The Other Side Of The Wind

“Cut!”

¿Cuánto tiempo lleva hacer una película de Hollywood?
La producción promedio dice que 871 días antes de ser llevada finalmente a los cines.
Una Preproducción toma días 146, La Fotografía Principal 106 días, y la Postproducción 301 días antes de que la película llegue a la gran pantalla.
Y si eres un fanático de las principales películas de Estudio de Hollywood, es posible que te hayas acostumbrado a tener que esperar mucho tiempo, entre la primera vez que escuchas sobre una nueva película… y cuando finalmente está en los cines.
En todas las películas de Estudio de Hollywood, el tiempo promedio entre el primer anuncio y la fecha de lanzamiento final, es de 871 días, o 2 años, 4 meses y 19 días.
Una vez que el dinero y las creatividades clave, normalmente director, productores y los pocos actores principales estén en su lugar, la película da banderazo de salida, y entrará en la Preproducción.
Durante la Preproducción, cada detalle del rodaje se investiga y planifica... “en teoría”; y la película promedio pasa 146 días en Preproducción.
Tal vez, como era de esperar, las películas de Fantasía tardan más en planear, unos 189 días, mientras que las películas románticas, son mucho más rápidas, de unos 92 días.
Una importante producción de Hollywood, tendría muchos equipos filmando imágenes para la película final; y cada equipo se denomina Unidad; por lo que hay varios tipos de Unidades, que incluyen:
La Unidad Principal, es la dirigida por el director de la película, e involucra a los principales actores de la película; escenas de diálogo, que casi siempre son filmadas por la unidad principal.
La Segunda Unidad es un equipo más pequeño, encargado de capturar tomas y elementos que no cuentan con los actores principales; y estos podrían incluir cortes, primeros planos de manos, establecer tomas, etc.; y estarán dirigidos por El Director de La Unidad, aunque en última instancia, están siguiendo la guía del Director Principal de la película.
La Unidad Modelo, es para las películas con miniaturas, efectos especiales y visuales.
Pero La Unidad de Efectos Especiales, dispara acrobacias, acción y elementos de efectos especiales como el viento y la lluvia.
La Unidad Aérea, se encarga de disparar desde el aire, que normalmente consiste en establecer tomas muy amplias de secuencias de acción.
La Unidad de Efectos Visuales, filma cosas que pueden necesitar durante la Postproducción, como platos y elementos.
Se pueden usar otras Unidades cuando se trata de equipos especializados, como filmaciones submarinas.
Y una vez que finaliza el rodaje principal, se puede volver a llamar a los actores principales para que tomen más grabaciones con el fin de capturar tomas, escenas perdidas; o para agregar tomas o escenas nuevas.
De esa manera se dice que cuando se comienza a filmar La Unidad Principal, se llama “Fotografía Principal”
En todas las películas, por lo general, la duración promedio de La Fotografía Principal es de 106 días, y 3 meses y medio.
La relación entre el número de días dedicados a la planificación del rodaje y el rodaje en realidad, es similar para la mayoría de los géneros.
Una breve advertencia; no se sabe qué tienen Los Estudios cuando comienzan oficialmente “La Preproducción”, por lo que es posible que esta regla empírica no funcione para películas que no sean de Estudio.
Una vez que una película ha completado La Fotografía Principal, La Postproducción puede comenzar en serio:
La película se edita, el sonido se crea y se corta, se agrega música, se completan los efectos visuales, la película se clasifica y se mezcla; y luego se prepara para su distribución.
Es difícil saber, cuándo termina realmente el período de Postproducción.
He escuchado a expertos de la industria, que las películas principales se han modificado pocos días antes del estreno, mientras que también es posible que algunas películas terminen La Postproducción, y se sienten en el estante esperando el espacio correcto en el calendario de distribución.
Por tanto, no podemos decir con certeza, cuánto tiempo lleva La Postproducción, solo cuánto tiempo transcurre desde que comienza, y cuando la película llega a los cines.
En todas las películas, este es un promedio de días de 301.
Cabe decir que el género de la película también tiene sus propios tiempos en las diferentes etapas de producción, que son diferentes entre sí.
Y puede haber algunas razones por las que Los Estudios quieran anunciar sus películas con años de anticipación; una de las principales razones, es señalar su intención de competir con otros Estudios; y esto puede ayudarles a asegurar una ranura de lanzamiento principal en el calendario, o asegurarse de que no haya competencia para el tema de su película.
¿Pero por qué hubo filmes que cumplieron estas etapas, y no lograron estrenarse?
El ejemplo más reciente es el filme “The Other Side Of The Wind”
Todo comenzó con la pérdida confianza de Orson Welles en la autoproducción, que significó que muchos de sus proyectos posteriores, se filmaron poco a poco o no se completaron.
Después de su muerte en 1985, Welles dejó tras de sí, 3 obras maestras terminadas, y una considerable cantidad de películas incompletas o malogradas; y algunas, nunca estuvieron terminadas como “Don Quixote”, “The Merchant of Venice” cuyo parte del material se perdió… y “The Other Side Of The Wind”
De esa manera, decepcionado con El Sistema de Estudios de Hollywood, en el periodo posterior de su vida, Welles autofinanciaba sus propias películas.
Esto implicaba que debía trabajar como actor para conseguir dinero, y posteriormente grabar algunas secuencias de su próximo proyecto, hasta que los fondos aguantaran, para posteriormente volver a trabajar.
Esto tenía la gran ventaja de la total libertad creativa, pero el lastre del bajo presupuesto, y la dificultad de amarrar a los mismos actores durante tanto tiempo, le cobrara factura.
Sin embargo, en la mayor parte de los casos, los resultados son notables, tomando en cuenta las circunstancias; y “The Other Side Of The Wind” fue el último proyecto independiente, en el que trabajó como director, que siempre tuvo una fuerte vena autobiográfica en las historias que elegía, pero que nunca fue tan evidente como aquí.
“If the audience can't get it then what's the point of even going to the movie?”
The Other Side Of The Wind es un drama francés, del año 2018, dirigido por Orson Welles.
Protagonizado por John Huston, Robert Random, Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Oja Kodar, Joseph McBride, Lilli Palmer, Edmond O'Brien, Mercedes McCambridge, Cameron Mitchell, Paul Stewart, Peter Jason, Tonio Selwart, Howard Grossman, Geoffrey Land, Norman Foster, Dennis Hopper, Gregory Sierra, Benny Rubin, Cathy Luvas, Dan Tobin, George Jessel, Richard Wilson, Claude Chabrol, Stéphane Audran, Henry Jaglom, Paul Mazursky, entre otros.
El guión es de Orson Welles y Oja Kodar.
Para 1970, Welles tenía 55 años, y había pasado de “ser el joven prodigio que a los 25 había fascinado al mundo con su ópera prima “Citizen Kane”, a ser considerado por Los Estudios de Hollywood, como un artista loco, despótico, intratable, en el que no se podía confiar”
Y tras varios fracasos, el realizador se exilió en Europa, donde todavía se lo veneraba como un autor.
En el panorama, a fines de la década del 60, comenzó a surgir lo que se conoció como “El Nuevo Hollywood”, y varios directores como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Dennis Hopper y Brian De Palma, comenzaron a tomar poder; y Welles era para todos ellos, algo así como “un profeta, un mito viviente”
Orson pensó, que era el momento de volver; y así, aportando dinero propio, y luego recaudando fondos de productores iraníes y españoles, comenzó a rodar The Other Side Of The Wind.
Fueron 5 años intensos, delirantes, y como ocurriera con varios otros de sus proyectos, todo terminó en un juicio y con las latas, más de 100 horas de imágenes en color, y blanco y negro, capturadas en 35 y 16 milímetros, en una caja fuerte en París.
En 1985, Welles murió, pero dejó varias partes terminadas, y un sinnúmero de anotaciones, guiones detallados, e indicaciones a sus colaboradores.
The Other Side Of The Wind, trata sobre la producción cinematográfica, y la estructura tiene 2 dimensiones que conviven todo el tiempo:
Por un lado, es una apuesta de “cine dentro del cine”, algo así como un documental sobre la trastienda de un rodaje; y sobre las fiestas llenas de excesos de la comunidad cinematográfica; pero lo interesante es que esta fue la última película de Welles, que tuvo el tiempo de producción más largo de la historia del cine hasta entonces, nada menos que 48 años.
La película nunca se completó, debido a problemas financieros; pues uno de era el cuñado del líder iraní, Shah Mohammad Reza Pahlavi… no fue hasta el 2004, que el amigo de Welles, Peter Bogdanovich, dijo que aún había esperanzas de que la película se terminara pronto.
En 2014, Royal Road adquirió los derechos, y el proyecto fue supervisado por Bogdanovich y el productor, Frank Marshall; y en marzo de 2017, se anunció que el gigante de “streaming” NETFLIX, había comprado los derechos, y planeaba trabajar las 24 horas para terminarla como Welles hubiera querido.
Por su parte, Peter Bogdanovich anunció que se había logrado un gran avance en la obtención del material filmado original, y que estaba trabajando para completar la película, cumpliendo con suerte, una promesa que hizo a Orson Welles para completar la película.
De hecho, el hijo de John Huston, Danny Huston, repasó algunos de los diálogos de su padre en la postproducción de 2018 para el lanzamiento final de la película.
Pero la producción no es de Hollywood, es francesa, y contó con un presupuesto inicial de $2 millones en 1970; unos $12,997.216 para 2018; y con fondos de finalización de $6 millones para 2018; y como “agradecimiento especial por apoyar nuestra campaña de financiación colectiva” nota que se dice cerca del final de los créditos, incluye a varios directores de cine conocidos, entre ellos:
Edgar Wright, Wes Anderson, Noah Baumbach, Brett Ratner J.J. Abrams, y Sofía Coppola.
El reparto de la película, incluye 4 ganadores del Oscar:
John Huston, Mercedes McCambridge, Edmond O'Brien y Cameron Crowe; y 5 nominados al Oscar:
Dennis Hopper, Peter Bogdanovich, Frank Marshall, Paul Mazursky y Natalie Wood.
Al menos, ¼ parte del reparto ha muerto en las 5 décadas entre la producción y el estreno de la película; y el miembro del reparto más antiguo, George Jessel, nació hace 120 años…
La película finalmente tuvo su estreno mundial en El 75º Festival Internacional de Cine de Venecia, el 31 de agosto de 2018; y fue estrenada el 2 de noviembre de 2018 por NETFLIX, con elogios de la crítica.
