Mary
“Ich muss Sie nicht daran erinnern, dass Männer und Frauen in den Augen des Gesetzes gleich sind.
Das Mordverbrechen, zumindest in Deutschland, wird leidenschaftslos beurteilt.
Weder Schönheit noch Jugend keine Provokation, kann...”
(No necesito recordarle que a los ojos de la ley, los hombres y las mujeres son iguales.
El crimen de asesinato, al menos en Alemania, se juzga desapasionadamente.
Ni la belleza ni la juventud, ninguna provocación, pueden ser...)
No todas las obras de Alfred Hitchcock son películas de suspenso; como tampoco son todos los “remakes” de sus películas…
Sin embargo, es útil tener en cuenta la definición de Douchet, que se mantiene como una de las mejores hasta la fecha de esta palabra, tan inextricablemente vinculada al Maestro del género.
Sobre el tema de las definiciones, aclaremos un punto:
“Remake” es una película que cuenta la misma historia, a menudo con el mismo título, que una producción anterior.
Además, en la medida en que Hitchcock rara vez escribió sus propios guiones, utilizando material de fuentes externas, como novelas, obras de teatro, ideas de guionistas; los “remakes”, por regla general, se basan en el mismo material fuente que las películas originales.
¿Entonces por qué solo algunas de las películas de Hitchcock inspiraron la reelaboración, a veces muchas veces?
Tal vez podríamos agregar:
¡Por dicha más de la mitad de ellas han escapado a tal destino!
Por supuesto, es difícil responder en nombre de directores y productores... pero la hipótesis clásica en la que proclamarían:
¡Vamos a volver a hacer lo que ya ha demostrado ser exitoso, ya que esto aumentará nuestras propias posibilidades de éxito!
No se puede descartar.
¡Mientras no utilicen el título original!
Vale la pena señalar, que la mayoría de estas producciones “rehechas” son en inglés, la mayoría son de Hollywood, y ocasionalmente australianas; y al menos 5 de los “remakes” o variantes, se basan, al igual que las películas originales, en las historias de Daphne du Maurier…
Esto puede ser solo una coincidencia, o podría ser que las obras de Hitchcock, ligeramente “anticuadas”, tengan alguna atracción especial para el público de hoy…
El mismo Hitchcock hizo la prueba de repetirse para llegar a 2 públicos completamente diferentes, usando la misma película, y con éxito.
“Ich versichere Ihnen, Inspector, ich bin nicht die andere Frau in diesem Fall”
(Le aseguro, inspector, que no soy la otra mujer en este caso)
Mary es una película de suspense, del año 1931, dirigida por Alfred Hitchcock.
Protagonizada por Alfred Abel, Olga Tschechowa, Paul Graetz, Lotte Stein, Ekkehard Arendt, John Mvlona, Louis Ralph, Hermine Sterler, Fritz Alberti, Else Schünzel, Julius Brandt, entre otros.
El guión es de Clemence Dane, Helen de Guerry Simpson, y Alma Reville; basados en la obra “Enter Sir John” de Clemence Dane y Helen Simpson; y es una coproducción entre El Reino Unido y Alemania; junto a la British International Pictures; y es una versión que se hizo en alemán para la República de Weimar sobre la película “Murder!” de 1930; la cual se filmó en Inglaterra con actores alemanes, utilizando los mismos escenarios, y sólo 2 de los actores están en ambas versiones.
Se trata pues de un remake total, con planos exactos de la original, salvo por el detalle notable de que dura 20 minutos menos.
Como dato, durante mucho tiempo se pensó que Mary se había perdido, y no estaba disponible legalmente en ningún formato de video hasta el 21 de abril de 2006, cuando la película se lanzó como un extra en el DVD alemán de “Murder!” (1930); y 2 meses después, el 20 de junio de 2006, también fue lanzado en un DVD francés de “Jamaica Inn” (1939)
La acción sigue a Mary Baring (Olga Tschechowa), una mujer que es acusada de asesinato, y condenada a muerte.
Un miembro del Jurado, Sir John Menier (Alfred Abel), empieza a investigar por su cuenta, intentando demostrar su inocencia.
Mary, es virtualmente idéntica a la versión inglesa en términos de trama y composición de disparos; y la diferencia más significativa, es que le falta gran parte del humor de “Murder!”, y es más oscuro y curiosamente más moderado.
Pero hay una diferencia en la trama significativa, que es la explicación de por qué Mary no testificaría contra Handel Fane (Ekkehard Arendt)
En el versión en inglés, el personaje es de raza mestiza, algo que lo habría convertido en un paria social en ese momento; mientras que en la versión alemana, él es simplemente un convicto fugado.
En la novela original, el secreto de Fane es que él es homosexual, que es algo que Hitchcock insinúa en ambas versiones de la película.
Todo un motivo de escándalo para época.
“Ich fürchte, Sie haben dieses Mal Pech, Inspector.
Das ist Händel Fane, eine hundertprozentige Frau.
Mr. Fane ist unser führender Mann”
(Me temo que no tiene suerte esta vez, inspector.
Este es Handel Fane, cien por cien hombre/mujer.
El Sr. Fane es nuestro hombre principal)
Por lo general, las versiones extranjeras “paralelas”, fueron hechas por un cineasta del país que quiere ese objetivo.
Aquí, por el contrario, es el mismo director de la versión original, Alfred Hitchcock, quien realiza la versión alemana con actores totalmente diferentes.
También, podemos pensar que fue porque Hitchcock filmó sus 2 primeras películas en Alemania:
“The Pleasure Garden” (1925) y “The Mountain Eagle” (1926), esta última considerada perdida, que no dudó en pegarse un tiro en el estudio de Elstee.
Posteriormente, Alfred Hitchcock regresaría para hacer “Juno and The Peacock” (1930) y probablemente también estaba feliz de volver a un drama criminal.
Por tanto, al hacer su película “Murder!”, Alfred Hitchcock recibió el encargo de hacer también una versión alemana de la película.
Hitchcock no estaba familiarizado con el cine alemán, había comenzado su carrera trabajando en Alemania, haciendo títulos, y sentía que estaba lo suficientemente familiarizado con el idioma para hacerlo funcionar, y se acercó a hacer esta otra versión de una historia que le gustaba mucho.
Y le tenía tanto cariño, que insistió en que no se hicieran cambios en el guión, salvo en la traducción del idioma, y finalmente hizo una buena dosis de la película casi exactamente igual a la otra versión, con Mary también siendo filmada en los mismos conjuntos de escenarios, solo con diferentes actores.
Su camarógrafo sigue siendo el mismo, Jack Cox, y la película se ve tan bien como la original, con la misma sensibilidad que se muestra aquí.
El mismo uso de la música, también se conserva, el uso de “Tristan und Isolde” se conserva.
