully Marshall, Inez Palange, Edwin Maxwell, Dennis O'Keefe, entre otros.
El guión es de Ben Hecht, basado en la novela homónima de 1929 escrita por Armitage Trail que retrata la vida de Al Capone y sigue su violento ascenso a través del mundo de las pandillas de Chicago.
Maurice R. Coons, conocido por el seudónimo Armitage Trail, fue un autor estadounidense de “pulp fiction” que pasó gran parte del resto de su tiempo en Chicago, supuestamente asociado con las pandillas locales de Sicilia por un abogado italoamericano con el que estaba familiarizado; y a partir de entonces, Trail pasó sus noches socializando para obtener ideas para su novela “Scarface”
Como dato, aunque Trail nunca conoció formalmente a Al Capone, a quien su novela se refería principalmente, Capone pudo haber sabido del trabajo…
Sin embargo, Trail de 28 años, nunca vivió para ver la película Scarface terminada, ya que durante octubre de 1930, murió de insuficiencia cardíaca en El Teatro Paramount.
La película Scarface, es considerada como una de las películas de gánsteres más importantes, pues ha tenido una gran influencia en el género; no obstante quedó algo eclipsada para las generaciones cinéfilas más recientes por la versión del cineasta italoamericano Brian De Palma.
Se cuenta que después de que Howard Hughes compró los derechos de la novela de Trail por $25,000; él seleccionó rápidamente a Howard Hawks y Ben Hecht para dirigir y escribir la película; y a partir de enero de 1931, Hecht escribió el guión durante un período de 11 días.
Como dato, Scarface fue producida antes de la introducción de La Administración del Código de Producción en 1934, que aplicaba regulaciones sobre el contenido de las películas; sin embargo, El Código Hays, un precursor más indulgente, pidió alteraciones importantes, incluyendo un prólogo que condenara a los gánsteres, un final alternativo para reprender al villano y el título alternativo:
“The Shame Of The Nation” o “La Vergüenza de Una Nación”
Y es que los censores creían que la película glorificaba la violencia y el crimen; por lo que estos cambios retrasaron la película por 1 año, aunque algunas proyecciones conservaron el final original.
De hecho, los censores prohibieron la película en varias ciudades y estados, lo que obligó a Hughes a retirarla de la circulación, y almacenarla en su bóveda.
Fue después de luchar con las oficinas de censura que la película se estrenó, detrás de “The Public Enemy” y “Little Caesar” que habían sido filmadas al mismo tiempo.
Así, Scarface: The Shame Of The Nation se estrenó en los cines el 9 de abril de 1932; Hughes planeó un gran estreno en New York, pero las juntas de censura rechazaron la proyección de la película; a las que siguieron:
Ohio, Virginia, Maryland, Kansas, Detroit, Seattle, Portland y Chicago.
Por lo que Hughes amenazó con demandar a las juntas de censura por evitar el lanzamiento de su película con la aprobación del New York Herald Tribune; y a petición de Will Hays, se convenció a las estrictas juntas de censura para permitir el lanzamiento, porque La Oficina de Hays reconoció y agradeció los cambios que Hughes le hizo, aceptando solo la versión cortada y censurada.
Y aunque Scarface: The Shame Of The Nation fue lanzado por United Artists, la película fue filmada en Warner Bros. Studio en Burbank, California.
El filme arranca con unos títulos de crédito sobre una equis, representando la cicatriz característica de Antonio “Tony” Camonte (Paul Muni)
Tras ello, unos breves intertítulos denuncian los problemas con la mafia, y la discreta respuesta de las autoridades estadounidenses, ligándolo a su vez con la responsabilidad personal e individual de los conciudadanos que, bien fuera por miedo o por otros intereses, obviaban dichos aprietos con los gánsteres.
La trama se centra en la guerra de pandillas, y la intervención policial cuando las pandillas rivales luchan por el control de Chicago.
Allí, Tony Camonte, un pistolero italiano, ignorante y sin escrúpulos, es el lugarteniente de John “Johnny” Lovo (Osgood Perkins), el hampón más poderoso del South End de Chicago.
Ambicioso y cruel, Camonte, que por una cicatriz que le cruza el rostro recibe el apelativo de “Scarface” o “Cara Cortada”, elimina poco a poco a los rivales de Lovo hasta que, con la ayuda de su amigo Guino Rinaldo (George Raft), le arrebata también el poder, y se convierte en el amo de la ciudad.
Tras 1 mes de vacaciones en Florida, Tony descubre que su hermana Francesca “Cesca” (Ann Dvorak), por la que siente un amor confuso y arrebatado, es la amante de Guino; y Tony lo mata, justo antes de que su hermana pueda decirle que ya se habían casado; y después de esto, la policía busca a Tony por el asesinato de Guino Rinaldo; a lo que Camonte se atrinchera en su apartamento junto con su hermana.
Pero los policías entran, disparan a Camonte en la puerta de su habitación, pero este les cierra, lo que provoca que su intento no tenga éxito.
Luego, Tony dispara con una ametralladora, mientras que su hermana está recargando cartuchos de escopeta; y después de que su hermana sea alcanzada por una bala, Tony le dice que no lo deje solo, y que lo ayude, pero después de su intento porque su hermana este con él, Cesca muere.
Justo en ese instante, lanzan una bomba lacrimógena, lo que provoca que Camonte trate de salir de su mansión, por no poder ver claro y al estar débil, no entiende que los policías están rompiendo su puerta en un intento desesperado por entrar, a lo que Camonte les dice que no le disparen, que lo perdonen, pero al parecer, los policías no creen en sus palabras… y en su desesperación por escapar, sale afuera de la mansión, pero los oficiales que estaban rodeando la casa le disparan, y el cae a el caño, donde se refleja una pantalla de un edificio que está brillando con un cartel de una aerolínea con el eslogan:
“El Mundo es Tuyo”
Camonte es la máquina de matar definitiva:
Él conoce una sola ley, la ley de la jungla; y se levantará por todos los medios posibles, use a cualquiera que sea necesario, matará a cualquiera que se interponga en su camino; pero tiene 2 debilidades:
Una obsesión incestuosa con su hermana y una especie de afecto por su “factótum”
Scarface: The Shame Of The Nation  es una excelente visión y un retrato de lo que la sociedad de EEUU vivió durante las décadas de 1920 y 1930:
El surgimiento, auge y dominio de las mafias como consecuencia de las prohibiciones y restricciones estatales, que en la película es el trasiego de cerveza; creando una obra clave del cine negro con su inusitada violencia y puesta en escena que marcaría todo el género en las siguientes décadas.
También es un filme donde el arte imita la vida; pues cualquiera con un conocimiento superficial de la historia de la guerra de las pandillas en el Chicago de los años 20, reconocerá a Capone, Bugs Moran y Johnny Torio.
Pero es de resaltar que en esa época, los esfuerzos de las fuerzas de seguridad pública eran insuficientes, y hasta insignificantes comparados con el gran poder que las mafias llegaron a tomar y alcanzar en muchas esferas, incluso políticas y gubernamentales; y se demostró que la razón de ser y existir de las mafias, es la restricción gubernamental, las prohibiciones, que lejos de alejar a las personas de determinada actividad, las atrae más por el incentivo perverso que ellas mismas suponen:
Ganar dinero fácil y rápido, no importándoles arriesgar hasta la vida con tal de obtenerlo; al tiempo que es interesante la parte en la que se reúne un grupo de ciudadanos con el director de uno de los diarios, reclamando el porqué de tanta publicidad y seguimiento a los actos de las mafias en los titulares.
La respuesta, bastante fuerte y reflexiva, pero ingenua a la vez fue:
“Sólo uniendo fuerzas y exigiendo al Gobierno que cumpla, podemos detener a la mafia y expulsar a los extranjeros que tanto daño han traído a nuestra nación”
Por ello el casting está relegado a un segundo plano con respecto al mensaje, en que la población debía tomar partido con respecto a los criminales, pareciese un intento de pasar la censura, pues después se encuentra un desarrollo del mundo criminal de manera muy atractiva pero frenética, sin entrar en juicios moralistas y sin apostar a la empatía; y se muestra tal cual es la consecuencia de la ambición por el dinero y el poder.