Según se informa, La Fotografía Principal se completó, y solo se necesitó de la edición de postproducción.
Y cuando se lanzó el negativo para editar finalmente la película en 2017, había 1.083 elementos de película que debían ser completamente inventariados.
De esa manera, la cronología de la producción es la siguiente:
La película fue filmada entre 1970 y 1976.
El 17 de agosto de 1970, comienzan los disparos en Los Ángeles; el 30 de agosto de 1970, Comienza La Fotografía Principal en Los Ángeles, “con escenas dentro de una película”
De septiembre a fines de diciembre de 1970, el rodaje y la edición continúan en Los Ángeles, incluso en la parte de atrás del Estudio MGM, en Century City, “con escenas de película dentro de una película”, y “escenas de automóviles”
En 1971, 4 meses de filmación tuvieron lugar en Carefree, Arizona; y luego en Beverly Hills, “con escenas de fiesta”
A finales de 1971 y 1972; hubo una interrupción en la filmación, debido a los problemas de impuestos recurrentes de Welles, después de una nueva auditoría del Servicio de Impuestos Internos de EEUU (IRS); por lo que Welles se dedica a recaudar fondos trabajando en otros proyectos, incluido “F for Fake”, que está hecho para la productora iraní-francesa, Les Films de l'Astrophore, con el dinero iraní proporcionado por Mehdi Boushehri, y la participación del productor francés, Dominique Antoine.
Y para la finalización de The Other Side Of The Wind, Welles obtiene fondos a través de un acuerdo a 3 bandas, con 1/3 de los fondos recaudados por él mismo; 1/3 de Boushehri a través de Les Films de l'Astrophore; y el otro 1/3 del productor español, Andrés Vicente. Gómez.
A principios de 1973, Welles y Kodar quedaron varados por las inundaciones en Madrid durante 3 meses, mientras negociaban con Gómez por fondos. Eventualmente se mudan a París…
En junio, y a mediados de septiembre de 1973, tuvo lugar el rodaje en Orvilliers y París, “con escenas de fiesta”
En enero y abril de 1974, John Huston es elegido para el papel principal, que ha estado vacante hasta ahora.
Las escenas de la fiesta, se filman en Southwestern Studio, y en una mansión privada en Carefree, Arizona.
En algún momento de 1974, alrededor de marzo, el productor Andrés Vicente Gómez, abandona el proyecto, luego de presuntamente malversar $250.000 de su presupuesto, y no haber contribuido con su 3ª parte prometida del presupuesto.
Finalmente, la mayor parte del presupuesto pendiente, es presentado por Mehdi Boushehri, a través de Les Films de l'Astrophore, lo que lleva a disputas legales sobre si eran dueños del 33%, 50%, 67% u 80% de la película final.
Welles, también vierte más de su propio dinero en la película, incluido el dinero prestado de amigos, de los que Peter Bogdanovich puso $500.000
En agosto de 1974, ruedan en Orvilliers, “la escena del coche”
De noviembre a diciembre de 1974, tiene lugar la edición en París y Roma.
De febrero a junio de 1975, tiene lugar la filmación en la casa de Peter Bogdanovich en Beverly Hills, “con escenas de fiesta”
De setiembre de 1975, a enero de 1976, más edición en Beverly Hills; y en enero de 1976, La Fotografía Principal es terminada.
Como dato, gran parte de la escena de la fiesta, se filmó en 1974 en La Etapa 1, en Southwestern Studio en Carefree, Arizona, un suburbio de Phoenix, donde Welles usó el juego de sala y los muebles diseñados para “The New Dick Van Dyke Show”, que permanecieron en pie cuando el programa salió de Southwestern Studio para regresar a CBS en Hollywood.
Y el Southwestern Studio fue demolido en 1999.
Otras escenas de la fiesta, se rodaron en 1974 en una mansión privada entre las colinas de Carefree, cerca del Estudio, que fue alquilada por Welles, y utilizada por otros miembros de la residencia de la compañía durante el rodaje.
La casa opuesta en la misma calle, se usó en la película “Zabriskie Point” (1970) de Michelangelo Antonioni.
No es casual que “la película dentro de la película”, está satirizando esa película.
También se filmaron más escenas de la fiesta en la propia casa de Bogdanovich en Beverly Hills, donde Welles se quedó durante más de 2 años, de 1974 a 1976, después de que los problemas financieros de la película significaron que el equipo ya no podía seguir alquilando el estudio y la mansión de Arizona.
Otras escenas fueron filmadas en Reseda, donde las escenas del “drive-in” se filmaron en el mismo lugar que el punto culminante de los objetivos de Bogdanovich, Culver City, donde los rascacielos forman el telón de fondo de algunas de las películas del personaje principal; en Connecticut, Francia, en casa de Welles; Los Países Bajos, Inglaterra, España, Bélgica, y el parque trasero del estudio Metro Goldwyn Mayer en Hollywood.
Las escenas rodadas allí, son las tomas exteriores vistas “en la película dentro de la película”, fotografiadas sin el permiso de MGM, por lo que Welles llevó de contrabando en la parte trasera en una camioneta oscura, mientras que el resto del elenco y el equipo, fingieron ser un grupo de estudiantes de cine que visitaban el estudio.
La tripulación, no confiaba en poder volver a tener acceso al área trasera de nuevo, por lo que filmó todo durante un fin de semana largo, alimentados con anfetaminas, sin dormir.
El lote trasero, que estaba seriamente deteriorado, fue demolido poco después, y solo se rodó allí una película más:
“That's Entertainment!” (1974)
Como miembro del reparto, el historiador del cine Joseph McBride, vio los primeros cortes, y más tarde vio un corte en bruto de 2 horas, montado por Gary Graver a fines de la década de 1990, para atraer potenciales inversionistas.
McBride escribió, que “la película sirve como una cápsula del tiempo de un momento crucial en la historia del cine; una pieza instantánea de nostalgia del período a principios de los años 70, y una meditación sobre el cambio de las actitudes políticas, sexuales y artísticas en los Estados Unidos durante ese período”
Pero se criticó que poco o nada sucede en muchas secuencias, pero los exteriores son expresivamente bien iluminados, imágenes bellamente grabadas, y hay una asombrosa magia fotográfica, como una secuencia filmada entre los rascacielos de Century City, con imágenes de los 2 personajes que se desvanecen en 10 espejos dispuestos de manera invisible entre los escalones de piedra y las columnas de vidrio de la oficina moderna, de manera geométrica.
Sin embargo, en el primer plano ensamblado por Graver para mostrar a los posibles inversionistas, las secuencias “de la película dentro de la película” no solo interrumpen la narrativa, sino que también continúan a tal punto que pierden su punto satírico, convirtiéndose en ejemplos exasperantes de lo que Welles estaba tratando de falsificar.
Por su parte, John Huston describió una proyección privada en la que Orson Welles mostró la película inacabada a algunos amigos:
“No pude verla, pero aquellos que sí, me dijeron que es un nocaut”
Andrés Vicente Gómez, quien originalmente estuvo involucrado en la producción de la película, ha sido citado en la prensa, declarando que su oposición a la película si se completara alguna vez; “sería un acto de traición”
Su argumento es que la película siempre fue improbable que terminara, porque la condición física de Welles era delicada.
“No tenía la energía para cortarla”
Sin embargo, como Gómez fue acusado por Orson Welles, Dominique Antoine, Peter Bogdanovich, Mehdi Boushehri y otros, de malversar $250.000 del presupuesto, y huir con los ingresos, tiene un fuerte motivo para querer que la película no alcance la atención del público.
Además, los enlaces de Gómez a la película, se cortaron en 1974; pero el rodaje no se terminó hasta 1976, que es cuando comenzó la mayor parte de la edición; por lo que Gómez no estaba en posición de saber si Welles estaba listo para editar, cuando realmente comenzó la edición.
La película propiamente dicha, se presenta en formatos 1.37: 1; mientras que “la película dentro de la película” está en 1.85: 1.
El director Rian Johnson dijo en abril de 2018, que había visto una edición de 117 minutos, sin la banda sonora de Michel Legrand, 2 veces, incluida una proyección en Santa Mónica, California, el 16 de enero de 2018 con Quentin Tarantino, Alexander Payne y otros VIP; quienes “estaban todos atónitos”
Finalmente, esta es la única película con clasificación R de Orson Welles; que a modo de documental, muestra la proyección de la última película de un director exiliado, los incidentes con el equipo de producción, y las vicisitudes que tuvieron.
El famoso e infame director de cine es J.J. Hannaford (John Huston), que muere en un accidente automovilístico; y estaba a punto de estrenar su última película, por lo que un equipo de cámara documental lo había estado siguiendo en los días previos a su muerte.
Así vemos los eventos que llevaron a su muerte, las carreras que Hannaford destruyó, los enemigos que hizo, y su última película:
“The Other Side Of The Wind”
Y es que Hannaford podría haber sido el mismo Welles, canoso y cansado, irónicamente divertido, desviando la atención de sus películas mientras torea a la prensa, y busca algo que no le pueden dar sus bellos actores…
Esa chispa olvidada, una alquimia incierta, que es la razón por la que todos los aficionados se apiñan en su fiesta, y fue en su tiempo, el fuego para avivar grandes empresas.
Allí llegan periodistas, fotógrafos, actores y productores, que lo siguen buscando, preguntan sobre él, filman sin cesar deseando que se aparezca, y solo consiguen un río uniforme de rostros desencantados, murmurando frases levemente inconexas.
Todo lo contrario sucede en esa “obra maestra” que ocupa el tiempo de Hannaford:
La película sobre una mujer desnuda que recorre tierras y espacios muertos, hermanándose a una naturaleza salvaje que la aleja continuamente del joven urbanita fascinado por su belleza, en una odisea eterna que desafía con sensualidad candente, el rígido sistema de tabúes y convenciones al que nos hemos atado.
El desierto nunca parece más vívido que resplandeciendo en su piel cobriza, su mirada nos hipnotiza para seguirla hasta el fin de nuestro mundo, y la vejez o decadencia, solo llena los destartalados edificios que atraviesa, nunca las juveniles almas que se encuentra.
Pero la película está inacabada… y hay que rodar más.
No tiene guión, y no sabemos qué va a pasar...
El filme se mete en el delirante entorno del cineasta protagonista, como una inmersión en un mar de egos, vacuidad, talento, frenesí, inseguridad y provocación; y el estilo de la película, de planos cortos y montaje frenético, atrapa al espectador y no le da respiro, en un producto refrescante en este momento, por lo que difiere del estilo visual que se practica hoy en día.