Salvo uno de los problemas con la película original, fue un problema relativamente leve, y era que con cierto grado de problemas de estimulación, y siendo este unos 20 minutos más corto, ya no es motivo de preocupación.
Sí, esta versión es más reducida, y eso es en cierta forma, una ventaja que tiene sobre su predecesor, pero sucedió algo más en la traducción, pues el subtexto falta en gran parte.
Así las cosas, después de “The Lodger – A Story of The London Fog” (1927) y “Blackmail” (1929), el tercer “thriller” de Hitchcock y uno de los pocos “whodunits” en su carrera que es una narración que al propio Hitchcock siempre le pareció aburrida; pero la película saca su tensión sobre todo de la cuestión de, si logra salvar a la presunta asesina condenada de la muerte, o no.
El trabajo en el guión no fue tan fácil, y cuando comenzó el rodaje, los diálogos faltaban en algunos lugares.
Hitchcock, por tanto permitió a los actores improvisar sus diálogos.
Más tarde, quedó insatisfecho con el resultado, diciendo:
“El resultado no fue bueno.
Demasiados descansos.
Estaban demasiado apegados a lo que deberían decir.
La espontaneidad que esperaba, no se materializó”, dijo Hitchcock a François Truffaut en 1962.
Por lo que Hitchcock convirtió a Mary, en una versión en alemán paralelamente a la obra original: “Enter Sir John”, escena por escena en el mismo escenario con el mismo equipo, pero excepto por 2 papeles secundarios, con actores alemanes.
Mary, además es casi media hora más corta que la original, aunque se tomaron todas las líneas argumentales y no se eliminó ninguna escena.
Sin embargo, los diálogos se han simplificado, y se han eliminado muchos detalles pequeños, especialmente aquellos que daban a la original, un toque ligeramente gracioso.
En retrospectiva, el hecho de que el asesino sea un mestizo, como en el original en inglés, un convicto fugitivo, es notable que es una película hecha para el mercado alemán en 1930.
Y es que hubo algunos problemas con la traducción del guión y el giro.
Hitchcock, que hablaba solo moderadamente alemán, calculó mal las dificultades que surgen debido a los diferentes hábitos y diferentes usos lingüísticos.
Además, hubo problemas con el actor principal, Alfred Abel, que se negó a reproducir escenas individuales como lo requería Hitchcock…
A pesar de todo, la trama es la misma:
Mary Baring, conocida como Diana en la versión en inglés, es miembro de una compañía teatral de drama itinerante.
Un día, cuando es encontrada sin memoria junto al cuerpo de una colega, todas las circunstancias indican que ella ha cometido el crimen.
En el juicio por asesinato, el dramaturgo, autor y actor, Sir John Menier, es el único miembro del jurado que tiene dudas sobre su culpabilidad hasta el final.
Se inclina, sin embargo, ante la presión de los otros jurados, y finalmente acepta la culpabilidad de Mary.
Impulsado por su conciencia culpable, Sir John va por su cuenta a buscar al verdadero culpable.
También se siente cómplice de su convicción, ya que resulta que conoce a Mary de antes, que una vez se había postulado al teatro como actriz, pero se negó.
Con 2 asistentes, una pareja de actores de la compañía de Mary, busca y encuentra a Handel Fane, un actor y acróbata con tendencias travestis, que estaba comprometido con Mary.
Su oscuro secreto, de que es un convicto fugado, y que tiene que evitar ser atrapado nuevamente en cualquier momento, es lo que sabe Mary.
Cuando la colega quiso contárselo, Fane la mató, estando Mary presente.
Como Sir John todavía no está al tanto de este motivo, pero asume que lo perpetraron a pesar de la evidencia dada, quiere acorralar a Fane; por lo que lo deja audicionar para una supuesta “nueva obra”, donde el texto que se presenta, tiene referencias claras al caso Mary Baring.
Fane entra en pánico, y se va de la oficina de Sir John…
Posteriormente, en una actuación de circo, Sir John lo visita para interrogarlo nuevamente, y Fane, hallándose culpable por lo que pasa Mary en la cárcel, y para evitarlo él, se suicida en el trapecio, ahorcándose con la cuerda; pero deja una confesión por escrito; y Mary Baring sale libre.
Ella es recogida de la prisión por Sir John, en un auto... mientras que en la película original, termina con una actuación conjunta de Mary y Sir John en su teatro.
Según un crítico, a los alemanes les hubieran gustado más cambios en el filme…
Hitchcock, que había aprendido la mayor parte de lo que sabía de los cineastas alemanes, no aprovechaba la oportunidad de ser más aventurero en su cinematografía y puesta en escena del modo que marca las películas de los grandes directores alemanes hasta la fecha., una Edad de Oro pronto será despojada de su brillo por la locura y el filisteísmo de Herr Hitler...
Por lo que, utilizando habilidades técnicas alemanas, podría haber hecho una versión diferente…
Entre algunos cambios que obtuvieron los alemanes de la versión británica, se toma muy en serio el extremadamente desagradable tono racista y homofóbico de su conclusión, con el villano que está muy claramente marcado como un pensamiento de media casta, al ser condenado al ostracismo en ambas versiones.
El personaje antagónico, todavía trabaja como acróbata travesti, pero la noción de que es homosexual, derivado de la novela danesa, apenas existe, y su motivo de asesinato ya no es ocultar que tenía “sangre negra” como en la versión en inglés...
Una noción que no horrorizó al público alemán que, incluso bajo Hitler, y cualquier cosa que Hitler pudiese haber pensado, dio una bienvenida tremendamente cálida y entusiasta al atleta Jesse Owens 5 años más tarde en Las Olimpiadas, ya que Owens mismo testificaría sardónicamente a su regreso a un Estados Unidos segregados.
Pero en esta versión, Fane es simplemente un ex convicto que desea ocultar su pasado criminal; y es fácil leer la historia al revés, y olvidar que el período de Weimar en Alemania fue de hecho notable por su amplitud mental, con películas que tratan la homosexualidad “con simpatía”…
En cuanto a Hitchcock y el racismo:
¿Cuántos rostros afroamericanos puedes recordar en todas las películas que El Maestro hizo en EEUU, un período que incluyó la vida y muerte de Martin Luther King, el movimiento de Derechos Civiles, la legislación Johnsoniana que transformó la sociedad estadounidense, el apogeo de Mohamed Ali, el movimiento Black Panther?
Así que estos cambios importantes en esta película, son un recordatorio de que aún en 1931, el racismo y la homofobia, que eran perfectamente aceptables en Gran Bretaña, se consideraron inapropiados en Alemania; y 2 años más tarde, por desgracia, tanto El Estado alemán como el cine, estarían en manos de fanáticos suicidas y homicidas.