“Someday I look at that sign and I say, “Okay, she's mine”
Cuando el mítico cineasta Howard Hawks acometió la realización en 1932 de “Scarface”, bandera de las películas de gánsteres, ya contaba con 10 películas en su dossier curricular; siendo uno de los cineastas más conocidos, prestigiosos, y sin embargo poco premiado por La Academia que nunca le dispensó una alegría a su ego y a sus películas.
Y es que Hawks es el rostro, el sello, un emblema de la historia del cine; pues el éxito de sus films se debe en parte a la adaptación de escritores de primera fila como Raymond Chadler, William Faulker y Hernest Hemingway; además que tenía un ojo especial para detectar el talento, y a sus actores los consideraba más colaboradores que instrumentos, instándoles a aportar ideas.
Por otra parte, el magnate de los negocios, Howard Hughes, que incursionó en la realización de películas, quería un éxito de taquilla después del éxito de su película de 1931 “The Front Page”
De esa manera, en el ambiente, las películas de gánsteres fueron de actualidad a principios de la década de 1930 en La Era de la Prohibición, y Hughes quería hacer una basada en la vida del gánster Al Capone, superior a todas las demás películas del género; y se le aconsejó que no la hiciera, ya que el género estaba lleno.
Por ejemplo, “Little Caesar” con Edward G. Robinson y “The Public Enemy” con James Cagney ya eran éxitos de taquilla, y Warner Bros. afirmó que no se podía hacer nada nuevo con el género gánster; además, los censores de la industria como La Oficina de Hays se estaban preocupando por el glamour de la delincuencia en los medios.
Todo cambió cuando Hughes compró los derechos de la novela “Scarface” de Armitage Trail, inspirada en la vida de Capone; y Hughes contrató a Fred Pasley, un reportero de Ne York y autoridad en Capone como escritor; y le pidió a Ben Hecht, quien en 1929 había ganado el primer Premio de La Academia al Mejor Guión Original por su película de crimen silencioso “Underworld”, que fuera el escritor principal.
Sabiendo cómo era Hughes como empleador, Hecht solicitó un salario diario de $1,000 que se pagaría todos los días a las 6pm; y afirmó que solo desperdiciaría un día de trabajo si Hughes resultaba ser un fraude.
Por otro lado, Hughes quería que el director de cine Howard Hawks dirigiera y coprodujera.
Esto sorprendió a Hawks, ya que los 2 nunca habían sido amigos:
Hughes había presentado una demanda contra Howard Hawks en julio de 1930, alegando que la película de Hawks “The Dawn Patrol” había plagiado su película “Hell's Angels”
Y durante un juego de golf, Hughes prometió abandonar la demanda, y para el hoyo 18, Hawks se había interesado en dirigir la película.
Se convenció más cuando descubrió que Hecht sería el escritor principal.
De esa manera, Hecht y Hawks trabajaron bien juntos, con la intención de retratar al personaje Capone a La Familia Borgia, incluida la sugerencia de incesto entre el personaje principal y su hermana, presente en la novela de Trail.
Hecht escribió el guión durante 11 días en enero de 1931, adaptado de la novela de Trail; mientras Fred Pasley y W.R. Burnett, autor de la novela “Little Caesar”, proporcionaron escritos adicionales, sobre los cuales se basó la película “Little Caesar”
Pasley escribió el guión que incluía elementos del libro “Al Capone: Biography of a Self-Made Man”; que contiene una escena de barbería con Capone similar a la introducción de Tony Camonte en la película.
Pero Pasley no fue acreditado por su trabajo en el guión.
Al tiempo, John Lee Mahin y Seton I. Miller reescribieron el guión para la continuidad y el diálogo; y debido a que hubo 5 escritores, es difícil distinguir qué componentes fueron aportados por cada escritor; sin embargo, el final de Scarface es similar a la primera película de gánsteres de Hecht, “Underworld”, por lo que probablemente fue una contribución de Hecht.
Cabe señalar que la versión cinematográfica de Scarface tiene poco parecido con la novela; aunque la película contiene los mismos personajes principales, puntos de trama y matices incestuales, se hicieron cambios para reducir la longitud y el número de caracteres, y para satisfacer las solicitudes de las oficinas de censura.
Por ejemplo, para hacer que los gánsteres parezcan menos admirables, se hizo que el personaje de Tony pareciera menos inteligente y más brutal que en la novela; del mismo modo la relación de hermanos entre Tony y el oficial de policía se eliminó para evitar representar la corrupción policial.
La filmación duró 6 meses, lo que fue largo para las películas realizadas a principios de la década de 1930.
Howard Hughes permaneció desplazado para evitar interferir con la filmación de la película; e instó a Hawks a hacer la película lo más visualmente emocionante posible, agregando persecuciones de automóviles, choques y disparos de ametralladoras, etc.
Hawks filmó la película en 3 lugares diferentes:
Metropolitan Studios, Harold Lloyd Studios y Mayan Theatre en Los Angeles; la filmación tomó 6 meses con el elenco y el equipo trabajando 7 días a la semana; y para la escena más violenta en el restaurante, Hawks limpió el set para evitar dañar a los extras y disparó el set con ametralladoras reales; por lo que los actores representaron la escena frente a una pantalla con el tiroteo proyectado en la parte posterior, y cuando todos se apiñaron debajo de las mesas en el restaurante, la sala parecía estar simultáneamente bajo fuego.
Durante el rodaje, Hawks y Hughes se reunieron con La Oficina de Hays para discutir las revisiones…
A pesar de eso, Scarface fue filmado y armado rápidamente; y en septiembre de 1931, se proyectó un corte preliminar de la película para La Comisión de Delitos de California y los oficiales de policía, ninguno de los cuales pensó que la película era una influencia peligrosa para el público, o provocaría una respuesta criminal.
Irving Thalberg recibió una proyección avanzada, y quedó impresionado por la película.
Pero a pesar de los comentarios positivos que se le dio a la película, La Oficina de Hays insistió en los cambios antes de la aprobación final.
La acción inicia en la década de 1920 en Chicago, donde el inmigrante italiano Antonio “Tony” Camonte actúa por orden del mafioso italiano John “Johnny” Lovo y mata a “Big” Louis Costillo (Harry J. Vejar), el principal jefe del crimen del South Side de la ciudad; por lo que ahora Johnny toma el control con Tony como su lugarteniente clave, vendiendo grandes cantidades de cerveza ilegal a bares clandestinos, y entrando en bares dirigidos por equipos rivales.
Sin embargo, Johnny le advierte repetidamente a Tony que no se meta con las pandillas irlandesas dirigidas por O'Hara, que dirige el North Side.
Tony pronto ignora estas órdenes, bombardea bares que pertenecen a O'Hara y atrae la atención de la policía y los gánsteres rivales.
Mientras tanto, Tony persigue a la novia de Johnny, Poppy (Karen Morley) con creciente confianza.
Al principio, ella lo desprecia pero le presta más atención a medida que aumenta su reputación.
Ella visita su apartamento “llamativo” donde él le muestra su vista de una valla publicitaria eléctrica que anuncia Cook's Tours, que presenta el eslogan que lo inspira:
“El Mundo Es Tuyo”
Tiempo después, Tony finalmente decide declarar la guerra y hacerse cargo del lado norte.
Envía al lanzador de monedas Guino Rinaldo, uno de sus mejores hombres y amigo cercano, para matar a O'Hara en una floristería que usa como base.
Esto trae fuertes represalias de las pandillas del North Side, ahora dirigidas por Tom Gaffney (Boris Karloff) y armados con metralletas Thompson, que capturan instantáneamente la oscura imaginación de Tony.
Así, Tony lidera sus propias fuerzas para destruir las pandillas del North Side y hacerse cargo de su mercado, hasta el punto de hacerse pasar por agentes de policía para asesinar a varios rivales en un garaje, matando a Gaffney mientras golpea en una bolera.
La pandilla de South Side y Poppy van a un club, y Tony y Poppy bailan juntos frente a Johnny.
Después de que Tony muestra claramente su intención de hacerse con Poppy, Johnny cree que su protegido está tratando de hacerse cargo, y hace arreglos para que Tony sea asesinado mientras conduce.
Pero Tony logra escapar de este ataque, y él y Guino matan a Johnny, quedando Tony como el jefe indiscutible de la ciudad.
Y para eludir a la fuerza policial cada vez más agravada, Tony y Poppy abandonan Chicago por 1 mes.
Las acciones de Tony han provocado una protesta pública, y la policía se está acercando lentamente.