Y el guión nos mantiene inquietos, en una lucha sagaz de constante requiebro que con ingenio nos sitúa en una lucha de egos carismática y pícara, de diálogo vivo y matizado discurso artístico.
A decir verdad, el filme es impresionante desde el punto de vista técnico, desde los movimientos de cámara, encuadres muy audaces, el uso del color es realmente hermoso, que combina con el B/N en las secuencias actuales, y cuando hace cambios… el contraste es asombroso, llegando casi a lo psicodélico, pues el filme en cuestión, es uno erótico, con mucho palmito mostrado, pero rodado de manera muy artística y bella; y uno puede notar lo accidentado de su producción, ya que a lo largo del filme, la calidad de la imagen varía:
A veces está más granulada, y en ocasiones se encuentra increíblemente nítida, y lo mismo sucede con la calidad del sonido.
Es caótica y desordenada, no es una obra para todos los públicos, sino para aquellos a los que les interese la historia de la película, o del arquitecto que ayudó a que fuese tan impresionante.
Creo sinceramente, que muchos de los grandes artistas y directores de cine, vieron los cortes de este film que hasta ahora se completó, para realizar sus propias obras maestras.
Directores como David Lynch, o artistas como Michael Jackson, hasta filmes como “The Matrix”…
Todo está aquí, en el canto de cisne de un visionario.
Entonces, a pesar de la historia… el filme es obra maestra de la técnica, porque aquí se constata que, decir obra maestra y Welles, es redundante.
“Studying a man like Jake Hannaford, that's an experience.
Don't you miss it”
La historia de The Other Side Of The Wind, es una de las tantas películas inacabadas de Welles, no es tan conocida como debiera serlo, y este magistral trabajo de reconstrucción y rescate, logra a la vez que veamos algo bastante parecido a lo que quiso estrenar el realizador y, en paralelo, nos enteremos de los entretelones que llevaron a que ésta bastante autobiográfica y radical película se perdiera, literalmente, “al otro lado del viento”; porque es una historia que se agiganta a la luz de las particularidades del film, ya que al verlo, uno quiere saber más sobre su curiosa producción.
Y es cierto que hay miles de leyendas en la gran historia del cine acerca de muchas películas que no pudieron jamás terminarse, pero la propia factura de The Other Side Of The Wind, una película también centrada en un film inacabado en la ficción, hacen que los secretos y mentiras que esconde esta producción, sean doblemente apetecibles.
The Other Side Of The Wind fue estrenado finalmente en 2018, después de más de 40 años en desarrollo; pues el rodaje de la película comenzó en 1970, después del regreso de Welles a América, tras 2 décadas de vivir en el extranjero, y se reanudó hasta 1976.
Welles continuó trabajando intermitentemente en el proyecto, hasta la década de 1980, pero se vio involucrado en asuntos legales, financieros, y las complicaciones políticas que impidieron que se completara.
Aquí, Welles utilizó una narrativa de “película dentro de una película” que sigue el último día en la vida de un director de cine envejecido de Hollywood, mientras organiza una fiesta de proyección para su último proyecto sin terminar.
La película se filmó en un estilo ficticio, no convencional, con un enfoque de corte rápido con imágenes en color, y en blanco y negro; y fue pensado como una sátira tanto del paso del Hollywood clásico, como de los cineastas de vanguardia de Europa y El Nuevo Hollywood de la década de 1970.
Filmada durante muchos años en muchos lugares, la película tuvo muchos miembros de la tripulación, algunos de los cuales pueden ser difíciles de determinar; y la siguiente lista del personal, también contiene las ubicaciones donde trabajaron; al tiempo que los miembros de la tripulación, a menudo realizaban múltiples tareas, por lo que es difícil definir los distintos roles; y finalmente, como curiosidad, muchos se especializaron en las ramas destacadas aquí:
Orson Welles, Director, Operador de Cámara a lo largo de toda la película.
Gary Graver, Director de Fotografía, Operador de Cámara a lo largo de toda la película.
Bill Weaver, Operador de Cámara para Arizona; fue el coinventor, con Robert Steadman, de los soportes de cámara de 2 y 3 ejes de Weaver-Steadman, de cabeza fluida equilibrada, ampliamente utilizados en las producciones de Hollywood.
Peter Jason, Asistente de Producción, Asistente de Cámara en Arizona; era principalmente un actor en la película, pero también programó escenas para el departamento de cámaras.
Neil Canton, Asistente de Producción para Arizona.
Frank Marshall, Gerente de Producción de La Unidad, Contador de Producción para Arizona.
Rick Waltzer, Asistente de Producción y Asistente de Cámara en Arizona.
Larry Jackson, “Grip” en Arizona; y también actuó en la película como El Director del Equipo de filmación documental, siguiendo a Jake Hannaford.
Polly Platt, Dirección Artística, para la película de Hannaford, y escenas de automóviles de Los Ángeles.
Bill Shepherd, Grip (Arizona)
Ruth Hasty, Supervisora de Postproducción de Hollywood; que se unió a la producción en 2014.
Bob Murawski, Editor, se unió a la producción en 2017.
Vincent Marich, Diseñador de Vestuario en Los Ángeles.
Pero cabe señalar que la película tiene una historia de producción problemática, al igual que muchas de las películas financiadas personalmente por Welles, el proyecto se filmó y editó de vez en cuando, durante varios años.
El proyecto evolucionó a partir de una idea que Welles tuvo en 1961, después del suicidio de Ernest Hemingway.
Welles había conocido a Hemingway desde 1937, y se inspiró para escribir un guión sobre un anciano entusiasta de las corridas de toros, que es aficionado a un joven torero…
No surgió nada del proyecto por un tiempo, pero el trabajo sobre el guión se reanudó en España en 1966, justo después de que Welles completara “Chimes at Midnight”
Los primeros borradores se titularon “Bestias Sagradas” y convirtieron al entusiasta de las corridas de toros, en un director de cine.
En un banquete de 1966, para recaudar fondos para el proyecto, Welles le dijo a un grupo de posibles financieros:
“Nuestra historia es sobre un pseudo-Hemingway, un director de cine.
Es un duro director de cine que ha matado a 3 o 4 extras en cada película... pero está lleno de encanto.
Todo el mundo piensa que es genial.
En nuestra historia, anda por ahí siguiendo a un torero, y viviendo a través de él... pero se obsesiona con este joven que se ha convertido en su propio sueño de sí mismo.
Ha sido rechazado por todos sus viejos amigos… y finalmente se le ha mostrado ser una especie de “voyeur”, un tipo que vive del peligro y la muerte de otras personas”
Welles describió el estilo poco convencional de la película a Peter Bogdanovich durante una entrevista en el set:
“Voy a usar varias voces para contar la historia.
Escucharás conversaciones grabadas como entrevistas, y verás escenas muy diferentes pasando al mismo tiempo.
La gente está escribiendo un libro sobre él, libros diferentes, documentales… fotos fijas, películas, cintas.
Todos estos serán testigos; y la película estará compuesta de toda esta materia prima.
Puedes imaginarte lo atrevido que puede ser el corte, y lo divertido que será”
A lo que Peter preguntó:
“¿Has escrito un guión?”
Welles respondió:
“4 de ellos, pero la mayor parte tiene que ser improvisada.
He trabajado en ello durante tantos años que si yo fuera un novelista del siglo XIX, habría escrito una novela en 3 volúmenes.
Sé todo lo que le pasó a ese hombre, su familia, de donde viene, todo; más de lo que nunca podría intentar poner en una película.
Su familia, cómo competían con Los Kennedy y Los Kelly para salir del departamento irlandés de cortinas de encaje.
Amo a este hombre, y lo odio”
Y John Huston confirmó que la película se fotografió en un estilo muy poco convencional:
“Es a través de estas diversas cámaras que se cuenta la historia.
Los cambios de una a otra, color, blanco y negro, inmóvil y conmovedor; están hechos para una deslumbrante variedad de efectos”
Añadió que La Fotografía Principal era altamente improvisada, y que el guión solo se respetaba.
En un momento dado, Welles le dijo:
“John, simplemente lee las líneas u olvídalo, y di lo que quieras.
La idea es todo lo que importa”
Además del montaje herméticamente editado de diferentes estilos para la película principal, “la película de Hannaford, dentro de la película” fue fotografiada en un estilo completamente diferente, a un ritmo mucho más lento, como pastiche de Antonioni.
Welles dijo en ese momento:
“Hay una película con la película que hice en 1970 a 1971, con mi propio dinero.
Es el intento del anciano, por hacer una especie de película de contracultura, en un estilo surrealista y de ensueño, algo de eso en la sala de proyección del director, parte de un “drive-in” cuando se rompe.
Es alrededor del 50% de toda la película.
No es el tipo de película que quisiera hacer, he inventado un estilo para ello”
En 1972, Welles dijo que la filmación estaba 96% completa, lo que parece haber sido una exageración, ya que muchas de las escenas clave de la película, no fueron filmadas hasta 1973 o 1975, aunque fue literalmente cierto que The Other Side Of The Wind, “la película dentro de la película”, se completó en esa etapa; y en enero de 1976, se completó la última escena de La Fotografía Principal.
Cuando Welles regresó a los Estados Unidos a fines de la década de 1960, la configuración del guión cambió; y la fotografía de La Segunda Unidad comenzó en agosto de 1970.
La Fotografía Principal inició de 1970 a 1971, y se centró en “la película de Hannaford, dentro de una película”
Welles, inicialmente no estaba seguro de a quién elegir como director de la película, y si debía interpretar el papel él mismo, y finalmente se decidió en 1974 por su amigo, el actor y director John Huston.
Las pocas escenas de la fiesta tomadas antes de 1974, fueron filmadas sin Huston, y a menudo contenían solo un lado de una conversación, con el lado de Huston filmado varios años después, y destinado a ser editado en la secuencia anterior.
El rodaje se detuvo a fines de 1971, cuando el gobierno de los Estados Unidos decidió que la empresa europea de Welles, era una sociedad de cartera, no una compañía de producción, y le presentó retrospectivamente una gran cuenta de impuestos.
Welles tuvo que trabajar en muchos otros proyectos para pagar esta deuda, y la filmación no se pudo reanudar hasta 1973.
Durante ese tiempo, Welles actuó en varios otros proyectos para recaudar fondos, y obtuvo financiamiento adicional en Francia, Irán y España.