Por lo que este es quizás el más oscuro de los largometrajes de Alfred Hitchcock, al momento, a veces incluso omitido de su lista de obras, que sin embargo, esto no es simplemente una versión alemana de “Murder!”, ya que tiene un reparto diferente, tiene una duración menor, y cambia algunos de los nombres de los personajes, notablemente, la mujer acusada, Diana Baring, se llama Mary aquí, e incluso le da un nuevo nombre al título de la película.
No solo Mary elimina los elementos cómicos que levantaron “Murder!” de lo mundano, también extrañamente, eliminó algunos de los elementos que uno podría sugerir como de naturaleza expresionista:
La sombra de la soga, por ejemplo.
Y es cierto que se utilizaron los mismos conjuntos y actores, donde solo Miles Mander se utilizó en ambas producciones, teniendo cierta habilidad para hablar el idioma alemán, pero su papel es relativamente pequeño.
Por lo que “Murder!” es a pesar de algunas debilidades, un “thriller” ya bastante complejo con varios niveles narrativos, con varios patrones y motivos que impregnarán la carrera posterior de Hitchcock, como el tema de los perseguidos inocentes, llamados por él “Falsos Culpables”, la mezcla de teatro o juego y la realidad; la incapacidad de la policía, la exploración de la viabilidad técnica, y en esta versión, con efectos de sonido; o largos ángulos de cámara que entonces eran todavía bastante difíciles de lograr.
Por ejemplo, en cuanto el sonido, en una escena, mientras Sir John se afeita, se escucha una música de radio, es “Tristan und Isolda”, la parte final de la ópera; al mismo tiempo que uno escucha sus pensamientos en esta escena.
Hitchcock hizo esto primero, teniendo a Herbert Marshall en “Murder!”, hablando en una grabadora, que luego se reprodujo durante la escena actual.
Al mismo tiempo, detrás de la pared de la habitación, había una orquesta de 30 hombres, que simultáneamente reproducía la música en la escena, ya que un ajuste de música posterior de una escena de diálogo, no era posible en ese momento.
Y como era de esperar, la tematización del travestismo, de la homosexualidad supuesta o real, y de las afiliaciones raciales, fueron especialmente un motivo para el asesinato audaz, desde ese punto de vista, y desde la perspectiva de hoy, ciertamente más que cuestionable.
Esta debilidad dramatúrgica fue una de las razones por las cuales “Murder!”, generalmente se clasifica más bajo que otras películas de suspense de Hitchcock.
Sin embargo, Éric Rohmer y Claude Chabrol cuentan en 1955, en su libro de Hitchcock, que “Murder!” es una de las 3 mejores películas británicas de Hitchcock; y esta versión alemana de la película, es superior a la inglesa en su conveniencia, incluso si conserva la breve teatralidad del coro de jurados suplicando a Sir John en unísono virtual, para explicar lo que tiene que decir a su insistencia dogmática en un veredicto de culpabilidad.
¡Pero incluso esa escena está más truncada!
Algunos de ellos pueden ser más cortos en el sentido de tener una edición más ajustada, y la entrada anterior, ayuda a informar decisiones más nítidas, pero también puede tener que ver con lo que llevó a una pérdida de subtexto, y esa pérdida es la clave.
Y es que Hitchcock sentía que podía manejar una película en lengua alemana lo suficientemente bien, pero descubrió durante el rodaje, que parte de la astucia del texto original, no se traducía.
El ingenio, el lenguaje que entró en el examen cuidadoso de la sociedad, la pomposidad, el tema velado de la identidad y la homosexualidad, no está tan presente en esta versión; además, algunas escenas tuvieron que ser recortadas debido a lo que no se tradujo directamente, y lo que, como Hitchcock describió, su nuevo actor principal tuvo dificultades para entender el idioma.
Es una pena, pero es un producto de la traducción y, en cierto modo, un producto de la cultura en el momento que lleva a esta versión, a ser una toma más desinfectada.
Esto no es del todo malo, no del todo.
Es una gran pérdida, seguro, y un golpe contra algo de lo que hizo “Murder!” especial, pero Mary todavía contiene la estructura inteligente y los elementos de la historia que hicieron que la historia sea una visión única de lo que podría haber sido completamente mecánico.
Debido a la naturaleza de la historia, todavía es una buena medida sobre un hombre que opera contra el sistema que es rápido para condenar, y apenas tan infalible como uno podría desear que sea un sistema de justicia.
Al tiempo que muestra la frialdad de la sociedad, como la que se muestra incluso en el veredicto que se lee en el tribunal, cuando vemos que un conserje limpia la habitación vacía del jurado.
Como de costumbre, de hecho, algo que Hitchcock también mostró en “Blackmail”
Esta sigue siendo una película atractiva con un clímax de asesinos..
En general, algunas de las cosas que quedan en comparación con “Murder!” son:
El miembro del jurado que no tiene ni idea; el capataz del jurado tiene dificultades para obtener las boletas en las pilas correctas; el jurado saliendo de la sala del jurado a la corte, y sir John esperando antes de levantarse y unirse a ellos; el sirviente llevando la radio al baño, y el coloquio con el sirviente en ese punto; el monólogo interior es mucho más corto; el diálogo en la escena inmediatamente después es más corto, también, el baño y la escena posterior están secuenciados incorrectamente, de modo que parece que se está afeitando nuevamente después de que terminó; la casera no está presente cuando la pareja recibe la llamada de Sir John, por lo que el engaño sobre ellos, debido al alquiler, no está allí; su vestimenta frenética, y preparándose para la visita de Sir John; la foto de los pies del gerente de escena, en una alfombra súper suave, que le muestra cómo se siente; la escena donde miran el salón con la casera es mucho más corta, y viene después de la escena donde miran su habitación; engañando a la casera usando una voz aguda; el cameo de Hitchcock en la calle no existe; inclinar al gerente del teatro después de que inspeccionan el teatro; la escena con todos los niños es mucho más corta, con el gato debajo de las sábanas, eliminado, los mismos niños, sin embargo; los niños no se sientan en el baúl, por lo que el diálogo sobre el uniforme del policía en el baúl no debe estar allí; el llamativo golpe aéreo de Mary en su celda, y la sombra de la soga; la escena de Sir John con Mary es más corta, más fría, y al final no hablan del teatro; la escena de Sir John y el director de escena en la audiencia del circo, donde hablan de atrapar al asesino con una obra de “Hamlet” es mucho más corta; cuando el asesino se ahorca, hay una edición de sonido algo más dramática, tal vez para encubrir el hecho de que no hace un muy buen nudo… el asesino llevado en una camilla; la secuencia de Sir John y Mary en el tren es más corta; y la toma de los personajes en el escenario al final.