Después de ver a su querida hermana Francesca “Cesca” con Guino, mata a su amigo en una furia celosa antes de que la pareja pueda informarle de su matrimonio secreto.
Su hermana se queda angustiada, presumiblemente para notificar a la policía que se mueve para arrestar a Tony por el asesinato de Guino, y Tony se refugia en su casa, preparándose para enfrentar la policía.
Allí llega Cesca, planeando matarlo, pero decide ayudarlo a luchar contra la policía.
Tony y Cesca se arman, y Tony dispara a la policía desde la ventana, riéndose maniáticamente.
Momentos después, sin embargo, Cesca es asesinada por una bala perdida.
Tony le grita mientras el departamento se llena de gases lacrimógenos, por lo que baja las escaleras y la policía lo confronta.
Tony suplica por su vida, pero se toma un descanso, solo para ser disparado por un oficial desconocido con una pistola Tommy, éste tropieza por un momento y cae en la cuneta y muere entre los sonidos de vítores.
A pesar de que Howard Hawks decía que nunca hacía películas con mensaje, Scarface es ciertamente una película con mucho mensaje, y nada sutil.
Hecha para el cinéfilo y millonario Howard Hughes, el comienzo de este retrato del mundo del hampa en los EEUU de los años 20 y 30, en plena era Dillinger y Capone, en sí la cinta es un retrato de este último; advierte criticando duramente, al Gobierno de Estados Unidos por su relajación legal frente a tanta violencia y los negocios sucios de la venta de alcohol prohibido.
La primera secuencia del film es toda una declaración de intenciones, y un claro ejemplo de cómo utilizar con sentido común y coherencia una cámara de cine.
Esta atraviesa paredes del interior de un local para presentarnos a un personaje, un mafioso que momentos más tarde es asesinado “en off” mientras vemos la silueta de Tony Camonte efectuando un disparo.
Hawks realiza toda la secuencia sin cortar el plano, esto es, en plano secuencia utilizando un silbido y el posterior disparo como elementos narrativos.
El cine estaba cambiando para entonces, y el sonoro hacía nada que había irrumpido en las salas cinematográficas, y Hawks, lejos de utilizarlo para comprobar las voces de los actores, fue lo que se hizo en muchas películas, lo empleó de forma envidiable marcando con ello, entre otras cosas, el carácter del personaje central.
El silbido anuncia que se producirá un asesinato, y el sonido de una pistola, y sobre todo una metralleta, elemento muy explotado en el remake, quizás demasiado, marcan el lado más violento y firme de Camonte, su rabiosa firmeza a la hora de hacer negocios, y sobre todo lo que a él le dé la real gana.
Camonte es un delincuente que está por encima del bien y del mal, su aparente falta de conciencia choca con el amor desmesurado con connotaciones de incesto aún más pronunciadas que en la versión de de Palma, que siente hacia su hermana.
Pero es prácticamente un niño caprichoso que si no se sale con la suya reacciona violentamente.
La teatral composición de Paul Muni le queda como anillo al dedo al personaje, una bomba de relojería que puede estallar en cualquier momento.
Los excesos del actor no son tales si tenemos en cuenta la cambiante y obsesiva personalidad de Camonte, el mismo camino seguido por Al Pacino en el remake con su rol cubano.
Por ello, las escenas violentas se vuelven más severas a medida que avanza la película; pero todas se muestran a través del montaje, a medida que las escenas pasan en secuencia, mostrando los brutales asesinatos que Tony y su pandilla cometen, como maltratar a los dueños de bares, un atentado en coche y la masacre de 7 hombres contra pared.
Una escena muestra un calendario despegable que cambia rápidamente las fechas mientras es disparado por una ametralladora, dejando en claro la violencia excesiva y el paso del tiempo.
Pero la violencia no solo es perpetrada por los mafiosos:
La policía en la escena final con Tony y Cesca, no escatimó esfuerzos para atrapar a los notorios hermanos Camonte, visibles a través del número desproporcionado de policías y automóviles que rodean el complejo de apartamentos para detener a un hombre.
Así, el uso excesivo de la violencia por parte de Tony y la policía a lo largo de la película lo normaliza; y un elemento de parodia subraya la alegría anormal de Tony al usar armas Tommy.
En la escena en el restaurante en el que los hombres de la pandilla del lado norte intentan dispararle a Tony con un Tommy, obtiene placer del poder.
En lugar de encogerse debajo de las mesas, intenta asomarse para ver las armas en acción, riéndose maniáticamente por su emoción; y reacciona jovialmente al obtener su primera arma Tommy, y con entusiasmo se va a “escribir su nombre en toda la ciudad con letras grandes”
Por ello Scarface nos muestra el ascenso y caída, como mandan los cánones del género, de un gánster con aires de grandeza y totalmente egocentrista.
Un guión milimétrico que condensa una historia en apenas hora y media, y una puesta en escena que aboga por la síntesis como arma, nunca mejor dicho, narrativa; además de algunos plano-secuencia en los que Hawks echa mano del fuera de campo de forma soberbia al filmar muchas de las escenas violentas de esa manera, lo hacen un filme magistral.
Por ejemplo, según el gran François Truffaut, la mejor secuencia del film es el asesinato en una bolera del personaje interpretado por Boris Karloff, un ejemplo perfecto de utilización de montaje y sonido.
Hawks demuestra su nervio en escenas como la citada, y también en aquellas que parecen de transición, como la realizada en un descanso de la obra de teatro que está viendo Camonte, y que cuando este se levanta para fumar un montón de guardaespaldas se levantan de sus asientos para proteger de posibles ataques al nuevo jefe del crimen, que ya se codea con la alta sociedad.
En las escenas de persecución o tiroteos, siempre con las armas en primer plano, dicha energía explota en todo su esplendor acorde con el tono de la historia.
Y si algo sorprende del planteamiento de Scarface, es la ausencia del más mínimo tono moralista de la película o su renuncia, cuando menos, a intentar ofrecer cualquier explicación al comportamiento criminal de su protagonista; más allá de mostrarlo como un personaje de mentalidad infantil que parece incapaz de comprender la diferencia entre el bien y el mal.
El propio Hawks lo explica:
“Muchos de los gánsteres que he conocido eran bastante infantiles.
Me ponen enfermo y me cansan la cantidad de cosas que veo sobre los gánsteres en las que todos gruñen a todos, y todos son los tipos más duros del mundo.
Esos chicos no eran así.
Eran como niños”
Son profesionales que tratan de realizar su cometido de la manera más eficaz, dentro de las normas de comportamiento de su entorno laboral, y es significativo, a este respecto, constatar cómo en la película no se muestra ninguna víctima que no pertenezca a alguna de las bandas criminales, no hay, como en otras muchas obras, daños colaterales, donde los mafiosos se matan entre ellos, siguiendo su propio código profesional y asumiendo los riesgos que comporta su pertenencia a ese entorno laboral; y da la impresión que los creadores de la película sienten la misma fascinación que los protagonistas por las armas:
Tony Camonte se nota que disfrutan disparando pistolas y ametralladoras como un niño con un juguete nuevo, y al mismo tiempo se nota cómo Howard Hawks se recrea en sus posibilidades cinematográficas, en lo vistoso que resulta contemplar su capacidad destructiva y, sobre todo, en lo impactante que resultaba en la época escuchar todos esos disparos.
Y si el cine de gánsteres no alcanzó su potencial hasta la llegada del sonoro es en gran parte por lo mucho que ganaban estas películas con sonido:
Las voces amenazadoras de sus protagonistas con acentos que sugerían sus orígenes italoamericanos, el excitante sonido de las pistolas, el crudo realismo que le daba esa innovación a las películas, etc.
A eso hay que sumarle la forma como Hawks aún se sirve de ciertos aspectos de puesta en escena más propios de La Era Muda como el soberbio “travelling” que da inicio a la película, en que la cámara se adentra en un restaurante donde conversan 3 jefes del hampa, y durante varios minutos va siguiéndolos hasta que uno de ellos muere.
El Hawks de tiempos venideros sería más reticente a estos ejemplos de virtuosismo, pero en los años de resaca de La Era Muda, muchos directores como él aun seguirían apostando por este tipo de recursos.
Otro dato es el consumo excesivo del gánster que se representa cómicamente a través de la búsqueda de Tony para obtener bienes caros y mostrarlos.
En el primer encuentro de Tony solo con Poppy en la escalera, se jacta de su nuevo traje, joyas y auto a prueba de balas.