Algunas escenas se rodaron de forma intermitente en 1973, cuando el reparto estaba disponible, como en las escenas de Lilli Palmer, todas tomadas en España sin ningún otro reparto presente; pero el bloque de producción principal de la película, no comenzó hasta principios de 1974, cuando ocurrió el mayor tiroteo de la fiesta en Arizona.
La filmación se reanudó durante 4 meses intensivos de producción, de enero a abril de 1974, cuando se rodaron la mayoría de las escenas de la fiesta, pero La Fotografía Principal se vio socavada por graves problemas financieros, incluida la malversación por parte de uno de los inversores, que huyó con gran parte del presupuesto de la película; de hecho se comprobó que ese inversionista nunca tuvo dinero propio para invertir en primer lugar...
Además de la acusación de malversación de fondos, Welles también dijo lo mismo de Andrés Vicente Gómez:
“Mi productor español nunca pagó la factura de mi hotel durante los 3 meses que me mantuvo esperando en Madrid el dinero para The Other Side Of The Wind.
Así que “tengo miedo de estar en Madrid.
Sé que van a perseguirme”
Gómez respondió a estas acusaciones en una memoria de 2001, reproducida posteriormente en el sitio web de su compañía:
“En cuanto al final de mi relación con Orson Welles, se contaron algunas mentiras, aunque él me aseguró que no procedían de él.
Por consiguiente, no quiero entrar en ese tema.
No creo que sea relevante mencionar los detalles de nuestra separación, considerando que nuestra relación siempre fue educada y amistosa, y que tuvimos momentos y experiencias maravillosos juntos.
Sin embargo, debo dejar claro que si abandoné el proyecto, no lo hice por razones financieras.
Mi acuerdo con Welles, escrito y firmado por él, contemplaba mi trabajo como productor, no como inversor.
Ciertas personas que estaban cerca de Welles, y parte de su círculo íntimo, las mismas que están arruinando sus obras, y ganándose la vida con ellas, trataron de justificar sus dificultades vinculándolas con el hecho de que me retiré.
Incluso han llegado al punto de decir que me he guardado parte del dinero iraní, que en realidad nunca existió, más allá de los fondos que se gastaron de manera apropiada”
En 1976 y 1977, Coopers y Lybrand auditaron tanto a Astrophore, la productora de Gómez, como a la producción de Welles; y en cada informe, los auditores declararon que Avenel, la compañía de producción de Welles y Kodar, había firmado un acuerdo el 3 de agosto de 1973 con la compañía del productor, y con Astrophore, según el cual, el interés de Orson y Oja en la película, era de $750.000, mientras que los iraníes y cada compañía productora asociada, estaba obligada a proporcionar $150.000 para completar la película.
Las auditorías repiten la acusación, de que el productor malversó el dinero que se suponía debía transmitirse a Orson.
De hecho, La Oficina del Fiscal del Condado de Maricopa, en Arizona, presentó cargos penales contra Gómez, y emitió una orden de detención en caso de que regrese a los Estados Unidos.
Con los crecientes problemas financieros de la película, después de la desaparición de Gómez en marzo de 1974, y la desaparición simultánea de muchos de los fondos, Welles tuvo que abandonar el rodaje de Arizona en abril de 1974, antes de que pudiera completar todas las fotografías principales.
En particular, aunque había filmado 7 semanas de imágenes con Rich Little en uno de los papeles principales, el re-casting de Peter Bogdanovich en el papel, significaba que muchas de las escenas clave de la película, debían ser filmadas nuevamente.
En consecuencia, en 1974, Welles se mudó a la mansión de Bogdanovich en Beverly Hills, donde vivió de forma intermitente durante los próximos años, y donde filmó más escenas de fiestas, hasta que finalmente La Fotografía Principal terminó en enero de 1976.
Pero en febrero de 1975, a Welles se le otorgó el premio AFI Lifetime Achievement, y usó la ceremonia repleta de estrellas, como una oportunidad para pedir fondos para completar la película.
Con un toque de ironía, una de las escenas en las que mostró a su público, presentaba a Hannaford proyectando un corte de su última película a un jefe de estudio, en una apuesta “por dinero final para completar su película”
Efectivamente, un productor hizo lo que Welles más tarde llamó “una oferta maravillosa”, pero Antoine lo rechazó, suponiendo que llegaría una oferta aún mejor.
No hubo tal oferta… y Welles más tarde lamentó amargamente la negativa, comentando antes de su muerte, que si la hubiera aceptado “la película ya se habría terminado y estrenado”
Welles estimó, que la edición de la película en un estilo distintivo y experimental, llevaría aproximadamente 1 año de trabajo a tiempo completo, que fue el tiempo que había pasado en la edición experimental, cortada rápidamente de su anterior película completa, “F for Fake”, y la película habría promediado aproximadamente una edición por segundo, y habría durado alrededor de media hora más.
En “F for Fake”, Welles había usado 3 películas separadas, dispuestas una al lado de la otra, para editar simultáneamente la película.
Él mismo realizaría los cortes al negativo, luego dejaría un asistente de edición en cada moviola para completar la edición mientras se movía a la siguiente moviola para comenzar la próxima edición.
The Other Side Of The Wind, requería una edición aún más complicada, y Welles alineó 5 películas en un semicírculo alrededor de una mesa, con un grupo de asistentes para ayudarlo.
Pero un cambio de gestión en la compañía de producción iraní en 1975, provocó tensiones entre Welles y los inversionistas.
La nueva administración vio a Welles como una responsabilidad, y se negó a pagarle para editar la película.
La compañía hizo varios intentos para reducir la participación de Welles en las ganancias de la película, del 50% al 20% y, de manera crucial, intentó eliminar su control artístico sobre el corte final.
Welles hizo numerosos intentos de buscar un mayor respaldo financiero para pagarle, y para completar la edición a tiempo completo, incluido el intento de interesar a un patrocinador canadiense, pero no se materializó dicha financiación, por lo que Welles solo editó la película poco a poco, en su tiempo libre durante la próxima década; entre otras asignaciones de actuación, que el actor-director muy endeudado necesitaba para mantenerse a sí mismo.
Tras la muerte de Welles en 1985, se hicieron varios intentos para reconstruir la película sin terminar...
En 1979, 40 minutos de la película habían sido editados por Welles; pero en ese año, la película experimentó serias complicaciones legales y financieras.
El uso que Welles hizo de los fondos de Mehdi Boushehri, el cuñado del Shah de Irán, se convirtió en un problema después de que el Shah fue derrocado.
Se produjo una compleja batalla legal de décadas, sobre la propiedad de la película, con el negativo original restante en una bóveda en París.
Al principio, el gobierno revolucionario del ayatolá Jomeini tuvo la película confiscada, junto con todos los activos del régimen anterior.
Cuando consideraron que lo negativo no valía nada, hubo un extenso litigio sobre la propiedad de la película.
Y para 1998, muchos de los asuntos legales se habían resuelto, y la red de cable Showtime, había garantizado “el dinero final” para completar la película.
Sin embargo, las continuas complicaciones legales en la herencia de Welles y una demanda de la hija de Welles, Beatrice Welles, provocaron la suspensión del proyecto.
Cuando Welles murió en 1985, dejó muchos de sus bienes a su viuda separada, Paola Mori, y después de su propia muerte en 1986, estos fueron heredados por su hija, Beatrice Welles.
Sin embargo, también dejó varios otros activos, desde su casa en Los Ángeles hasta la propiedad y el control artístico de todos sus proyectos cinematográficos inconclusos, hasta su compañera de mucho tiempo, su amante y colaboradora, Oja Kodar, quien coescribió y coprotagonizó The Other Side Of The Wind.
Desde 1992, Beatrice Welles ha afirmado en varios tribunales que, según la ley de California, era propietaria de todas las fotografías completadas e incompletas de Orson Welles, incluidas las que él no poseía los derechos de él mismo en su propia vida, y The Other Side Of The Wind ha sido fuertemente afectado por este litigio.
Además, las cosas se han visto exacerbadas por la gran animosidad personal entre Oja Kodar y Beatrice Welles:
Beatrice culpa a Kodar por causar la ruptura del matrimonio de sus padres; mientras que Kodar culpa a Beatrice, por intentar bloquear la selección o la reedición de varios filmes de su padre, obras que incluyen “Citizen Kane”, “Othello”, “Touch of Evil”, “Chimes at Midnight” y “Filming Othello”
Y se dijo que Beatrice estaba motivada únicamente por el lucro en reclamar regalías de estas películas, y luego resolverse fuera de La Corte, ya que los estudios han estado dispuestos a evitar costosas batallas legales.
Una cláusula de la voluntad de Welles, que especifica que cualquier persona que impugne cualquier parte de la herencia de Kodar, quedará automáticamente desheredada, no se hará cumplir.
Kodar intentó que se aplicara en la década de 1990, pero no pudo pagar los honorarios legales cuando el caso se prolongó.
Aunque el negativo original de la película The Other Side Of The Wind permaneció durante mucho tiempo en una bóveda de París, 2 versiones en papel, de gran parte de las imágenes en bruto, era privadas:
Una por el director de fotografía de Welles, Gary Graver, quien filmó la película; y otra por el mismo Welles, que contrabandeaba un copia de París, después del inicio de las dificultades legales.
Welles dejó su propio ejemplar impreso a Kodar, como parte de la cláusula de su voluntad que le da todos sus materiales de la película sin terminar.
A Kodar se le puede ver visitando un almacén que contiene estos materiales en el documental Orson Welles, “One Man Band”
A lo largo de los años, hubo repetidos intentos de despejar los obstáculos legales restantes para la finalización de la película, y obtener la financiación necesaria.
Los más estrechamente involucrados en estos esfuerzos fueron:
Gary Graver, el director de fotografía de la película; Oja Kodar, como pareja y socia de Welles, coautora y coestrella de la película, y directora de una de sus secuencias, así como la titular de los derechos de autor del trabajo inacabado de Welles; el director Peter Bogdanovich, coprotagonista e inversor, aunque solo quiere la devolución de sus $500.000 en lugar de cualquier parte de las ganancias; el crítico de cine, Joseph McBride, que tiene un papel secundario en la película; y el productor de Hollywood, Frank Marshall, uno de cuyos primeros trabajos en el negocio del cine fue como Gerente de Producción en esta película.