Algunos de los chistes siguen ahí, pero presentados de una manera tan rudimentaria, que apenas se notaría.
Por ejemplo, cuando Sir John se da cuenta de que su invitado está usando una cuchara pequeña para la sopa, hace lo mismo, y cuando pone su Martini de oliva en la bandeja, los invitados no saben qué hacer con la suya; ambos incidentes todavía ocurren, pero sin reacciones de los actores para señalar los “gags”
Abel se parece mucho a Marshall, lo cual es muy desconcertante, porque la actitud de la clase alta británica que informa todos los aspectos de la versión en inglés, está completamente ausente.
Otra oportunidad perdida, fue con el motivo del asesinato, pues durante toda la película, la única pregunta que quedó sin respuesta fue:
¿Qué iba a revelar la víctima sobre el hombre, probablemente, el asesino para que la mataran?
Sabemos que hay un secreto que revelar, es un misterio que permanece sin resolver, pero cuya necesidad en cuanto a la trama se pierde cuando ha cumplido su propósito, que es desenmascarar al verdadero asesino.
¿Aquí se hablaría entonces del “mcguffin”?
Una vez que se hace justicia, por supuesto, queremos saber el secreto, y uno de los protagonistas hace la pregunta, pero en serio:
¿Hubiera sido alguna respuesta tan satisfactoria como tener al viejo Hitchcock haciendo un gran corte antes de que lo sepamos?
Sin embargo, hay 2 secuencias destacadas que hacen que valga la pena mirar la película, y redimir la falta de atractivo del resto:
Una que tiene lugar en la sala del jurado, y otra en el circo.
Me niego a creer que la secuencia de la sala del jurado no inspiró, ni un poco, la composición de “12 Angry Men” (1957), es lo más parecido a las vibraciones claustrofóbicas y psicológicas que hicieron que Reginald Rose interpretara la adaptación, y la película como un espectáculo emocionante, hecha 2 décadas antes.
Ahora, el segundo es Hitchcock puro, y es aún más divertido decirlo, ya que tenía 32 años cuando lo hizo, pero el clímax de la película es prever su locura por las emociones que culminan en los lugares más peculiares y coloridos.
Aquí un circo, y durante un número de trapecio, un suicidio.
Y gusta la forma tan oscura del desarrollo, que queda emocionalmente gratificante.
Del reparto, el nuevo elenco está muy bien delineado y, aunque es extraño verlo como una película de Hitchcock, a pesar de sus propias reservas con el idioma, no es un desastre completo:
Miles Mander y Esme V. Chaplin, son los únicos actores que aparecen tanto en esta película, como en “Murder!” (1930)
Mander repite su papel como Gordon Druce, aunque el nombre del personaje se cambió a Gordon Moore; mientras que Esme V. Chaplin interpreta al fiscal en ambas películas
Donde tuvimos a Herbert Marshall en “Murder!”, tocando la voz disidente de Henry Fonda en el jurado; aquí tenemos a Alfred Abel, que es una especie de hombre sin emociones, quizás por haber hecho Joh Fredersen en el clásico de Fritz Lang, “Metropolis” (1927)
Toda la pompa, el arte y el curioso esmero, se muestran en la representación de Abel, de este hombre que busca justicia, y ser amable, pero también a veces mira a través de un barniz del mundo del teatro, y es una actuación central fantástica.
Sin embargo, gustó la actuación de Olga Tschechowa como Mary, una chica bonita que aún puede influir en los hombres del jurado por su encanto físico.
Mary Baring es una sólida presencia de la niña conmocionada y perturbada, aunque no tan convincente como Norah Baring, que no confía tan tentativamente, pero esto es parcialmente el resultado de que la escena clave del personaje en la cárcel, no sea entregada dinámicamente como para culpar a Tschechowa, y puede no ser el motivo de discordia.
Otros, Paul Graetz y Lotte Stein, interpretan a Bobby y Bebe Brown, respectivamente, y lo hacen con un encanto que transmite una familiaridad rápida que funciona, incluso si no sobresalen tan dinámicamente como podrían haberlo hecho.
Odio seguir insistiendo en la comparación, pero Edward Chapman como Ted Markham en “Murder!” dejó marca con un buen tiempo cómico y presencia, que la parte estaba bien coloreada como alguien que quería ayudar.
Mientras la falta de presencia completa, también se puede decir comparando a Ekkehard Arendt con Esme Percy como Fane; aunque Arendt no es mediocre en absoluto, es solo que la imagen de Percy fue tan vívida y perfecta, que la versión de Arendt parece ligeramente rígida en comparación.
Por todos lados, esta es una película bien actuada, con Abel siendo un foco central más fuerte, pero parte del color se pierde en los lados.
Como dato, el personaje de Sir John Menier, estaba basado libremente en el amigo de Alfred Hitchcock, el actor Gerald du Maurier.
Hitchcock, luego dirigió 3 películas adaptadas de novelas de la hija de du Maurier, Daphne Du Maurier:
“Jamaica Inn” (1939), “Rebecca” (1940) y “The Birds” (1963)
La fama es que Hitchcock tuvo dificultades con Alfred Abel, quien interpretó a Count Told en la saga de “Dr. Mabuse” de Fritz Lang; pero la película nunca sufre de este supuesto antagonismo, y el resultado es en cualquier caso, más oscuro y ambiguo que la versión británica.
Como se dijo, Alfred Hitchcock no tiene cameo, pues en “Murder!” (1930) se le ve más o menos una hora después de arrancada la película, pasando junto a la casa donde se cometió el asesinato.
Por último, además de la música original compuesta por John Reynders, la película utiliza la apertura del preludio “Tristan und Isolde” de Richard Wagner como telón de fondo, supuestamente, como una transmisión de radio que escucha Sir John en la escena del afeitado.
Para la filmación de esa escena, una orquesta tocó la música en vivo en el set.
Hitchcock describió la filmación de esta escena a François Truffaut en la entrevista de larga duración, “Hitchcock / Truffaut” en New York, en 1967.
Y es que en los primeros días del cine sonoro, no había forma de grabar el sonido, por lo que Hitchcock grabó la voz de Herbert Marshall, en “Murder!”, en un disco de fonógrafo, que se reprodujo durante la filmación de la escena, mientras la orquesta tocaba la música de fondo en vivo, supuestamente tocando en la radio en el baño de Sir John; para poder rodar la escena; siendo esta es la primera película donde los pensamientos de una persona se presentan en la banda sonora de la película.
“Die Leute sollten sich für sich selbst schämen und diesen ganzen Lärm um diese Zeit aufbringen”
(La gente debería avergonzarse de sí misma, levantando todo ese jaleo a esta hora de la noche)
Alfred Hitchcock es uno de los mejores exponentes que nos regaló El Séptimo Arte, pero ni El Maestro del Suspense, puede escapar a que lo “reversionen” y homenajeen constantemente:
De Palma, Jonathan Demme, Robert Benton, Nicolas Roeg, e incluso Mel Brooks y Steven Spielberg… la lista continúa.