Poppy desestima en gran medida sus avances, y califica su aspecto de “algo afeminado”
Su consumo femenino y su obsesión con la apariencia y la ropa, se yuxtaponen a su consumo masculino que está representado por su nuevo automóvil.
Más tarde, Tony le muestra a Poppy una pila de camisas nuevas, alegando que usará cada camisa solo una vez.
Así, su consumo sirve para simbolizar la desintegración de los valores de la modernidad, representados específicamente por su mal gusto y obsesión con el dinero y el estatus social.
El exceso de Tony trasciende la parodia y se vuelve peligroso porque representa una falta total de moderación que finalmente conduce a su caída.
Y su exceso se manifiesta en las guerras de pandillas en la ciudad.
Él desobedece por su ansia de más poder, violencia y territorio.
No solo amenaza la estructura de poder externa de las pandillas en relación con el territorio físico, sino que también interrumpe la estructura de poder interna de su propia pandilla al desobedecer descaradamente a su jefe Johnny Lovo.
La posición física de Gaffney, yuxtapone la posición de Tony.
A lo largo de la película, el movimiento de Gaffney está restringido tanto por el escenario como por la implicación, debido a los espacios abarrotados en los que se lo muestra en pantalla y a su compañía de secuaces con los que está constantemente rodeado.
Por lo que Tony puede moverse libremente al comienzo de la película, volviéndose progresivamente más lleno hasta que esté tan confinado como Gaffney.
Está rodeado de secuaces, y no puede moverse con tanta libertad por toda la ciudad.
Esto, sin embargo, es autoimpuesto por su propio deseo excesivo de territorio y poder.
Así, el tema de lo excesivo se ejemplifica aún más con los deseos incestuosos de Tony por su hermana, Cesca, a quien intenta controlar y restringir.
Su madre actúa como la voz de la razón, pero Tony no la escucha, lo que somete a su familia al exceso y la violencia que provoca.
Su deseo de violencia, refleja el deseo de Cesca de libertad sexual, simbolizado por su baile seductor para Rinaldo en el club.
Rinaldo está dividido entre su lealtad por Tony y su pasión por Cesca, sirviendo como símbolo de la lucha de poder entre los hermanos Camonte.
Rinaldo es un símbolo del poder y la prominencia de Tony; su asesinato significa la falta de control y caída de Tony, que termina en la propia muerte de Tony.
Y es que el ascenso de Camonte a la prominencia y al éxito, sigue el modelo del “Sueño Americano”, pero es más abiertamente violento.
A medida que la película sigue el ascenso y la caída de un gánster italiano, Tony se vuelve cada vez más “americanizado”; y cuando aparece debajo de la toalla en la barbería, esta es la primera vez que el público lo mira a la cara.
Parece extranjero con un notable acento italiano, cabello peinado y una apariencia casi “neandertal” evidente por las cicatrices en su mejilla; y a medida que avanza la película, se vuelve más “americanizado” a medida que pierde su acento y sus trajes cambian de llamativos a elegantes.
Al final, su acento apenas se nota, y en el momento de su muerte, había acumulado muchos objetos que retratan el éxito sugerido por “El Sueño Americano”:
Su propia secretaria, una novia de estatus social significativo, donde lo más importante es que ella era la amante de su antiguo jefe; así como un apartamento elegante, autos grandes, ropa bonita y a su hermana...
Camonte ejemplifica pues la idea del “Sueño Americano” de que uno puede obtener éxito en Estados Unidos siguiendo el lema de Camonte:
“Hazlo primero, hazlo tú mismo y sigue haciéndolo”
Por otro lado, Camonte representa el impulso estadounidense de rechazar la vida y la sociedad modernas, rechazando a su vez el “americanismo” mismo.
El gánster lucha por el mismo “Sueño Americano” que cualquier otra persona, pero a través de la violencia y la actividad ilícita, lo aborda de una manera contraria a los valores sociales modernos.
El control del territorio es un tema en el género cinematográfico de gánsteres en un sentido físico y en la pantalla de cine:
Tony trabaja para controlar la ciudad deshaciéndose de las pandillas en competencia y ganando el control físico de la ciudad, y también obtiene el control de la pantalla de cine en su ascenso al poder.
Esto es más evidente en escenas e interacciones que involucran a Tony, Johnny y Poppy.
En una escena temprana de la película, Tony llega al apartamento de Johnny para recibir su pago después de matar a Louis Costillo.
En la toma se ven dos habitaciones:
La habitación principal, donde se sienta Tony, y la habitación en el fondo donde se sienta Poppy y donde Johnny guarda su dinero.
Lovo entra a la habitación de atrás pero Tony no, así que esta habitación representa el poder y el territorio de Johnny.
Los hombres están sentados uno frente al otro en la escena con Poppy sentada en medio de ellos en el fondo representando el trofeo por el que ambos luchan.
Sin embargo, ambos aparecen igualmente en la toma, lo que representa su igualdad de poder.
Más tarde, en la escena del club nocturno, Tony se sienta entre Poppy y Johnny, mostrando que tiene el control a través de su centralidad en la toma.
Ha ganado la mayor cantidad de poder y territorio, como lo indica Poppy “ganador”
También Scarface representa los temores y la confusión estadounidenses derivados del avance tecnológico de la época:
Si se debe temer o celebrar el avance tecnológico y la producción en masa.
Una inquietud general posterior a La Primera Guerra Mundial fue si las nuevas tecnologías causarían la destrucción final o si ayudarían a facilitar la vida y traer felicidad.
En la película, Tony se deleita con entusiasmo en las posibilidades que las ametralladoras pueden traer al matar a más personas, más rápidamente y desde más lejos.
Esto representa la cuestión de si la producción en masa es igual a la destrucción en masa o la eficiencia en masa.
También el uso de motivos lúdicos a lo largo de la película mostró la oscura comedia de Howard Hawks que expresó a través de su dirección.
En la escena de la bolera, donde el líder de una pandilla rival, Tom Gaffney fue asesinado, cuando Gaffney tira la pelota, el disparo permanece en el último boliche, que representa la muerte de Gaffney.
En la misma escena, antes de la muerte de Gaffney, un tiro muestra una X en el marcador, presagiando su muerte.
Hawks usó la técnica de presagio X a lo largo de la película, siendo vista por primera vez en los créditos iniciales que se asociaron principalmente con la muerte que aparece muchas veces, pero no en todas las escenas cuando se representa una; el motivo aparece en numerosos lugares, principalmente como la X de la cara de Tony, siendo motivos de burla del gánster.
El sombrero del gánster también es un tema común en las películas de gánsteres, específicamente Scarface, como representante del consumo conspicuo.
Hawks incluyó gestos con las manos, un motivo común en sus películas; y aquí George Raft recibió instrucciones de lanzar una moneda repetidamente, lo que hace durante toda la película.
Sobre otras señales, en el departamento de Camonte da a un letrero de neón que muestra “El Mundo Es Tuyo”
Este letrero representa la ciudad estadounidense moderna como un lugar de oportunidad e individualismo; y por atractivo que sea el eslogan, el mensaje es imposible, pero Tony no entiende esto.
La vista desde su departamento representa el ascenso del gánster; y cuando Camonte es asesinado en la calle afuera de su edificio, la cámara se mueve hacia arriba para mostrar la valla publicitaria, representativa de la paradoja social de la existencia de oportunidades y la incapacidad para lograrla.
Así, la escena final representa, cómo el mundo no es nuestro, pero tampoco es suyo.
La muerte del gánster nos libera momentáneamente de la idea del concepto de éxito y la necesidad de tener éxito; en lo que respecta al tema del exceso, el signo es una metáfora de los deseos divididos creados por la modernidad vistos a través de la lente de los deseos excesivos de la personalidad del gánster.
Así de manera “afilada y dura”, Scarface estableció el estilo visual para las películas de gánsteres de la década de 1930.
Hawks creó una película violenta y apasionante mediante el uso de un fuerte contraste de blanco y negro en su cinematografía, por ejemplo, salas oscuras, siluetas de cuerpos contra sombras dibujadas y charcos de luz cuidadosamente colocada.
Se muestra que gran parte de la película tiene lugar en la noche, donde la agrupación ajustada de sujetos dentro de la toma y el movimiento de la cámara de acecho siguen el curso de acción en la película.
La cinematografía es dinámica, y se caracteriza por la ubicación muy variada de la cámara y el encuadre móvil.