Marshall, en particular, fue fundamental para lograr que varios estudios importantes a fines de la década de 1990, vieran un corte aproximado, aunque la mayoría de ellos fueron rechazados por los problemas legales de la película.
Antes de llegar a un acuerdo en 1998, Oja Kodar proyectó la primera parte de la película de Gary Graver, a varios directores famosos en los años 80 y 90, buscando su ayuda para completar la película, pero todos lo rechazaron por varias razones…
Estos incluían a John Huston, quien en ese momento tenía una enfermedad terminal con enfisema, y no podía respirar sin tubos de oxígeno; Steven Spielberg, Oliver Stone, Clint Eastwood y George Lucas.
Lucas, supuestamente dijo estar desconcertado por las imágenes, diciendo que “no sabía qué hacer con eso” y que era demasiado vanguardista para una audiencia comercial.
Posteriormente, Kodar acusó a Eastwood y Stone de plagio de la película, citando la actuación de Eastwood en “White Hunter Black Heart” (1990) como una copia de John Huston, incluida una línea de diálogo; y la adopción de Stone de la característica distintiva de corte rápido y estilo de cámara de la película para “JFK” (1991), “Nixon” (1995) y “Natural Born Killers” (1994).
Un punto de inflexión llegó en 1998, cuando Mehdi Boushehri cambió de opinión, y los creadores sobrevivientes de la película, le convencieron de que su mejor esperanza de recuperar su dinero, era ver la película estrenada.
Por tanto, comprometió sus reclamos anteriores de ser dueño de 2/3 de la película, y redujo la parte que reclamaba.
Esto resolvió varios de los problemas legales de la película.
Boushehri murió en 2006, pero sus herederos también aceptaron que la mejor esperanza de cualquier retorno de la inversión de Boushehri, era que la película fuera finalmente estrenada.
El acuerdo de 1998 con Boushehri, llevó a que la red, Showtime, presentara los fondos, hasta que la demanda de Beatrice Welles más tarde ese año estancó las cosas una vez más.
Peter Bogdanovich anunció en 2004, que planeaba restaurar la película, y lanzarla poco después.
Citó una conversación antes de la muerte de Welles, en la que “Orson me dijo:
“Si me pasa algo, te asegurarás de que termines, ¿verdad?”
Fue por supuesto un cumplido, y también un momento terrible.
Me presionó para que me diera cierta seguridad”
Sin embargo, persistieron los desafíos legales y los técnicos al replicar el estilo de edición vanguardista de Welles.
En 2006, Oja Kodar expresó su preocupación por el acuerdo propuesto que Beatrice Welles había hecho con Showtime para convertir la película en “un tipo de documental”, con la intención de nunca permitir que se estrenara como una película teatral completa.
Finalmente, se llegó a un nuevo acuerdo en 2007, en el que las 3 partes anteriormente involucradas:
Oja Kodar como heredera del trabajo inacabado de Welles; los herederos de Mehdi Boushehri, y Showtime Network; acordaron pagar a Beatrice Welles, una suma no revelada, y/o participación en los beneficios de la película.
En una aparición en El Festival de Cine de Florida, el 29 de marzo de 2007, Bogdanovich, en respuesta a una pregunta sobre el estado de la película, declaró que las 4 partes involucradas habían llegado a un acuerdo a principios de esa semana, y que la película se editaría y publicaría en un futuro muy próximo.
Bogdanovich también declaró el 2 de abril de 2007, que un acuerdo para completar la película estaba “terminado en un 99,9%”, con un estreno en salas de cine previsto para finales de 2008.
Luego hubo otras complicaciones en 2007, a través de la intervención de Paul Hunt… que trabajó en la película en la década de 1970 como productor de línea, editor asistente, operador de cámara asistente y “Gaffer”, y fue descrito por el hijo de Gary Graver, como “el tipo más extraño que jamás hayas conocido”
Kodar, se había acercado a él para ver si podía negociar un acuerdo, guiarlo sobre quién controlaba los derechos, y sugerir qué tipo de acuerdo aceptarían.
Junto con su socio productor, Sanford Horowitz, Hunt formó una compañía, “Horowitz Hunt LLC”, y en 3 meses firmó un contrato con Mehdi Boushehri, con la opción de adquirir los derechos de la película.
El 6 de agosto de 2007, Horowitz Hunt LLC presentó ante la oficina de derechos de autor de EEUU y Mehdi Boushehri, el acuerdo firmado para transferir los derechos de la película.
El objetivo de Horowitz y Hunt, era lanzar 2 versiones de The Other Side Of The Wind:
Una versión teatral completa, y otra versión incompleta, pero original de 42 minutos, que reflejaba la huella de Welles en el momento de su muerte.
En marzo de 2008, Bogdanovich dijo que faltaba más de 1 año de trabajo por hacer, y 1 mes más tarde, filmó la apertura de la bóveda de Los Ángeles, donde Oja Kodar había mantenido el material impreso de Welles, junto con otros materiales de película.
Sin embargo, el negativo original completo permaneció sellado en un almacén en Francia.
A lo largo del resto de 2008, se trabajó en el material de Los Ángeles.
En junio de 2008, Showtime Network creó un conjunto de edición en Los Ángeles, para iniciar la sesión preliminar de todo el material.
Bogdanovich dirigió personalmente el trabajo, Tim King fue el ejecutivo de Showtime a cargo de la postproducción, Sasha Welles, sobrino de Oja Kodar, trabajó en la producción como asistente de editor, y se anunciaron pasantías para que la gente trabajara en la catalogación de los materiales de la película.
Horowitz Hunt LLC, finalmente comenzó las negociaciones con Oja Kodar para adquirir sus derechos, pero no lograron llegar a un acuerdo con Kodar, cuando Beatrice Welles puso una orden de restricción al acceso a los negativos almacenados en el LTC Film Vault en París, al proclamar un reclamo de herencia, impidiendo así la apertura de la bóveda de París, que contiene las 96 horas completas de negativos originales, algunos de los cuales, ni siquiera había sido visto por Welles en su vida.
El abogado de Boushehri, se negó a enviar su documentación, anulando la reclamación de Beatrice, y por tanto, el proyecto se estancó una vez más.
Esto dio lugar al cierre de la edición Showtime, en diciembre de 2008, y finalmente puso el proyecto en espera.
En 2009, Showtime todavía estaba dispuesto a pagar por su finalización, pero querían asegurarse de que todos los materiales existieran.
El negativo aún residía en una bóveda en París, invisible desde la década de 1970, pero el permiso de todas las propiedades tenía que obtenerse antes de poder otorgar el acceso al negativo.
Bogdanovich declaró:
“Estamos apuntando a Cannes en 2010.
Todo el mundo quiere que suceda.
Es historia del cine.
Será algo para que finalmente se vea después de todos estos años”
En enero de 2010, Bogdanovich declaró que la película había sido examinada, y estaba en buenas condiciones, pero “Orson dejó ese lío con quién era dueño de qué”, y se preguntó si la edición de la película sería incluso posible.
Bogdanovich indicó, que el negativo original estaba en excelentes condiciones, y que la calidad de la imagen era muy superior a las impresiones de baja calidad que se veían en público hasta ahora.
En 2012, continuó diciendo que él mismo había examinado el material:
“Hemos visto las imágenes, y está genial.
Corté 2 escenas juntas que no se habían terminado.
Hay algunas escenas que Orson ya cortó juntas, y luego para las escenas que corté, él había elegido tomas pero no las había visto.
No los reuní.
Así que solo usamos sus tomas, y pude ver lo que él tenía en mente.
Es muy diferente a cualquier otra cosa que hizo, y es bastante extraño.
No creo que ninguno de nosotros sepa lo que es hasta que se haga.
No sé cuándo saldrá, pero creo que un día lo hará”
En enero de 2011, una vez más, un acuerdo legal estaba cerca, y que una liberación sería posible en un futuro cercano... sin embargo, Oja Kodar negó que este fuera el caso.
Paul Hunt murió en 2011; y ese mismo año, Sanford Horowitz, y el financiero John Nicholas, lanzaron una compañía llamada “Project Welles The Other Side LLC”, y el sitio web www.projectwelles.com para atraer capital adicional, y completar las negociaciones con Kodar y Beatrice Welles.
Su objetivo era presentar un resumen de los acontecimientos, hacer las paces con todos, presentar su cadena de títulos compilada por la firma de abogados Mitchell, Silberberg & Knuff; y obtener acceso a los negativos de películas almacenados en la cámara acorazada LTC en París.
Para 2011, todas las dificultades de derechos de autor se habían resuelto, teóricamente entre las partes respectivas; sin embargo, la red Showtime, que anteriormente se había comprometido a proporcionar fondos para el proyecto, se negó a especificar cuál sería el presupuesto.
Oja Kodar declaró, que no quería que se repitiera la debacle sobre “Don Quixote”, completado póstumamente por Welles, que fue censurado universalmente después de haber sido armado de manera barata, a partir de material incompleto y deteriorado, que fue editado de manera descuidada, mal doblado y, a menudo, incoherente.
Como tal, no concedería permiso para continuar, hasta que hubiera recibido garantías de que el proyecto se realizará de manera profesional, con un alto nivel y con un presupuesto adecuado.
En marzo de 2012, Matthew Duda, el ejecutivo de Showtime, que había promovido la financiación para The Other Side Of The Wind desde 1998, se retiró, y esto significó el final de la participación de Showtime en el proyecto.
Después de su retiro, Duda sostuvo que el mayor obstáculo para la finalización de la película, había sido Oja Kodar:
“Su precio siguió cambiando, ella seguía subiendo y subiendo, y luego dijo que habíamos saboteado su [oferta inexistente por más dinero”
Y es que a lo largo de los años, Oja había intentado conseguir posibles inversores, y luego se enfriaba cuando se cerrara el trato, siempre creyendo que algo mejor estaba a la vuelta de la esquina.
Aunque hubo obstáculos con Beatrice, Boushehri, Hunt y los innumerables factores que parecían una maldición, Oja había sido el mayor obstáculo de todos, impidiendo la finalización de The Other Side Of The Wind.
Con el retiro de Showtime, el productor Filip Jan Rymsza, intervino en lo que finalmente sería una oferta exitosa, que rompería el estancamiento de la película.
Rymsza, era propietario de la compañía de producción Royal Road Entertainment, con sede en Los Ángeles, y se había dado cuenta de la existencia de la película en 2009, y estaba cada vez más motivado para intentar diseñar su lanzamiento.