¿Y qué hay de la influencia de Hitchcock y la atmósfera de “Hitchcock”?
Y eso plantea la siguiente pregunta:
¿Cuántas veces hemos visto el adjetivo “hitchcockniano”; y con qué frecuencia aparece en las publicaciones dedicadas al tema del cine?
¡Podría figurar en El Libro Guinness de Los Records…
Alfred Hitchcock, ciertamente es digno de eso, pero este término siempre se usa apropiadamente…
Es un hecho que Hitchcock, solo puede rehacerlo Hitchcock.
Un ejemplo de un “remake” es la 2ª versión de Hitchcock de “The Man Who Knew Too Much” (1956), basada en su película homónima de 1934, y su guión de Charles Bennett.
¿Pero cómo clasificamos una película como “Psycho” (1998), de Gus Van Sant?
Es, sin duda, una copia bastante precisa del original, y prácticamente el único en este género.
¿Debemos preguntar, “por qué molestarse”, o simplemente entender, y aceptar, que los espectadores quieren películas de color, especialmente en televisión?
Como anécdota, algunos espectadores actualmente incluso llaman al canal de televisión durante una emisión en blanco y negro, para verificar que su televisor no esté estropeado…
Bueno, no arrojemos acusaciones ante la televisión, pues nos ha permitido a muchos de nosotros descubrir el talento de Sir Alfred Hitchcock, y durante varios años se han producido películas de televisión en grandes cantidades, aunque, por desgracia, no siempre de gran calidad; solo algunas de esas producciones, intentaron revivir un estilo particular, el del género “suspense”; y pocos de ellos resultaron notablemente exitosos.
A otros “remakes” puede que les haya ido mejor, probablemente porque el tema o la historia era más apropiado para el estilo, o los directores empujaron sus películas en una nueva dirección, dejando atrás el original... lamentablemente, quedando en el olvido, que ni la TV se anima a reprogramar.
Y es que las producciones de alta calidad, en “remake” son muy raras, véase a Peter Jackson… y entre los originalmente destinados para la presentación teatral, encontramos algunas sorpresas agradables, pero una vez más, solo aquellos en los que las películas y sus directores se diferencian y se distancian de las producciones originales.
La verdad es que, independientemente del medio elegido, cuanto más uno sigue los pasos de Hitchcock, menos probable es el resultado, lo cual es lógico.
La verdadera frustración con los “remakes” del Maestro del Suspense proviene en gran medida, del hecho de que Hitchcock no aparece en ellos.
Sin duda, esta es la razón por la que los “remakes” de su serie televisiva de 1955 a 1962, “Alfred Hitchcock Presents”, en 1985 a 1986, siempre incluyeron su presencia al principio y al final de la acción, como en los programas originales.
La más divertida de la serie, es incontestablemente “South by Southeast”, no es en realidad una nueva versión, como muchas otras de la serie; un resumen por excelencia de las muchas “referencias veladas” al irrepetible Hitchcock.
“Ach, mein Schatz, du musst diese Tränen retten.
Sie werden sehr, sehr nützlich in meinem neuen Spiel sein”
(Ah, querida, debes guardar esas lágrimas.
Serán muy, muy útiles en mi nueva obra)
Das Mordverbrechen, zumindest in Deutschland, wird leidenschaftslos beurteilt.
Weder Schönheit noch Jugend keine Provokation, kann...”
(No necesito recordarle que a los ojos de la ley, los hombres y las mujeres son iguales.
El crimen de asesinato, al menos en Alemania, se juzga desapasionadamente.
Ni la belleza ni la juventud, ninguna provocación, pueden ser...)
No todas las obras de Alfred Hitchcock son películas de suspenso; como tampoco son todos los “remakes” de sus películas…
Sin embargo, es útil tener en cuenta la definición de Douchet, que se mantiene como una de las mejores hasta la fecha de esta palabra, tan inextricablemente vinculada al Maestro del género.
Sobre el tema de las definiciones, aclaremos un punto:
“Remake” es una película que cuenta la misma historia, a menudo con el mismo título, que una producción anterior.
Además, en la medida en que Hitchcock rara vez escribió sus propios guiones, utilizando material de fuentes externas, como novelas, obras de teatro, ideas de guionistas; los “remakes”, por regla general, se basan en el mismo material fuente que las películas originales.
¿Entonces por qué solo algunas de las películas de Hitchcock inspiraron la reelaboración, a veces muchas veces?
Tal vez podríamos agregar:
¡Por dicha más de la mitad de ellas han escapado a tal destino!
Por supuesto, es difícil responder en nombre de directores y productores... pero la hipótesis clásica en la que proclamarían:
¡Vamos a volver a hacer lo que ya ha demostrado ser exitoso, ya que esto aumentará nuestras propias posibilidades de éxito!
No se puede descartar.
¡Mientras no utilicen el título original!
Vale la pena señalar, que la mayoría de estas producciones “rehechas” son en inglés, la mayoría son de Hollywood, y ocasionalmente australianas; y al menos 5 de los “remakes” o variantes, se basan, al igual que las películas originales, en las historias de Daphne du Maurier…
Esto puede ser solo una coincidencia, o podría ser que las obras de Hitchcock, ligeramente “anticuadas”, tengan alguna atracción especial para el público de hoy…
El mismo Hitchcock hizo la prueba de repetirse para llegar a 2 públicos completamente diferentes, usando la misma película, y con éxito.
“Ich versichere Ihnen, Inspector, ich bin nicht die andere Frau in diesem Fall”
(Le aseguro, inspector, que no soy la otra mujer en este caso)
Mary es una película de suspense, del año 1931, dirigida por Alfred Hitchcock.
Protagonizada por Alfred Abel, Olga Tschechowa, Paul Graetz, Lotte Stein, Ekkehard Arendt, John Mvlona, Louis Ralph, Hermine Sterler, Fritz Alberti, Else Schünzel, Julius Brandt, entre otros.
El guión es de Clemence Dane, Helen de Guerry Simpson, y Alma Reville; basados en la obra “Enter Sir John” de Clemence Dane y Helen Simpson; y es una coproducción entre El Reino Unido y Alemania; junto a la British International Pictures; y es una versión que se hizo en alemán para la República de Weimar sobre la película “Murder!” de 1930; la cual se filmó en Inglaterra con actores alemanes, utilizando los mismos escenarios, y sólo 2 de los actores están en ambas versiones.
Se trata pues de un remake total, con planos exactos de la original, salvo por el detalle notable de que dura 20 minutos menos.