Estilísticamente, Hawks elabora notables escenas, apoyado en contrastes de luces y siluetas, una de las influencias del posterior “film noir” en el que Hawks incursionaría después en “To Have and Have Not” (1944) y “The Big Sleep” (1946)
Otra de las constantes del director, se muestra en la presentación de personaje femeninos con personalidad que desean llevar las riendas de sus vidas, nada de ser mujeres floreros al lado del hombre dominante, la guerra de sexos que tan bien explotó en sus maravillosas comedias, aquí representadas sobre todo por una fabulosa Ann Dvorak, y en menor medida por Karen Morley.
Del reparto, Hawks y Hughes encontraron difícil el casting, ya que la mayoría de los actores estaban bajo contrato, y los estudios eran reacios a permitir que sus artistas trabajaran por cuenta propia para productores independientes.
El productor Irving Thalberg sugirió a Clark Gable, pero Hawks creía que Gable era una personalidad, no un actor.
Después de ver a Paul Muni en Broadway, el agente de talentos Al Rosen lo sugirió para el papel principal.
Inicialmente, Muni se negó, sintiendo que no estaba físicamente apto para el papel, pero después de leer el guión, su esposa Bella lo convenció de que lo tomara.
Después de una prueba en New York, Hughes, Hawks y Hecht aprobaron a Muni para el papel.
Boris Karloff fue elegido como el gánster británico Gaffney; Jack La Rue fue elegido como el compinche de Tony Camonte, Guino Rinaldo inspirado en el guardaespaldas de Capone, Frank Rio, pero como era más alto que Muni, Hawks se preocupó por eclipsar al duro personaje de Scarface de Muni; y fue reemplazado por George Raft, un actor que luchaba en ese momento, después de que Hawks lo encontró en una pelea de premios.
Raft había jugado un papel extremadamente similar el año anterior a su debut cinematográfico en “Quick Millions” protagonizada por Spencer Tracy, pero el papel de Scarface haría de Raft una estrella.
Y aunque Karen Morley estaba bajo contrato en MGM, Hawks era cercano con el ejecutivo del estudio de MGM Eddie Mannix, quien prestó a Morley para la película.
Según los informes, le dieron la opción entre el papel de Poppy o Cesca.
Aunque Cesca era el papel más fuerte, eligió a Poppy porque sentía que Cesca sería mejor para su amiga Ann Dvorak.
Ella consideró esto “probablemente la cosa más bonita que hizo en su vida”
Morley invitó a Dvorak, de 20 años, a una fiesta en la casa de Hawks para presentarlos; y según Hawks, en la fiesta, Dvorak se centró en George Raft, quien jugó su interés amoroso.
Inicialmente rechazó su invitación a bailar; ella trató de bailar delante de él para atraerlo; finalmente se rindió, y su baile juntos detuvo la fiesta.
Después de este evento, Hawks estaba interesado en elegirla, pero tenía dudas sobre su falta de experiencia.
Después de una prueba de pantalla, él le dio el papel, y MGM estaba dispuesto a liberarla de su contrato como corista.
Así Dvorak tuvo que recibir permiso de su madre Anna Lehr, y ganar una petición presentada ante El Tribunal Superior para poder firmar con Howard Hawks como menor.
Es por ello que la actriz Ann Dvorak le dota de juvenil frescura e inteligencia, demostrando la habilidad de los diálogos solapantes y de tiro rápido del director.
Como dato, Karen Morley fue el último miembro del reparto acreditado vivo, después de la muerte de George Raft en 1980, y la única viva para cuando se lanzó el remake “Scarface” (1983)
Por otro lado, la actuación de Paul Muni en Scarface como el antihéroe gánster por excelencia, contribuyó en gran medida a su rápido ascenso a su aclamada carrera cinematográfica.
Muni devora la pantalla con una interpretación memorable, pocas veces un villano protagonista resultó tan desagradable y fascinante a la vez; mientras el resto del reparto cumple su función aceptablemente a la sombra de un personaje dotado de tal vileza.
Las ansias de grandeza y poder, y el obsesivo afán de protección hacia su hermana, lo llevan inexorablemente al caótico descenso y posterior caída en un final trágico de connotaciones “shakespearianas”
No es casual que Paul Muni recibiera importantes elogios por su actuación como Tony Camonte, los críticos lo elogiaron por su desempeño robusto y feroz.
Incluso Al Pacino declaró que estaba muy inspirado por Paul Muni, y que influyó en su propia actuación en la nueva versión de 1983.
Sin embargo, a pesar de la impresionante representación de un gánster en ascenso, los críticos afirman que el personaje se parecía mínimamente a Al Capone.
A diferencia de Camonte, Capone evitaba el trabajo gruñón y generalmente empleaba a otros para que hicieran su trabajo sucio por él.
Además, Scarface de Muni al final reveló que el personaje de Capone era un cobarde mientras pedía piedad e intentaba escapar antes de recibir un disparo en la calle.
En contraste, Capone no era conocido por su cobardía y no murió en la batalla, demostrando que solo se sentía poderoso cuando tenía un arma en sus manos.
La concesión respecto a un Tony que se vuelve cobarde al final, cambiaba por completo la concepción del personaje, pero aun así funcionaba gracias a que encajaba con su carácter inmaduro e inestable.
Como dato, Scarface fue la mejor y más conocida película de Ann Dvorak; y la película lanzó la larga carrera de Raft como protagonista.
Raft, en el segundo papel principal de la película, había aprendido a lanzar una moneda sin mirarla, un rasgo de su personaje, y causó una fuerte impresión en el papel comparativamente simpático pero colorido.
Howard Hawks le dijo a Raft que usara esto en la película para camuflar su falta de experiencia en la actuación; y se hace una referencia en el papel posterior de Raft como el gánster Spats Columbo en “Some Like it Hot” (1959), en el que le pregunta a un compañero gánster que está lanzando una moneda:
“¿De dónde sacaste ese truco barato?”
Otro dato del reparto es que Paul Muni y James Dean son los únicos actores en ser nominados al Oscar como mejor actor en su primera y última película; y a diferencia de James Cagney y Edward G. Robinson en su carrera como mafiosos, Muni después de Scarface pudo evitar ser encasillado para su carrera.
En contraste, Boris Karloff quedaría finalmente atrapado en el género de películas de terror.
Mientras que George Raft nunca tuvo muchas actuaciones aclamadas fuera del género de gánsteres, siendo este su primer crédito cinematográfico importante, lo curioso viene que no tuvo que ir muy lejos para inspirarse en cómo interpretar a un gánster en esta película.
Raft creció en un barrio pobre de la ciudad de New York junto a los gánsteres Bugsy Siegel, Meyer Lansky, Joe Adonis y Lucky Luciano; y en un giro irónico, después del lanzamiento de Scarface, muchos de los amigos mafiosos de Raft acudían a él para pedirle consejos sobre cómo vestirse, caminar, hablar, etc.
Vince Barnett, que solía interpretar borrachos, obtuvo su papel de carrera en Scarface como alivio cómico, y tiene algunos buenos momentos como secretario tratando de tomar un mensaje telefónico con balas volando a su alrededor.
De hecho, si él no hubiera sido enviado a tomar mensajes, las balas de ametralladora habrían encontrado su marca fácilmente en Muni que más alto.
Sobre Al Capone:
Tanto la película como la novela se basan libremente en la vida del gánster, cuyo apodo era “Scarface” pero los nombres de los personajes y las ubicaciones se cambiaron solo mínimamente.
Capone se convirtió en Camonte, Torrio se convirtió en Lovo, y Moran se convirtió en Doran.
En algunos de los primeros guiones, Colosimo era Colisimo y O'Bannion era Bannon, pero los nombres se cambiaron a Costillo y O'Hara respectivamente.
Esto, incluidas otras alteraciones hechas a los personajes y otros lugares de identificación para mantener el anonimato, se debió a la censura y a la preocupación de Hawks por el uso excesivo de detalles históricos.
Por su parte, el guionista Ben Hecht había conocido a Capone y “sabía mucho sobre Chicago”, por lo que no investigó el guión.
Según él, mientras trabajaba en el guión, Capone envió a 2 hombres a visitarlo en Hollywood para asegurarse de que la película no se basara en su vida; y los gánsteres exigieron saber si la película era sobre Capone.