Muy pronto se asoció con el productor alemán, Jens Koethner Kaul, que ya había intentado acercarse a Kodar en las negociaciones; y a Frank Marshall.
El 28 de octubre de 2014, Royal Road Entertainment anunció que había negociado un acuerdo, con la ayuda de Marshall, y compraría los derechos para completar y lanzar The Other Side Of The Wind.
Bogdanovich y Marshall supervisarían la finalización de la película en Los Ángeles, con el objetivo de tenerla lista para su presentación el 6 de mayo de 2015, por El Centenario del nacimiento de Welles.
Royal Road Entertainment, y el productor alemán, Jens Koethner Kaul, adquirieron los derechos de Les Films de l'Astrophore, y del fallecido Mehdi Boushehri.
Llegaron a un acuerdo con Oja Kodar, quien heredó la propiedad de Welles de la película, y con Beatrice Welles, gerente de la herencia de Welles.
Y nuevamente, el 1 de mayo de 2015, se reveló que la película estaba lejos de completarse…
La postproducción se financiaría con los derechos de distribución de venta anticipada, pero en diciembre, algunos distribuidores potenciales solicitaron ver imágenes editadas del negativo, no del corte editado.
“La gente quiere ayudarnos, pero tienen que tomar una decisión comercial”, dijo el productor Frank Marshall.
“Primero les gustaría ver una secuencia editada, y creo que es una solicitud justa”, dijo.
Y se lanzó una campaña de financiación colectiva por 40 días, el 7 de mayo de 2015, en el sitio web de Indiegogo, con el objetivo de recaudar $2 millones para escaneo digital y edición.
Se anunciaron los planes para los 1.083 carretes de imágenes prístinas negativas que volaron de París a Los Ángeles, para la resolución y el escaneo en 4K de Affonso Gonçalves.
Los productores esperaban completar The Other Side Of The Wind en 2015, por El Centenario del nacimiento de Welles, pero no se identificó una fecha de lanzamiento específica.
Al señalar que la finalización de la película no debería estar motivada por una fecha límite, Marshall dijo:
“Todavía pensamos que lo lograremos este año”
La fecha límite de la campaña de Indiegogo se extendió a junio, y la meta se revisó a $1,000.000, después de que los inversionistas externos potenciales ofrecieran igualar esa cantidad.
Reconociendo que la campaña había tenido problemas, Marshall dijo que su objetivo es juntar los primeros 15 a 20 minutos de la película para ganarse a un distribuidor que ayudará a terminar la postproducción:
“No confían en el hecho de que él era este genio, y el tipo que hizo “Citizen Kane”, “Touch of Evil” y “The Magnificent Ambersons”, y podría haber una película fantástica allí”, dijo Marshall.
La campaña se cerró el 5 de julio de 2015, habiendo recaudado $406.405.
A finales de 2015, los esfuerzos para completar la película, se encontraban en un punto muerto.
El 5 de abril de 2016, Wellesnet anunció que NETFLIX había estado negociando durante meses, un acuerdo de 2 películas por un valor de $5 millones para la finalización de The Other Side Of The Wind, y un documental complementario.
El posible acuerdo, solicitó la aprobación de Oja Kodar para finalizarlo; y a mediados de marzo de 2017, se confirmó que NETFLIX distribuiría la película.
En marzo de 2017, el negativo original, junto con los diarios y otras imágenes, llegó a Los Ángeles, lo que permitió reanudar la postproducción.
Y en noviembre de 2017, se informó que varios miembros habían sido contratados para el equipo de postproducción, incluido Bob Murawski como editor, Scott Millan como mezclador de sonido, y Mo Henry como cortador.
En enero de 2018, se proyectó un corte de la película para un pequeño grupo selecto de asistentes, solo por invitación; y entre los presentes estaban:
El productor Filip Jan Rymsza, los directores Paul Thomas Anderson, Quentin Tarantino y Rian Johnson; los actores, Danny Huston, hijo de la estrella de la película, John Huston; y Crispin Glover y Peter Bogdanovich; Lou Race, Neil Canton y Peter Jason del equipo original.
En marzo de 2018, se anunció que Michel Legrand, que anteriormente había compuesto la partitura para la película “F for Fake” de Welles en 1973, proporcionó la partitura; que había estado trabajando en secreto en la película desde diciembre de 2017.
La grabación orquestal comenzó el 19 de marzo de 2018, en Bélgica, y continuó con un conjunto de jazz esa misma semana en París, aunque Legrand no pudo estar presente en las sesiones de grabación, ya que fue hospitalizado con neumonía.
Hablando de su trabajo en el proyecto, Legrand declaró:
“Me pregunté constantemente:
¿Cómo habría reaccionado Orson?
El tema mismo de la película me conmovió:
La idea del paso del tiempo, la renovación de la inspiración.
Me enorgullece ser el vínculo entre estas 2 películas de Welles, y lo tomo como un regalo de Orson”
De esa manera, la película comienza describiendo el último día de J.J. “Jake” Hannaford, un anciano director de Hollywood que murió en un accidente automovilístico en su 70° cumpleaños, con la narración de un anciano Brooks Otterlake (Peter Bogdanovich), que había sido protegido de Hannaford.
Justo antes de su muerte, Hannaford intentaba revivir su menguante carrera haciendo una película llamativa, cargada de escenas de sexo y violencia gratuitas, con resultados mixtos.
En el momento de la fiesta de Hannaford, esta película titulada “The Other Side Of The Wind” se ha quedado sin terminar, después de que su estrella masculina saliera del set, por razones que no fueron inmediatamente evidentes para el público; y se realiza una proyección de algunas partes incomprensibles de la película experimental inacabada de Hannaford, para atraer el dinero para finalizarla, con El Jefe del Estudio, Max David (Geoffrey Land)
El mismo Hannaford está ausente, y un miembro leal de su séquito, el ex niño estrella, Billy Boyle (Norman Foster), hace un intento inepto de describir de qué trata la película.
Posteriormente vemos varios grupos que se preparan para la fiesta de cumpleaños número 70 de Hannaford en un rancho de Arizona; y él llega con Brooks Otterlake, un director de éxito comercial con talento para imitar a las celebridades, quien atribuye gran parte de su éxito a su estudio cercano de Hannaford.
Muchos periodistas que asisten a la fiesta, blanden cámaras y disparan preguntas invasivas, eventualmente cuestionando la sexualidad de Hannaford, y si él ha sido un homosexual “encerrado”, a pesar de su persona pública machista.
Y es que Hannaford tiene una historia de seducción con la esposa o novia de cada uno de sus actores principales, pero mantiene una fuerte atracción por ellos mismos.
Varios invitados a la fiesta, comentan sobre la notable ausencia de Oscar “John” Dale (Bob Random), el protagonista de Hannaford en su última película, a quien Hannaford descubrió por primera vez, cuando Dale intentaba suicidarse saltando al Océano Pacífico frente a la costa mexicana.
A medida que avanza la fiesta, Hannaford descubre que el intento de suicidio de Dale ha sido falso, y que en realidad se había ido a México para encontrar a Hannaford.
Mientras tanto, a los invitados se les muestran más escenas de la película en el cine privado del rancho; y una escena deja en claro, por qué Dale abandonó la película:
Él salió del set con ira, en medio de una escena de sexo en la que Hannaford lo incitó renunciar.
A medida que continúa la fiesta, Hannaford se emborracha progresivamente:
Se lava la cara en el baño, cuando se rompe llorando frente a Otterlake, pidiendo la ayuda del joven director para revivir su carrera.
Una serie de cortes de energía en medio de la fiesta, interrumpe la proyección; pero la fiesta continúa a la luz de una linterna y, finalmente vuelven a reunirse en un cine con “drive-in” vacío, donde se proyectará.
Al darse cuenta en la fiesta, de que Otterlake no va a apoyar financieramente la nueva película de Hannaford, los 2 tienen un último y triste intercambio en el “drive-in” de teatro, dándose cuenta de que su amistad está llegando a su fin.
La periodista intrusiva Juliette Riche (Susan Strasberg) le ha hecho a Hannaford las preguntas más explícitas sobre su sexualidad; y en este momento, Hannaford la agrede violentamente, con ira, mientras que un borracho Billy Boyle monta una apasionada defensa del director.
Mientras amanece, Hannaford regresa a la casa del rancho, en el auto deportivo que había pensado regalar a Dale; y allí ve a Dale, caminando por la casa casi vacía, habiendo llegado la mañana siguiente.
Un borracho Hannaford, le pide que suba al auto deportivo con él, pero Dale no lo hace.
Hannaford se aleja, lo que lleva a su fatal accidente automovilístico...
Mientras tanto, la película simbólica de Hannaford termina de proyectarse en un teatro “drive-in” casi vacío.
La única persona que sigue viendo, es a la actriz que la protagonizó (Oja Kodar)
Ella mira la escena final, y se aleja mientras la narración final de Hannaford dice:
“El Ojo de La Medusa.
Todo lo que miro acaba muriendo bajo mi mirada.
Tal vez, esa mirada es capaz de causar mal de ojo.
En cierta ocasión me tropecé con unos bereberes en las montañas del Atlas que no me permitían ni siquiera enfocar mi cámara.
Pensaban que iba a sacarles sus almas.
¿Quién sabe?
Quizá pueda hacerlo.
Secar su virtud.
Sorber sus jugos vitales.
Filmar bellos jóvenes y lugares.
Filmarlos hasta matarlos”
Por otro lado, la película experimental de Hannaford, “dentro de la película”, filmada como una parodia del cine europeo de arte y ensayo, tipificado por Antonioni, y ejecutada sin ningún tipo de diálogo, es visualmente impactante, pero tiene muy poca coherencia narrativa; por lo que se muestran las siguientes escenas, en este orden:
Una escena gráfica de un baño de vapor lésbico, rápidamente intercalado, con Oja Kodar, que Hannaford está en proceso de filmar desde el principio.
Varias escenas de persecución, expresamente entre Oja Kodar y Bob Random, en medio de los rascacielos de Century City, en Los Ángeles, con varias ilusiones ópticas, en las que no es visible saber quién persigue a quién…
Al final de estas escenas, él compra una muñeca para ella, y ella la rechaza, conduciendo de noche con su novio.
Luego, los 2 personajes se reencuentran en un club nocturno:
Ella entra a un baño, donde varios hippies se involucran en varios actos sexuales, y se cambia de ropa, antes de volver a entrar.
Él le da la muñeca, y ella le corta el pelo, y le saca los ojos.