Como dato, durante mucho tiempo se pensó que Mary se había perdido, y no estaba disponible legalmente en ningún formato de video hasta el 21 de abril de 2006, cuando la película se lanzó como un extra en el DVD alemán de “Murder!” (1930); y 2 meses después, el 20 de junio de 2006, también fue lanzado en un DVD francés de “Jamaica Inn” (1939)
La acción sigue a Mary Baring (Olga Tschechowa), una mujer que es acusada de asesinato, y condenada a muerte.
Un miembro del Jurado, Sir John Menier (Alfred Abel), empieza a investigar por su cuenta, intentando demostrar su inocencia.
Mary, es virtualmente idéntica a la versión inglesa en términos de trama y composición de disparos; y la diferencia más significativa, es que le falta gran parte del humor de “Murder!”, y es más oscuro y curiosamente más moderado.
Pero hay una diferencia en la trama significativa, que es la explicación de por qué Mary no testificaría contra Handel Fane (Ekkehard Arendt)
En el versión en inglés, el personaje es de raza mestiza, algo que lo habría convertido en un paria social en ese momento; mientras que en la versión alemana, él es simplemente un convicto fugado.
En la novela original, el secreto de Fane es que él es homosexual, que es algo que Hitchcock insinúa en ambas versiones de la película.
Todo un motivo de escándalo para época.
“Ich fürchte, Sie haben dieses Mal Pech, Inspector.
Das ist Händel Fane, eine hundertprozentige Frau.
Mr. Fane ist unser führender Mann”
(Me temo que no tiene suerte esta vez, inspector.
Este es Handel Fane, cien por cien hombre/mujer.
El Sr. Fane es nuestro hombre principal)
Por lo general, las versiones extranjeras “paralelas”, fueron hechas por un cineasta del país que quiere ese objetivo.
Aquí, por el contrario, es el mismo director de la versión original, Alfred Hitchcock, quien realiza la versión alemana con actores totalmente diferentes.
También, podemos pensar que fue porque Hitchcock filmó sus 2 primeras películas en Alemania:
“The Pleasure Garden” (1925) y “The Mountain Eagle” (1926), esta última considerada perdida, que no dudó en pegarse un tiro en el estudio de Elstee.
Posteriormente, Alfred Hitchcock regresaría para hacer “Juno and The Peacock” (1930) y probablemente también estaba feliz de volver a un drama criminal.
Por tanto, al hacer su película “Murder!”, Alfred Hitchcock recibió el encargo de hacer también una versión alemana de la película.
Hitchcock no estaba familiarizado con el cine alemán, había comenzado su carrera trabajando en Alemania, haciendo títulos, y sentía que estaba lo suficientemente familiarizado con el idioma para hacerlo funcionar, y se acercó a hacer esta otra versión de una historia que le gustaba mucho.
Y le tenía tanto cariño, que insistió en que no se hicieran cambios en el guión, salvo en la traducción del idioma, y finalmente hizo una buena dosis de la película casi exactamente igual a la otra versión, con Mary también siendo filmada en los mismos conjuntos de escenarios, solo con diferentes actores.
Su camarógrafo sigue siendo el mismo, Jack Cox, y la película se ve tan bien como la original, con la misma sensibilidad que se muestra aquí.
El mismo uso de la música, también se conserva, el uso de “Tristan und Isolde” se conserva.
Salvo uno de los problemas con la película original, fue un problema relativamente leve, y era que con cierto grado de problemas de estimulación, y siendo este unos 20 minutos más corto, ya no es motivo de preocupación.
Sí, esta versión es más reducida, y eso es en cierta forma, una ventaja que tiene sobre su predecesor, pero sucedió algo más en la traducción, pues el subtexto falta en gran parte.
Así las cosas, después de “The Lodger – A Story of The London Fog” (1927) y “Blackmail” (1929), el tercer “thriller” de Hitchcock y uno de los pocos “whodunits” en su carrera que es una narración que al propio Hitchcock siempre le pareció aburrida; pero la película saca su tensión sobre todo de la cuestión de, si logra salvar a la presunta asesina condenada de la muerte, o no.
El trabajo en el guión no fue tan fácil, y cuando comenzó el rodaje, los diálogos faltaban en algunos lugares.
Hitchcock, por tanto permitió a los actores improvisar sus diálogos.
Más tarde, quedó insatisfecho con el resultado, diciendo:
“El resultado no fue bueno.
Demasiados descansos.
Estaban demasiado apegados a lo que deberían decir.
La espontaneidad que esperaba, no se materializó”, dijo Hitchcock a François Truffaut en 1962.
Por lo que Hitchcock convirtió a Mary, en una versión en alemán paralelamente a la obra original: “Enter Sir John”, escena por escena en el mismo escenario con el mismo equipo, pero excepto por 2 papeles secundarios, con actores alemanes.
Mary, además es casi media hora más corta que la original, aunque se tomaron todas las líneas argumentales y no se eliminó ninguna escena.
Sin embargo, los diálogos se han simplificado, y se han eliminado muchos detalles pequeños, especialmente aquellos que daban a la original, un toque ligeramente gracioso.
En retrospectiva, el hecho de que el asesino sea un mestizo, como en el original en inglés, un convicto fugitivo, es notable que es una película hecha para el mercado alemán en 1930.
Y es que hubo algunos problemas con la traducción del guión y el giro.
Hitchcock, que hablaba solo moderadamente alemán, calculó mal las dificultades que surgen debido a los diferentes hábitos y diferentes usos lingüísticos.
Además, hubo problemas con el actor principal, Alfred Abel, que se negó a reproducir escenas individuales como lo requería Hitchcock…
A pesar de todo, la trama es la misma:
Mary Baring, conocida como Diana en la versión en inglés, es miembro de una compañía teatral de drama itinerante.
Un día, cuando es encontrada sin memoria junto al cuerpo de una colega, todas las circunstancias indican que ella ha cometido el crimen.
En el juicio por asesinato, el dramaturgo, autor y actor, Sir John Menier, es el único miembro del jurado que tiene dudas sobre su culpabilidad hasta el final.
Se inclina, sin embargo, ante la presión de los otros jurados, y finalmente acepta la culpabilidad de Mary.
Impulsado por su conciencia culpable, Sir John va por su cuenta a buscar al verdadero culpable.
También se siente cómplice de su convicción, ya que resulta que conoce a Mary de antes, que una vez se había postulado al teatro como actriz, pero se negó.
Con 2 asistentes, una pareja de actores de la compañía de Mary, busca y encuentra a Handel Fane, un actor y acróbata con tendencias travestis, que estaba comprometido con Mary.
Su oscuro secreto, de que es un convicto fugado, y que tiene que evitar ser atrapado nuevamente en cualquier momento, es lo que sabe Mary.