Hecht les aseguró que no, diciendo que el personaje Tony Camonte estaba basado en gánsteres como “Big” Jim Colosimo y Charles Dion O'Bannion.
“Entonces, ¿por qué la película se llama Scarface?” dijo uno de los mafiosos…
“¡Todos pensarán que se trata de Capone!”
“Esa es la razón”, dijo Hecht:
“Si llamas a la película Scarface, la gente pensará que se trata de Capone y vendrá a verlo.
Es parte de la raqueta que llamamos “show business”, y los matones satisfechos dejaron el hotel.
Pero después del lanzamiento de la película, cuando Trail ya estaba muerto, Capone envió a algunos de sus hombres para interrogar al guionista Ben Hecht después de que Capone se sintiera ofendido por la representación de la película por parte del actor Paul Muni… pero las referencias a Capone y los eventos reales de las guerras de pandillas de Chicago eran obvias para el público en ese momento:
El personaje de Muni tenía una cicatriz similar a Capone, recibida en peleas similares.
La policía en la película menciona que Camonte es miembro de la Five Points Gang en Brooklyn, de la cual Capone era un miembro conocido.
Tony mata a su jefe “Big Louis” Costillo en el vestíbulo de su club; igual a como Capone estuvo involucrado en el asesinato de su primer jefe “Big Jim” Colosimo en 1920.
El jefe rival, O'Hara, es asesinado en su florería; los hombres de Capone asesinaron a Dean O'Bannion en su florería en 1924.
El asesinato de 7 hombres en un garaje, con 2 de los pistoleros disfrazados de policías, refleja La Masacre de San Valentín de 1929, donde el líder de esta banda rival escapa por poco del tiroteo, al igual que el líder de la banda Bugs Moran.
Además, la película se estrena en la intersección de la calle 22 y la avenida Wabash en el medio del lado sur de Capone, el sitio de muchos crímenes de Capone.
Otras similitudes con Capone son:
La escena donde Gaffney conduce una caravana de autos en un tiroteo a Tony en un restaurante, está basado en un incidente en 1927 cuando la rival de Capone, Hymie Weiss, le hizo lo mismo.
Cuando Johnny Lovo intenta matar a Tony en una persecución en automóvil; eso viene de la desaparición de los aliados de Capone, los Genna Brothers, etc.
Y muy a pesar de las claras referencias a Capone, se rumoreaba que a Capone le había gustado tanto la película, hasta que tenía una copia impresa…
Sin embargo, este fue probablemente un reclamo exagerado de Hawks, ya que Capone estaba encarcelado en Atlanta por evasión de impuestos durante el lanzamiento de la película.
Sobre la famosa escena de La Matanza de San Valentín supuestamente ordenada por Al Capone contra 6 miembros del North Side Gang más el doctor Reinhardt H. Schwimmer en Chicago el día de San Valentín de 1929, se cuenta que fueron alineados contra una pared y disparados por 4 asaltantes desconocidos que estaban vestidos como policías.
El incidente fue el resultado de la lucha por controlar el crimen organizado en la ciudad durante La Prohibición entre los irlandeses del norte, encabezados por George “Bugs” Moran y sus rivales italianos de las pandillas del lado sur, liderados por Al Capone.
En Scarface, Hawks muestra en pantalla solo las sombras y el humo de las balas, todo un ejemplo de evitar lo explícito de la violencia, pero sin perder su fuerza e impacto.
Sobre la obra que Tony y sus amigos van a ver, al final del Acto 2, es “Rain” de John Colton y Clemence Randolph, basada en la historia de W. Somerset Maugham “Miss Sadie Thompson” que se estrenó en Broadway en 1922 y se prolongó durante la década de 1920.
United Artists lanzó una versión cinematográfica de la obra, también titulada “Rain” protagonizada por Joan Crawford el mismo año que Scarface.
Y aunque bastante discreto en la película, y desapercibido para la mayoría de los espectadores, La Familia Camonte está modelada en parte a partir de La Familia Borgia; siendo este el pensamiento más destacado de la relación sutil y posiblemente incestuosa que comparten Tony Camonte y su hermana.
Los celos excesivos de Camonte de los asuntos de su hermana con otros hombres, insinúan esta relación.
Casualmente, Donizetti escribió la ópera para “Lucrezia Borgia”, sobre la familia Borgia y “Lucia di Lammermoor” de donde proviene la melodía silbada por Tony Camonte.
Otro dato posterior al estreno de Scarface fue que el asesinato de Tom Gaffney predice el asesinato similar, 4 años después, en 1936, del ex mafioso “Machine Gun” Jack McGurn, quien como el personaje de Tom Gaffney, sería asesinado a tiros mientras jugaba a los bolos...
Sobre la censura:
Scarface fue producida y filmada durante La Era Pre-Code de Hollywood, que se extendió desde 1930 hasta 1934; una era que se caracterizó por su proyección informal y desordenada, y la regulación del contenido de la película antes del establecimiento de La Administración del Código de Producción (PCA) en julio de 1934.
Antes de la influencia de La PCA, la censura era supervisada por Los Productores y Distribuidores de Películas de América (MPPDA); y en 1930, Will Hays, Presidente de La MPPDA, intentó regular el contenido de las películas; y se hizo conocida como La Oficina Hays.
El objetivo de La Oficina de Hays era censurar la desnudez, la sexualidad, el uso de drogas y el crimen.
Más específico para Scarface, La Oficina de Hays quería evitar la descripción simpatizante del crimen, ya sea mostrando a los delincuentes que reconocen el error de sus formas o mostrando que los criminales son castigados.
La Oficina de Hays, sin embargo, no tenía autoridad para eliminar material de una película hasta que La MPPDA se comprometió oficialmente a adherirse al Código de Producción en 1934, por lo que confiaron en retrasar el lanzamiento de la película y presionar para eliminar escenas, o evitar que las películas se reprodujeran.
Así, las películas evadieron La Oficina de Hays agregando escenas extremadamente sugerentes para que pudieran eliminarlas y satisfacer a La Oficina Hays lo suficiente como para que no notaran las inmoralidades menores que quedaban en la película.
Por lo que se puede decir que Scarface es una de las películas más censuradas de la historia de Hollywood:
Howard Hawks creía que La Oficina de Hays tenía venganzas personales contra la película, mientras que Hughes creía que la censura se debía “a motivos ocultos y políticos de políticos corruptos”
Sin embargo, James Wingate, de las juntas de censura de New York, refutó que Hughes estaba preocupado por la publicidad de taquilla en la producción de la película.
Después de reiteradas demandas de reescritura de guiones de La Oficina de Hays, Hughes ordenó a Hawks que filmara la película:
“Atornille La Oficina de Hays, que sea lo más realista y espeluznante posible”
La Oficina de Hays estaba indignada por Scarface cuando lo proyectaron, pues “violó El Código al provocar simpatía por el personaje de Muni, y reveló a los jóvenes un método exitoso de crimen”
La Oficina de Hays pidió que se eliminen las escenas, que se agreguen escenas para condenar el gánsterismo y un final diferente.
Creían que la muerte de Tony al final de la película era demasiado gloriosa.
Además de la violencia, La MPPDA sintió que una relación inapropiada entre el personaje principal y su hermana era demasiado abierta, especialmente cuando la abraza después de abofetearla y rasgarle el vestido; y ordenaron que se eliminara esta escena.
Hughes, para recibir la aprobación de La MPPDA, eliminó las escenas más violentas, y agregó un prólogo para condenar el gánsterismo y escribió un nuevo final; además se agregaron un par de escenas para condenar abiertamente el gánsterismo, como una escena en la que un editor de un periódico mira la pantalla y advierte directamente al gobierno y al público por su falta de acción en la lucha contra la violencia de la mafia, y una escena en la que el detective jefe denuncia la glorificación de los gánsteres.
Hawks se negó a filmar esas escenas adicionales y el final alternativo; por lo que fueron dirigidos por Richard Rossen, lo que le valió a Rossen el título de “codirector”
Y finalmente, Hughes recibió instrucciones de cambiar el título a “The Menace”, “Shame Of The Nation” o “Yellow” para aclarar el tema de la película; y después de 1 mes de regateo, se comprometió con el título “Scarface: The Shame Of The Nation” y agregando un prólogo que condena al gánster en un sentido general.