Salen del club nocturno montados en un Ford Mustang 1968, los 2, con el novio de ella, en una noche lluviosa, y mientras el novio conduce, la pareja tiene relaciones sexuales en el asiento del pasajero.
Después de unos minutos, el novio detiene el auto, agarra a la chica, y parece intentar que la va a violar…
Ella lo reprende, y la pareja es expulsada; y John Dale, con sus pantalones a medio camino, aterriza en un gran charco.
A la mañana siguiente, el personaje totalmente desnudo de Kodar, ha encontrado refugio en el segundo piso de una casa; y desde allí sale con cuidado de una ventana abierta, cae al suelo, y se desplaza hacia un vagón de ferrocarril vacío, donde encuentra a Dale dormido y desnudo en el suelo.
Más escenas de persecución con ilusiones ópticas siguen, alrededor del Studio MGM, incluyendo el personaje de Kodar entrando en la casa icónica de Andy Hardy.
Luego queda una escena de sexo en los somieres crudos en la parte de atrás del estudio.
Fuera de la pantalla, se puede escuchar a Hannaford dándole una dirección a Dale, y luego de un poco de molestia, John Dale desnudo, decide que ya tuvo suficiente, y abandona el set.
Hannaford lo ve irse, y grita desde el megáfono...
“Adiós Johnny Dale”
La producción ahora está sin un protagonista líder...
Luego hay una escena, que se queja de que el gerente de Hannaford, “The Baron”, que se presenta fuera de secuencia, en la que un John Dale ahora vestido camina solo alrededor de un polvoriento y ventoso estudio.
La escena final muestra a Oja Kodar desnuda, atacando a un símbolo fálico gigante con un cuchillo, que se desinfla y colapsa frente a ella.
Del reparto:
John Huston como J.J. “Jake” Hannaford, está modelado en Ernest Hemingway.
Welles negó las especulaciones de que el personaje también estaba basado en él mismo, o en Huston, aunque observó que había elementos de los primeros directores de Hollywood con reputación de macho, como Rex Ingram, John Ford, Raoul Walsh y William A. Wellman.
Oja Kodar como “La Actriz” o “La Roja, “La Indio Roja”, es enigmática y sin nombre, y ocupa un lugar destacado en “la película dentro de una película”
Ella también asiste a la fiesta de Hannaford, uniendo las 2 partes de la película.
Y aunque ella coescribió el guión, el personaje de Oja Kodar nunca habla…
Peter Bogdanovich como Brooks Otterlake, es un protegido de Hannaford que ahora es un director comercialmente exitoso por derecho propio, y que tiene talento para imitar a las celebridades.
El personaje tiene muchos paralelismos con el propio Bogdanovich, quien asumió el papel después de la partida del comediante Rich Little, que poco quedó acreditado como “extra en una fiesta”
Susan Strasberg como Juliette Riche, es una crítica de cine salvaje.
El personaje era una parodia ligeramente velada de Pauline Kael, con quien Welles estaba en una pelea pública por su acusación, más tarde desacreditada, en el ensayo “Raising Kane”, de que no escribió “Citizen Kane”
Originalmente, el papel había sido escrito teniendo en mente a Jeanne Moreau, y fue interpretada inicialmente por la entonces esposa de Bogdanovich, Polly Platt, quien también se desempeñó como diseñadora de producción de la película, antes de ser finalmente asumida por Strasberg, quien volvió a filmar las escenas filmadas anteriormente con Platt.
Norman Foster como Billy Boyle, un antiguo actor infantil de las primeras películas de Hannaford, y miembro de su séquito, retratado como un títere.
Es un alcohólico en recuperación, y un consumidor compulsivo de dulces, con paralelos a Mickey Rooney.
Bob Random como Oscar “John” Dale, es el bello, riquísimo y andrógino protagonista de la nueva película de Hannaford, que abandonó la mitad de la filmación, dejándola sin terminar.
Al igual que “La Roja”, el personaje de Dale es completamente mudo.
Lilli Palmer como Zarah Valeska, es una enigmática y destacada dama de la década de 1930, que es dueña del rancho donde se celebra la fiesta de Hannaford.
El personaje se basó en la vieja amiga de Welles, Marlene Dietrich, a quien él quería mucho que interpretara el papel; sin embargo, Dietrich no estuvo disponible para la filmación.
Aunque aparece junto a Strasberg y miembros de La Mafia Hannaford, en varias escenas, todas las imágenes de Palmer fueron filmadas en Europa.
Edmond O'Brien como Pat Mullins, es un actor envejecido con inclinaciones políticas fascistas, que es uno de los amigos de Hannaford.
Mercedes McCambridge como Maggie Noonan, es la devota editora de Hannaford.
Cameron Mitchell como Matt “Zimmie” Zimmer, es un artista de maquillaje de origen judío, nacido en Texas; y uno de los colaboradores artísticos de Hannaford.
Aunque Costello lo despide de camino al rancho, Hannaford señala más tarde, que frecuentemente ha despedido y recontratado a Zimmer durante producciones pasadas.
Durante la fiesta, Zimmer sitúa una serie de maniquíes inspirados en John Dale para que Hannaford les dispare.
Paul Stewart como Matt Costello, es el asistente personal de Hannaford, y otro miembro de “La Mafia”
Se dice que tiene una asociación de larga data con El Comité de Actividades Antiamericanas de La Cámara del Senado de los EEUU…
Gregory Sierra como Jack Simon, es un guionista machista, con paralelos a John Milius, quien cuestiona la orientación sexual de Hannaford frente a Otterlake.
Tonio Selwart como “The Baron”, es una parodia del ex socio de negocios de Welles, John Houseman, o su productor, Alessando Tasca di Cutò; de quien se había separado de forma matrimonial en la década de 1940, y que publicó varias memorias a lo largo de la década de 1970, que fueron mordaces de Welles, pero quien se presenta aquí como cariñoso y devoto, se dobla como el principal guionista de Hannaford.
Dan Tobin como El Dr. Bradley Pease Burroughs, es un profesor de literatura inglesa en La Academia Clivedale, un internado para niños en Franahan, Ohio, que había estado implicado en un escándalo de la pederastia que involucraba a otro maestro…
Su antiguo alumno estrella es John Dale.
Y cuando se lleva a Pease Burroughs a la fiesta de Hannaford, para hablar sobre Dale, se siente notablemente incómodo en la atmósfera poco familiar de Hollywood.
Otros miembros de “La Mafia Hannaford” son:
John Carroll como Lou Martin y Stafford Repp como Al Denny.
Geoffrey Land como Max David, es un joven jefe de estudio, y ex actor infantil, engañando a Robert Evans.
Joseph McBride como Marvin Pister, es una amalgama de varios cinéfilos y críticos de cine, socialmente incómodos, que Welles había conocido a lo largo de los años.
Pat McMahon como Marvin P. Fassbender, es un periodista de cine suculento.
Cathy Lucas como Mavis Henscher, es una parodia de la entonces novia de Bogdanovich, la actriz Cybill Shepherd, quien estuvo presente en al menos parte de la filmación, y cuyo hermano, Bill Shepherd, formó parte de la filmación del equipo de producción en Arizona.
Henscher, es una joven actriz que tiene dificultades para equilibrar su carrera, con el curso por correspondencia que su estado natal hace que tome mientras trabaja.
Howard Grossman como Charles Higgam, es el biógrafo de Hannaford, una parodia de Charles Higgam, que había escrito una biografía influyente y poco halagadora de Welles en 1970, que lo había herido con su acusación freudiana de que tenía “miedo de completarse” en las películas.
Un artículo de Higgam de 1970, que publicitaba la biografía, había llevado directamente a un importante inversor que se retiraba de The Other Side Of The Wind, quien fue rechazado por el cargo de “miedo a la finalización”
El papel, fue originalmente interpretado por Bogdanovich, pero luego se volvió a ser con Grossman, cuando Bogdanovich cambió por interpretar a Otterlake.
Aunque Higgam fue un personaje más prominente en los guiones anteriores, su papel se reduce considerablemente en la película final.
Robert Aiken como conductor de “la película de Hannaford, dentro de la película”, que es el novio celoso de “La Roja”
Gene Clark, como el proyeccionista en la fiesta de Hannaford.
Otros, son:
Peter Jason como Grover; Larry Jackson como Roger, y Cassie Yates como Martine, como cineastas de vanguardia; Benny Rubin como Abe Vogel, basado en el veterano agente de Hollywood, Abe Lastfogel.
Y como ellos mismos:
Henry Jaglom, Paul Mazursky, Dennis Hopper, Curtis Harrington, Claude Chabrol, Stéphane Audran, George Jessel, Angelo Rossitto, Richard Wilson y Rich Little.
Como invitados a la fiesta, siendo ellos mismos:
Cameron Crowe y Les Moonves.
Y Orson Welles como la voz de un periodista, sin acreditar.
Los realizadores de documentales, fueron interpretados por Gary Graver, Frank Marshall, Mike Ferris, Eric Sherman, Felipe Herba, Paul Hunt, Bill Weaver y Mark Turnbull.
Y debido a los 48 años tomados para completar la película, y la avanzada edad de muchos de los actores que interpretan a los veteranos de Hollywood, la mayoría de los miembros del reparto, murieron mucho antes del lanzamiento de la película en 2018.
Los primeros 2 miembros principales del reparto que fallecieron fueron:
Stafford Repp en noviembre de 1974, antes incluso de que se hubiera completado La Fotografía Principal; y Norman Foster en julio de 1976, solo 6 meses después de terminada la filmación.
Ambos habían filmado todas sus escenas en la primera mitad de 1974.
Otros miembros del reparto, que murieron antes del estreno de la película en 2018, fueron:
Huston, Strasberg, Palmer, O'Brien, McCambridge, Mitchell, Stewart, Selwart, Tobin, Carroll, Rubin, Mazursky Hopper, Harrington, Chabrol, Audran, Jessel, Rossitto, Wilson, Graver y, por supuesto, el mismo Welles.
A lo largo de los años, mientras el negativo de la película permanecía sellado en una bóveda de París, varios miembros de la producción expresaron su frustración por su incapacidad para ver la película:
Tonio Selwart, por ejemplo, tenía más de 70 años cuando actuó en ella, y la consideró su “Canto de Cisne” de la actuación.
Incluso en 1992, a la edad de 95 años, se arrepintió de que probablemente nunca lo vería, no solo por su edad, sino también por su pérdida gradual de la vista.