Cuando la colega quiso contárselo, Fane la mató, estando Mary presente.
Como Sir John todavía no está al tanto de este motivo, pero asume que lo perpetraron a pesar de la evidencia dada, quiere acorralar a Fane; por lo que lo deja audicionar para una supuesta “nueva obra”, donde el texto que se presenta, tiene referencias claras al caso Mary Baring.
Fane entra en pánico, y se va de la oficina de Sir John…
Posteriormente, en una actuación de circo, Sir John lo visita para interrogarlo nuevamente, y Fane, hallándose culpable por lo que pasa Mary en la cárcel, y para evitarlo él, se suicida en el trapecio, ahorcándose con la cuerda; pero deja una confesión por escrito; y Mary Baring sale libre.
Ella es recogida de la prisión por Sir John, en un auto... mientras que en la película original, termina con una actuación conjunta de Mary y Sir John en su teatro.
Según un crítico, a los alemanes les hubieran gustado más cambios en el filme…
Hitchcock, que había aprendido la mayor parte de lo que sabía de los cineastas alemanes, no aprovechaba la oportunidad de ser más aventurero en su cinematografía y puesta en escena del modo que marca las películas de los grandes directores alemanes hasta la fecha., una Edad de Oro pronto será despojada de su brillo por la locura y el filisteísmo de Herr Hitler...
Por lo que, utilizando habilidades técnicas alemanas, podría haber hecho una versión diferente…
Entre algunos cambios que obtuvieron los alemanes de la versión británica, se toma muy en serio el extremadamente desagradable tono racista y homofóbico de su conclusión, con el villano que está muy claramente marcado como un pensamiento de media casta, al ser condenado al ostracismo en ambas versiones.
El personaje antagónico, todavía trabaja como acróbata travesti, pero la noción de que es homosexual, derivado de la novela danesa, apenas existe, y su motivo de asesinato ya no es ocultar que tenía “sangre negra” como en la versión en inglés...
Una noción que no horrorizó al público alemán que, incluso bajo Hitler, y cualquier cosa que Hitler pudiese haber pensado, dio una bienvenida tremendamente cálida y entusiasta al atleta Jesse Owens 5 años más tarde en Las Olimpiadas, ya que Owens mismo testificaría sardónicamente a su regreso a un Estados Unidos segregados.
Pero en esta versión, Fane es simplemente un ex convicto que desea ocultar su pasado criminal; y es fácil leer la historia al revés, y olvidar que el período de Weimar en Alemania fue de hecho notable por su amplitud mental, con películas que tratan la homosexualidad “con simpatía”…
En cuanto a Hitchcock y el racismo:
¿Cuántos rostros afroamericanos puedes recordar en todas las películas que El Maestro hizo en EEUU, un período que incluyó la vida y muerte de Martin Luther King, el movimiento de Derechos Civiles, la legislación Johnsoniana que transformó la sociedad estadounidense, el apogeo de Mohamed Ali, el movimiento Black Panther?
Así que estos cambios importantes en esta película, son un recordatorio de que aún en 1931, el racismo y la homofobia, que eran perfectamente aceptables en Gran Bretaña, se consideraron inapropiados en Alemania; y 2 años más tarde, por desgracia, tanto El Estado alemán como el cine, estarían en manos de fanáticos suicidas y homicidas.
Por lo que este es quizás el más oscuro de los largometrajes de Alfred Hitchcock, al momento, a veces incluso omitido de su lista de obras, que sin embargo, esto no es simplemente una versión alemana de “Murder!”, ya que tiene un reparto diferente, tiene una duración menor, y cambia algunos de los nombres de los personajes, notablemente, la mujer acusada, Diana Baring, se llama Mary aquí, e incluso le da un nuevo nombre al título de la película.
No solo Mary elimina los elementos cómicos que levantaron “Murder!” de lo mundano, también extrañamente, eliminó algunos de los elementos que uno podría sugerir como de naturaleza expresionista:
La sombra de la soga, por ejemplo.
Y es cierto que se utilizaron los mismos conjuntos y actores, donde solo Miles Mander se utilizó en ambas producciones, teniendo cierta habilidad para hablar el idioma alemán, pero su papel es relativamente pequeño.
Por lo que “Murder!” es a pesar de algunas debilidades, un “thriller” ya bastante complejo con varios niveles narrativos, con varios patrones y motivos que impregnarán la carrera posterior de Hitchcock, como el tema de los perseguidos inocentes, llamados por él “Falsos Culpables”, la mezcla de teatro o juego y la realidad; la incapacidad de la policía, la exploración de la viabilidad técnica, y en esta versión, con efectos de sonido; o largos ángulos de cámara que entonces eran todavía bastante difíciles de lograr.
Por ejemplo, en cuanto el sonido, en una escena, mientras Sir John se afeita, se escucha una música de radio, es “Tristan und Isolda”, la parte final de la ópera; al mismo tiempo que uno escucha sus pensamientos en esta escena.
Hitchcock hizo esto primero, teniendo a Herbert Marshall en “Murder!”, hablando en una grabadora, que luego se reprodujo durante la escena actual.
Al mismo tiempo, detrás de la pared de la habitación, había una orquesta de 30 hombres, que simultáneamente reproducía la música en la escena, ya que un ajuste de música posterior de una escena de diálogo, no era posible en ese momento.
Y como era de esperar, la tematización del travestismo, de la homosexualidad supuesta o real, y de las afiliaciones raciales, fueron especialmente un motivo para el asesinato audaz, desde ese punto de vista, y desde la perspectiva de hoy, ciertamente más que cuestionable.
Esta debilidad dramatúrgica fue una de las razones por las cuales “Murder!”, generalmente se clasifica más bajo que otras películas de suspense de Hitchcock.
Sin embargo, Éric Rohmer y Claude Chabrol cuentan en 1955, en su libro de Hitchcock, que “Murder!” es una de las 3 mejores películas británicas de Hitchcock; y esta versión alemana de la película, es superior a la inglesa en su conveniencia, incluso si conserva la breve teatralidad del coro de jurados suplicando a Sir John en unísono virtual, para explicar lo que tiene que decir a su insistencia dogmática en un veredicto de culpabilidad.
¡Pero incluso esa escena está más truncada!
Algunos de ellos pueden ser más cortos en el sentido de tener una edición más ajustada, y la entrada anterior, ayuda a informar decisiones más nítidas, pero también puede tener que ver con lo que llevó a una pérdida de subtexto, y esa pérdida es la clave.
Y es que Hitchcock sentía que podía manejar una película en lengua alemana lo suficientemente bien, pero descubrió durante el rodaje, que parte de la astucia del texto original, no se traducía.