De hecho, Hughes hizo un intento de lanzar la película bajo el título “The Scar” cuando La Oficina Hays rechazó el título original; y además del título, el término “Scarface” había sido eliminado de la película... sin embargo, por aquello, en la escena en la que Tony mata a Rinaldo, Cesca dice la palabra “asesino”, pero se la puede ver pronunciando la palabra “Scarface”
La ironía de todo ello es que en la vida real ningún jefe del hampa fue condenado por sus crímenes, pero como ya se vería en años posteriores, La Oficina Hays insistiría de una forma prácticamente pueril, en que Hollywood construyera una visión idealizada del mundo, desde su mojigato y conservador punto de vista, claro, antes que reflejar la realidad.
Un dato interesante que no se dice en la película es que en el libro de Armitage Trail, Antonio Camonte nace como Antonio Guarino, teniendo un hermano llamado Ben.
Y después de varios crímenes, la policía está buscando a Tony, por lo que se va a la guerra, se cicatriza, y cuando regresa descubre que había sido reportado muerto y nadie lo reconoce por su cicatriz.
Así se convierte en Antonio “Tony” Camonte y comienza una nueva vida.
Aquí es donde comienza la película…
Eso significa que si nos mantenemos fieles al libro, El Inspector Ben Guarino es su hermano.
También, el guión original tenía a la madre de Tony amando a su hijo incondicionalmente, alabando su estilo de vida, e incluso aceptando dinero y regalos de él.
Además, había un político que, a pesar de hacer campaña contra los gánsteres en el podio, se muestra de fiesta con ellos después de las horas.
El guión termina con Tony quedándose en el edificio, no afectado por gases lacrimógenos y una multitud de balas disparadas contra él.
Después de que el edificio se incendia, Tony se ve obligado a salir, con las armas encendidas.
Él es rociado con disparos de la policía, pero parece imperturbable.
Al darse cuenta del oficial de policía que lo había estado arrestando durante toda la película, dispara contra él, solo para escuchar un solo “clic” que implica que su arma está vacía.
Lo matan después de que el oficial de policía le dispara varias veces.
Se escucha un “clic” repetido en la banda sonora, lo que implica que estaba intentando disparar mientras se estaba muriendo…
Sobre los finales de Scarface:
La primera versión de la película, Versión A, se completó el 8 de septiembre de 1931, pero los censores requirieron que se modificara el final o se negarían a otorgarle una licencia.
Paul Muni no pudo volver a filmar el final en 1931 debido a su trabajo en Broadway.
En consecuencia, Hawks se vio obligado a usar un doble cuerpo.
El doble del cuerpo fue filmado principalmente a modo de sombras y tomas largas para enmascarar la ausencia de Muni en estas escenas.
El final alternativo, Versión B, difiere del final original en la forma en que Tony es atrapado y en el que muere.
A diferencia del final original, donde Tony intenta escapar de la policía y muere después de recibir varios disparos, en el final alternativo, Tony se entrega a regañadientes a la policía.
Después del encuentro, la cara de Tony no se muestra.
Sigue una escena en la que un juez se dirige a Tony durante la sentencia.
La siguiente escena es el final, en el que Tony, visto desde una vista de pájaro, es llevado a la horca y ahorcado.
Sin embargo, La Versión B no aprobó los censores de New York y los censores de Chicago.
Howard Hughes sintió que La Oficina Hays tenía intenciones sospechosas de rechazar la película porque Hays era amigo de Louis B. Mayer, y Hughes creía que la censura era para evitar que competidores ricos e independientes produjeran películas.
Confiando en que su película podría sobresalir entre el público más que las películas de Mayer, Hughes organizó una exhibición de la película en Hollywood y New York.
The New York Herald Tribune elogió a Hughes por su coraje para oponerse a los censores; y Hughes repudió la película censurada.
Finalmente en 1932, lanzó La Versión A con la introducción de texto adicional en estados que carecían de censores estrictos, al tiempo que Hughes intentó llevar a los censores de New York a los tribunales.
Esta versión de lanzamiento de 1932, condujo a un buen estado de taquilla y críticas positivas.
Además, Hughes tuvo éxito en demandas posteriores contra las juntas que censuraron la película; y debido a las críticas de la prensa, Hays afirmó que la versión mostrada en los cines, era la película censurada que había aprobado previamente…
No hay que olvidar que este film se concibe como un film de denuncia, como explicita el texto previo a las imágenes, a modo de prólogo:
Se plantea una situación de violencia, delincuencia y corrupción, aunque no se haga mención a La Ley Seca, ley que tenía mucho que ver en toda esa ola de delincuencia y corrupción, y que aún seguía en vigor cuando se hizo la película; como un tema de debate ante el público, para que éste reaccione ante el mismo, y tome posición, se conciencie de los males que sacuden a su país.
En este sentido, la película de Hawks es cine de denuncia como lo era también otro film coetáneo como “I Am a Fugitive From a Chain Gang” (1932) de Mervyn Le Roy.
En este sentido, es un film afín al regeneracionismo del “New Deal” de Roosevelt.
Pero, a pesar de lo anterior, Scarface es un film ambiguo, porque la película hace tan atractivo y dinámico al personaje protagonista, dándole un final trágico y violento, que es evidente que lo que se pretende atacar y criticar, el gánster, acaba dotándose a la vez de una aureola heroica, trágica, mítica.
Tony Camonte es un héroe siniestro de los EEUU de La Prohibición, un tipo que surge de la nada y vuelve a la nada, no sin antes alcanzar o acariciar el poder y el éxito.
El peligro de glorificar al gánster ante la opinión pública, es expresado en un momento de la película, y es un peligro que la propia película corre también a lo largo de todo su metraje, sobre todo teniendo en cuenta que algunos hechos, como La Matanza del Día de San Valentín, que son hechos reales recreados por esta película.
Hay pues, una tensión constante entre la condena del gánster y la fascinación por éste.
¿Por qué esa fascinación?
Tony Camonte es un inmigrante de origen italiano que trata de alcanzar “El Sueño Americano” y lo alcanza, aunque a un precio muy alto.
El hombre que se hace a sí mismo, el ascenso social rápido del lumpen a la riqueza mediante el esfuerzo personal y el mérito propio, todo eso está en el ascenso de Camonte, que es el ejemplo exacerbado y negro de toda esa mitología social, de la mitología del “Sueño Americano” por lo que Scarface es una reflexión sobre el poder y el éxito desmedido, sobre cómo esa sed puede estar a favor de las normas sociales, o fuera de ellas.
Y es que Scarface, por ser un referente de las películas de mafias, y por tener base sobre hechos reales que acontecieron en esos días, cambiando para siempre la imagen que tenía la población hacia el hampa, que hasta el momento eran considerados como “rebeldes” sociales, inició la indignación entre las organizaciones italianas y las personas de ascendencia italiana, señalando una tendencia de los cineastas a retratar a los gánsteres y contrabandistas en sus películas como italianos.
En la película, un italiano estadounidense pronuncia un discurso condenando las actividades de los gánsteres; esto se agregó más tarde en la producción para apaciguar a los censores.
Esto, sin embargo, no impidió que la embajada italiana desaprobara Scarface.
Al creer que la película era ofensiva para la comunidad italiana, La Orden Hijos de Italia en Estados Unidos denunció formalmente la película, y otros grupos instaron a los miembros de la comunidad a boicotearla así como a otras películas despectivas hacia los italianos o italoamericanos.
Will Hays le escribió al Embajador en Italia, excusándose del escrutinio al afirmar que la película era un anacronismo, porque se había retrasado en la producción durante 2 años y no era representativa de la práctica actual de censura en ese momento.
Por otro lado, la Alemania Nazi prohibió permanentemente las proyecciones de la película; y algunas ciudades en Inglaterra también la prohibieron, creyendo que la política de La Junta Británica de Censura Cinematográfica sobre películas de gánsteres era demasiado laxa.
La película había sido prohibida en Irlanda el 19 de agosto de 1932, y el 29 de agosto de 1941 bajo el título alternativo de “Gangs War” por razones que incluyen complacer al sensacionalismo, dar glamour al estilo de vida de los gánsteres e implicar una relación incestuosa entre el protagonista y su hermana.
Varias ciudades de los Estados Unidos, incluida Chicago y algunos estados se negaron a mostrar la película.
La revista Movie Classics publicó un problema instando a la gente a exigir ver la película en los cines a pesar de las prohibiciones de censura.
Con todo, la película batió récords de taquilla en el Woods Theatre de Chicago después de estrenarse en El Día de Acción de Gracias, el 20 de noviembre de 1941, después de que los censores le prohibieron su exhibición en Chicago durante 9 años.