Moriría en 2002, a los 106 años, aún sin haber visto nunca la película, o su actuación en ella.
Al tiempo que la película cuenta con un número excepcionalmente grande de directores de cine, en papeles de actuación en la película, incluidos:
Claude Chabrol, Norman Foster, Gary Graver, Curtis Harrington, Dennis Hopper, Henry Jaglom y Paul Mazursky, en su mayoría interpretados en el séquito de periodistas y jóvenes cineastas de Hannaford.
Otras celebridades de Hollywood, que eran amigos de Welles, fueron invitadas a participar, incluyendo a Jack Nicholson, pero se negaron o no estuvieron disponibles.
Los personajes interpretados por Foster, Selwart, Jessel, McCambridge, O'Brien, Stewart, Wilson, Mitchell, Carroll y Repp; forman el séquito de Hannaford, “La Mafia” que representa al “Viejo Hollywood”; mientras que Chabrol, Harrington, Hopper, Jaglom y Mazursky hacen versiones de ellos mismos, con un velo fino, representando al “Nuevo Hollywood”
Por lo que los personajes del “Viejo Hollywood” sirven como un coro para Hannaford, proporcionando varios comentarios sobre su vida.
Otros datos de interés, es que según el guión de rodaje, Welles tenía la intención de proporcionar la narración de apertura de la película, con la intención de doblarla en post-producción.
Sin embargo, nunca lo grabó.
Muchos de los actores y el equipo, trabajaban gratis, o por bajos salarios, o a cambio de los favores de Welles.
Huston, amigo cercano de Welles, trabajó por la tarifa nominal de $75.000, parte de la cual, aún se le debe a su patrimonio, luego de que “uno de los productores de la película” gastó parte del presupuesto.
Welles dijo que no podía pagarle a su director de fotografía, Gary Graver, así que le dio su estatuilla del Premio Oscar de La Academia de 1941 por el guión de “Citizen Kane” como pago y agradecimiento.
El salario de McBride, comprendía 2 cajas de cigarros… y Mazursky recordó que nunca se le pagó por su única noche de actuación.
Welles, filmó 96 horas de imágenes en bruto, 45 horas para las escenas de la fiesta, y 51 horas para “la película dentro de una película”, incluidas tomas múltiples de las mismas escenas, grabaciones con diferentes miembros del reparto, es decir, Peter Bogdanovich en sustitución de Rich Little; pero no completó los siguientes elementos:
Welles nunca grabó la narración de apertura.
Bogdanovich, en el personaje de Otterlake, grabó una narración ligeramente modificada para la película final.
Con 40 o 45 minutos de película editada por Welles, aproximadamente 75 u 80 minutos, aún requirieron edición.
La película carecía de una partitura musical, aunque Welles había indicado que quería una partitura de jazz.
Nunca se habían registrado 2 disparos:
Los maniquíes explotaron después de recibir el disparo, y el último disparo del último automóvil que salía del “drive-in”
El primero contó con la ayuda de CGI, ya que los maniquíes disparados contra una pantalla verde, que se combinaron con imágenes manipuladas de rocas; y el segundo se proporcionó a través del uso de material de archivo de un “drive-in”, con la película de Hannaford insertada digitalmente en la pantalla.
En las 96 horas de grabación, se encontró que faltaban las cuádruples de sonido originales de muchas de las sesiones de grabación de 1974.
Esto tenía que ser proporcionado a través de una combinación de fuentes de sonido de segunda o tercera generación, limpiadas digitalmente, es decir, en el material de impresión de Welles; o mediante doblaje de actores modernos, en algunos casos, solo doblando palabras o sílabas individuales para salvar grabaciones de líneas, que de lo contrario se recuperaron de la huella de trabajo.
Y después de los créditos finales, se oye una voz de Welles que grita:
“¡Corten!”
Además de narrar de la manera antes contada, fragmentaria, editada con velocísimos cortes y llena de ácidos diálogos y personalidades reconocibles de la industria, en algunos casos “personificados” por actores, y en otros por las personas reales; ese caótico y cambiante evento social y proyección cortada por diversos motivos técnicos, de una larga parte de la película, está dedicada a la extremadamente sensual ficción dentro de la ficción, que es el supuesto film inacabado dentro de otro, que terminó siéndolo también, es decir:
“The Other Side Of The Wind”, protagonizada esa parte por la entonces amante de Welles, la bellísima Oja Kodar, y el rubio Bob Random, que es una copia/parodia de cierto cine existencialista que venían realizando algunos autores europeos en el Hollywood de entonces.
En concreto, es “Zabriskie Point” (1970), de Michelangelo Antonioni, tomado en serio, y ridiculizado a la vez por Welles; en un historia casi muda, de un hombre y una mujer que se desean y se persiguen en el desierto, con una escena de sexo notable.
Si a eso le suman que buena parte del rodaje se hizo en la misma casa que la película de Antonioni, el homenaje/guiño/cargada a su obra, es más que evidente.
Total, The Other Side Of The Wind aspira a domar los elementos dispersos de un circo de imágenes, personajes, ideas y temas, como la masculinidad en crisis, la amistad y la traición, el deseo que se escapa, la lucha contra “el sistema”, la imposible relación maestro-discípulo-sucesor; en la forma libre, de una suerte de documental, en el que todo son reflejos y espejismos:
Desde el director que encarna John Huston, al joven aspirante al trono que interpreta Bogdanovich; de la crítica frívola e incisiva que incorpora Susan Strasberg, a la hermosísima Oja Kodar ataviada cual Pocahontas que camina en fuga constante, desnuda entre decorados fantasmas, coches nocturnos y desiertos ventosos, ante la lente erotizada de una cámara que parece estar emulando, o tal vez parodiando la modernidad geométrica y muda de Antonioni, o incluso en ocasiones, al barroquismo formal del propio Welles.
Técnicamente, la diversidad de formatos, colores y texturas, nos devuelve también un filme caleidoscópico, psicodélico, propio de los 70s, sin trama ni centro definidos; una película que se asoma a su propia condición de trampa sobre la creación, el destello y la hipocresía del mundo del cine y la titánica labor del cineasta, Welles, siempre en bambalinas, moviendo los hilos para llevar a cabo su proyecto, su visión personal, contra viento, marea y tempestades...
Su Santo de Cisne
Pero Welles quiere ir más lejos... y desnuda las miserias de la industria; pero también del propio director y su círculo más íntimo, en una línea que puede relacionar a la película con filmes de Fellini, Truffaut u otros films sobre cineastas en crisis y/o rodajes complicados.
Y es que finalmente en medio de la veintena de personajes que deambulan por ese fantasmagórico, pero muy vital evento social, el eje de la película está en la relación de los personajes de Huston/Welles y Bogdanovich, que encarna a una versión de sí mismo.
Las conversaciones entre ellos, son casi un psicodrama público de su conflictiva relación, y están plagadas de lo que parecen ser situaciones autobiográficas; pues
refleja también la conflictiva relación de admiración/envidia de Welles por los jóvenes iracundos y rebeldes de entonces, que habían tomado el control de Hollywood, no es casual que aparezca Dennis Hopper haciendo de sí mismo, además de Paul Mazursky y otros; mientras una leyenda como él, iracundo y rebelde de por vida, no lograba conseguir dinero para filmar.
Todo esto está en el filme, y la información que se da en los extras, ayuda a interpretar mejor los asuntos que se movían bajo la mesa; pero The Other Side Of The Wind no es solo se destaca por su mirada un tanto impiadosa al Hollywood de la época, sino que va mucho más allá de eso.
La “sorpresa” que el film se reserva, narrativamente, para el final, ligada a la sexualidad del realizador en la ficción; acaso sea la revelación menos interesante y algo banal de la película, al menos desde una lectura actual.
De todas las circunstancias que rodearon a esta película sin fin, habla el documental “They’ll Love Me When I’m Dead” de Morgan Neville, que también puede verse ya en NETFLIX, y del laborioso proceso de recuperación, restauración, montaje y sonorización, con nueva banda sonora musical de Michel Legrand; lo hace “A Final Cut For Orson: 40 Years In The Making” de Ryan Suffern.
Son 2 complementos esenciales para el que sin duda está siendo, y será el gran acontecimiento cinéfilo de este 2018.
“You could tell me what's going on here.
Or why”
Toda la vida, la gente le tuvo miedo a Orson; los que no tuvieron su vigor, su fuerza, y su talento.
Estando cerca de él, todas las insuficiencias de ellos se hacían patentes con demasiada celeridad.
Tienen miedo de sentirse abrumados; porque Welles abruma aún hoy, después de muerto, como un espíritu vuelto de la tumba gracias a ese cine que amaba demasiado.
Porque Welles siempre fue un director adelantado a su época, y esa fue su principal ventaja y maldición.
Él mismo declaró en alguna ocasión su deseo de, cuando menos una vez, encajar en su época.
“Citizen Kane” supuso un brinco en la narrativa visual de muchas películas, de manera que los trucos que Welles utilizó dentro de ella, son totalmente convencionales hoy en día, como la narrativa no lineal y los ángulos contrapicados, pero en la época resultaron confusos.
En The Other Side Of The Wind, Welles decide tomar un estilo de “mockumentary” para hacer su película.
De nueva cuenta, esto es totalmente convencional hoy en día, pero en la época, era una idea totalmente nueva.
¿Qué podría venir de Welles a futuro?
Ya en 1998 se restauró “Touch of Evil” (1958) con resultados espectaculares, y ahora The Other Side Of The Wind.
Esto abre las puertas a preguntar:
¿Veremos alguna vez un “Don Quixote” y “The Merchant of Venice” terminado?
Ya se intentó en los años 1990, pero resultó un fiasco.
¿Veremos alguna versión de “The Deep”, otra de sus películas casi terminadas?
Y si vamos todavía más lejos:
¿Alguna vez verá la luz del día, versiones más completas de “Lady from Shangai” o “The Magnificent Ambersons”?
¡Que se abran más bóvedas!
La gran pregunta no es solo qué hubiera hecho Welles, sino que estaría haciendo hoy, con el mundo digital a sus pies.
Podemos perfectamente imaginarlo, maravillado ante la posibilidad de ya no tener que arrastrar una moviola en su equipaje, filmando por todas partes con un IPhone, y pensando la forma de utilizar las plataformas digitales.

“Who knows?
Maybe you can stare too hard at something, huh?
Drain out the virtue, suck out the living juice.
You shoot the great places and the pretty people, all those girls and boys; shoot'em dead”