A pesar de la recepción favorable de la película entre el público, las batallas de censura y las críticas poco halagüeñas de parte de la prensa contribuyeron al rendimiento generalmente pobre de la película en la taquilla.
Molesto por la incapacidad de ganar dinero con Scarface, Howard Hughes retiró la película de la circulación; que no estuvo disponible hasta 1979 a excepción de impresiones ocasionales de calidad sospechosa de fuentes cuestionables.
De hecho, Hughes tenía planes en 1933 para dirigir y producir una secuela de Scarface, pero debido a reglas de censura más estrictas, la película nunca se hizo.
Un dato de interés, es que esta es una de las primeras películas en presentar la ametralladora Thompson, conocida en la historia como “la ametralladora Tommy”
Los personajes nunca lo llaman otra cosa que ametralladora, excepto cuando Poppy lo llama un “tirador de frijoles”; y Tommy se refiere a la pistola como una “máquina de escribir” cuando la ve por primera vez.
Otro nombre para una ametralladora era “máquina de escribir de Chicago”
Y es que Scarface está repleto de pequeños y grandes detalles visuales como constantes elipsis, la espléndida solución narrativa en la primera escena de la película, hallazgos narrativos como el encendido de una cerilla en la estrella de la policía, la utilización de los muros de metal del domicilio del protagonista... pero hay un uso destacado de la figura X que inclusive Martin Scorsese la rescataría para su oscarizada “The Departed” (2006)
Sobre el final:
La relación entre Tony y su hermana es algo rara... y no se entiende muy bien la actitud de su hermana al final, protegiendo a su hermano después de haberse deshecho éste de su novio, el segundo de Muni, y que quería a su hermana, de hecho creo recordar que estaba esperando un hijo suyo…
Tony es un hombre violento que piensa en proteger a su familia por encima de todo y de todos.
La hermana simplemente considera que él es “sangre de su sangre” y a Guino lo conoció en la calle, por mucho que le duela…
Es una actitud muy en la línea mafiosa, que se ve también en “The Godfather” por ejemplo, con Michael ordenando la muerte de su cuñado, y su hermana cuidando de él, fiel hasta el final de sus días.
Es más, cuando Michael se confiesa ante el sacerdote en un momento de debilidad, viejo y enfermo, sólo siente en el peso de su conciencia el asesinato del hijo de su madre, su hermano, su sangre, los demás cadáveres no le importan.
Si algo se le puede achacar a Scarface es:
La sensación de impunidad de los asesinatos, aunque hemos de tener en cuenta que Al Capone no fue arrestado por sus crímenes sino por evasión de impuestos, al tiempo que nadie se atrevía o sobrevivía para testificar… sobre el personaje de la madre, resulta poco creíble, como salida de una película de cine mudo…
La figura del secretario no aporta nada a la historia y tampoco introduce un elemento humorístico a pesar de su patetismo; y los últimos 10 minutos de película, el giro final en que la hermana pasa de querer matar al asesino de su marido a unirse a él como si fueran 2 enamorados, chirría bastante.
Por último, debido al entorno urbano de la película, la música no diegética, es decir, no visible en la pantalla o implícita en estar presente en la historia no se usó en la película.
La única música que aparece es durante los créditos de apertura y cierre y durante las escenas donde la música aparece naturalmente en la acción de la película, como en el club nocturno.
Adolf Tandler fue el director musical de la película, mientras que Gus Arnheim fue el director de la Orquesta Cocoanut Grove que interpretan “Saint Louis Blues” de W.C. Handy y “Some of These Days” de Shelton Brooks en el club nocturno; así como el sexteto de la popular ópera de Gaetano Donizetti, “Lucia di Lammermoor”
La misma tonalidad es utilizada en el film de Scorsese, la oscarizada “The Departed” (2006) donde el jefe criminal se apellida Costello, similar al filme en cuestión; así como Fritz Lang en su espléndida “M” utilizaba el silbido del asesino para avisar de su presencia.
También está la canción que Cesca canta mientras toca el piano, es “Wreck of the Old 97”
“Do it first, do it yourself, and keep on doing it”
Viendo Scarface: The Shame Of The Nation después de haber visto todas las películas grandes del género mafioso, uno tiene una sensación de “deja vu” constante, pues todas las cintas del género beben descaradamente de aquí:
Coppola, de Palma, Scorsese… no pueden disimular que vieron Scarface: The Shame Of The Nation un montón de veces, ya que todos comparten esa fascinación por el personaje del mafioso, ese retrato mítico que hace que un ser que debería ser repulsivo por sus crímenes nos fascine, y la policía que lo intenta evitar nos parezca como poco antipática.
De hecho, los académicos debaten si Scarface: The Shame Of The Nation clasifica como una película con significado histórico, o simplemente como una película de Hollywood de La Era del Gánster; por lo que a menudo se asocia con otras películas de crimen pre-codificadas lanzadas a principios de la década de 1930; sin embargo, Scarface: The Shame Of The Nation bien pudo haber influido en la vida real de los gánsteres 4 años después del lanzamiento de la película.
Por ejemplo, en 1936, Jack McGurn, que se creía responsable de La Masacre de San Valentín representada en la película, fue asesinado por sus rivales en una bolera… y a pesar de su falta de éxito en la taquilla, Scarface: The Shame Of The Nation fue una de las películas más discutidas de 1932 debido a su tema, su lucha y triunfo sobre las juntas de censura; por lo que es citado como el arquetipo del género de películas de gánsteres, porque estableció el estándar inicial para el género que continúa apareciendo en Hollywood.
Sin embargo, Scarface: The Shame Of The Nation fue la última de las 3 grandes películas de gánsteres de principios de la década de 1930, ya que la indignación por la violencia previa al Código causada por las 3 películas, provocó la creación de La Administración del Código de Producción en 1934.
Por su parte, Howard Hawks citó a Scarface como una de sus obras favoritas, siendo su motivo de orgullo en el manejo de la producción, pues llegó a encerrarla en sus bóvedas unos años después del lanzamiento, rechazando muchas ofertas rentables para distribuir la película o comprar sus derechos.
Fue hasta después de obtener los derechos de Scarface tras la muerte de Howard Hughes, que Brian de Palma lanzó una nueva versión de la película en 1983, con Al Pacino como Scarface, un filme que no copia plano por plano al materia original, sino que toma su discurso, el de un hombre violento sediento de poder y el costo de lo que conlleva, a su tiempo; siendo ambienta en el Miami contemporáneo, conocida ahora por su inclusión de la violencia gráfica y el lenguaje obsceno, considerado “tan violento y obsceno para la década de 1980”, donde el exiliado cubano y ambicioso recién llegado a Miami, ve la oportunidad de construir su propio imperio de drogas.
Pero tanto Paul Muni como Al Pacino dan versiones distintas de Scarface; sin embargo da la sensación de que la violencia surgida del primero es más patológica, como natural; mientras que del segundo parece producto de algo forjado y formado.
Además, la versión de 1983 tiene casi 1 hora más de duración que la de 1932, lo que le da oportunidad de profundizar relaciones como la de Tony y su mano derecha, Manny; o con su hermana, a la que de Palma le da un toque más incestuoso.
Como dato, en el DVD de 2003 Edición de Aniversario, se incluía una copia de su contraparte de 1932.
No es casual que al final de la película de 1983, aparece un título que dice:
“Esta película está dedicada a Howard Hawks y Ben Hecht” y aunque es raro para un remake, la versión de 1983 también fue aclamada por la crítica.
Así, retrospectivamente, Scarface: The Shame Of The Nation quedó como el exponente por excelencia del cine de gánsteres de los años 30s, como una obra violenta y cruda que más se beneficia de contar con un gran director que supo extraerle todo el potencial posible.
Howard Hawks de hecho calificaría siempre Scarface: The Shame Of The Nation como su película favorita, no solo por su contenido, sino por las circunstancias de su rodaje.
Era un filme que pudo rodar de forma independiente al margen de un gran estudio, y cuya complicada gestación implicó una larga y ardua lucha de él y Hughes contra aquellos que se oponían al proyecto.
Así, Scarface: The Shame Of The Nation no era solo el gran exponente del cine de gánsteres, sino que simbolizaba el triunfo de sus creadores contra La Censura.

“I'm gonna write my name all over this town with it, in big letters!”