El ingenio, el lenguaje que entró en el examen cuidadoso de la sociedad, la pomposidad, el tema velado de la identidad y la homosexualidad, no está tan presente en esta versión; además, algunas escenas tuvieron que ser recortadas debido a lo que no se tradujo directamente, y lo que, como Hitchcock describió, su nuevo actor principal tuvo dificultades para entender el idioma.
Es una pena, pero es un producto de la traducción y, en cierto modo, un producto de la cultura en el momento que lleva a esta versión, a ser una toma más desinfectada.
Esto no es del todo malo, no del todo.
Es una gran pérdida, seguro, y un golpe contra algo de lo que hizo “Murder!” especial, pero Mary todavía contiene la estructura inteligente y los elementos de la historia que hicieron que la historia sea una visión única de lo que podría haber sido completamente mecánico.
Debido a la naturaleza de la historia, todavía es una buena medida sobre un hombre que opera contra el sistema que es rápido para condenar, y apenas tan infalible como uno podría desear que sea un sistema de justicia.
Al tiempo que muestra la frialdad de la sociedad, como la que se muestra incluso en el veredicto que se lee en el tribunal, cuando vemos que un conserje limpia la habitación vacía del jurado.
Como de costumbre, de hecho, algo que Hitchcock también mostró en “Blackmail”
Esta sigue siendo una película atractiva con un clímax de asesinos..
En general, algunas de las cosas que quedan en comparación con “Murder!” son:
El miembro del jurado que no tiene ni idea; el capataz del jurado tiene dificultades para obtener las boletas en las pilas correctas; el jurado saliendo de la sala del jurado a la corte, y sir John esperando antes de levantarse y unirse a ellos; el sirviente llevando la radio al baño, y el coloquio con el sirviente en ese punto; el monólogo interior es mucho más corto; el diálogo en la escena inmediatamente después es más corto, también, el baño y la escena posterior están secuenciados incorrectamente, de modo que parece que se está afeitando nuevamente después de que terminó; la casera no está presente cuando la pareja recibe la llamada de Sir John, por lo que el engaño sobre ellos, debido al alquiler, no está allí; su vestimenta frenética, y preparándose para la visita de Sir John; la foto de los pies del gerente de escena, en una alfombra súper suave, que le muestra cómo se siente; la escena donde miran el salón con la casera es mucho más corta, y viene después de la escena donde miran su habitación; engañando a la casera usando una voz aguda; el cameo de Hitchcock en la calle no existe; inclinar al gerente del teatro después de que inspeccionan el teatro; la escena con todos los niños es mucho más corta, con el gato debajo de las sábanas, eliminado, los mismos niños, sin embargo; los niños no se sientan en el baúl, por lo que el diálogo sobre el uniforme del policía en el baúl no debe estar allí; el llamativo golpe aéreo de Mary en su celda, y la sombra de la soga; la escena de Sir John con Mary es más corta, más fría, y al final no hablan del teatro; la escena de Sir John y el director de escena en la audiencia del circo, donde hablan de atrapar al asesino con una obra de “Hamlet” es mucho más corta; cuando el asesino se ahorca, hay una edición de sonido algo más dramática, tal vez para encubrir el hecho de que no hace un muy buen nudo… el asesino llevado en una camilla; la secuencia de Sir John y Mary en el tren es más corta; y la toma de los personajes en el escenario al final.
Algunos de los chistes siguen ahí, pero presentados de una manera tan rudimentaria, que apenas se notaría.
Por ejemplo, cuando Sir John se da cuenta de que su invitado está usando una cuchara pequeña para la sopa, hace lo mismo, y cuando pone su Martini de oliva en la bandeja, los invitados no saben qué hacer con la suya; ambos incidentes todavía ocurren, pero sin reacciones de los actores para señalar los “gags”
Abel se parece mucho a Marshall, lo cual es muy desconcertante, porque la actitud de la clase alta británica que informa todos los aspectos de la versión en inglés, está completamente ausente.
Otra oportunidad perdida, fue con el motivo del asesinato, pues durante toda la película, la única pregunta que quedó sin respuesta fue:
¿Qué iba a revelar la víctima sobre el hombre, probablemente, el asesino para que la mataran?
Sabemos que hay un secreto que revelar, es un misterio que permanece sin resolver, pero cuya necesidad en cuanto a la trama se pierde cuando ha cumplido su propósito, que es desenmascarar al verdadero asesino.
¿Aquí se hablaría entonces del “mcguffin”?
Una vez que se hace justicia, por supuesto, queremos saber el secreto, y uno de los protagonistas hace la pregunta, pero en serio:
¿Hubiera sido alguna respuesta tan satisfactoria como tener al viejo Hitchcock haciendo un gran corte antes de que lo sepamos?
Sin embargo, hay 2 secuencias destacadas que hacen que valga la pena mirar la película, y redimir la falta de atractivo del resto:
Una que tiene lugar en la sala del jurado, y otra en el circo.
Me niego a creer que la secuencia de la sala del jurado no inspiró, ni un poco, la composición de “12 Angry Men” (1957), es lo más parecido a las vibraciones claustrofóbicas y psicológicas que hicieron que Reginald Rose interpretara la adaptación, y la película como un espectáculo emocionante, hecha 2 décadas antes.
Ahora, el segundo es Hitchcock puro, y es aún más divertido decirlo, ya que tenía 32 años cuando lo hizo, pero el clímax de la película es prever su locura por las emociones que culminan en los lugares más peculiares y coloridos.
Aquí un circo, y durante un número de trapecio, un suicidio.
Y gusta la forma tan oscura del desarrollo, que queda emocionalmente gratificante.
Del reparto, el nuevo elenco está muy bien delineado y, aunque es extraño verlo como una película de Hitchcock, a pesar de sus propias reservas con el idioma, no es un desastre completo:
Miles Mander y Esme V. Chaplin, son los únicos actores que aparecen tanto en esta película, como en “Murder!” (1930)
Mander repite su papel como Gordon Druce, aunque el nombre del personaje se cambió a Gordon Moore; mientras que Esme V. Chaplin interpreta al fiscal en ambas películas
Donde tuvimos a Herbert Marshall en “Murder!”, tocando la voz disidente de Henry Fonda en el jurado; aquí tenemos a Alfred Abel, que es una especie de hombre sin emociones, quizás por haber hecho Joh Fredersen en el clásico de Fritz Lang, “Metropolis” (1927)
Toda la pompa, el arte y el curioso esmero, se muestran en la representación de Abel, de este hombre que busca justicia, y ser amable, pero también a veces mira a través de un barniz del mundo del teatro, y es una actuación central fantástica.
Sin embargo, gustó la actuación de Olga Tschechowa como Mary, una chica bonita que aún puede influir en los hombres del jurado por su encanto físico.
Mary Baring es una sólida presencia de la niña conmocionada y perturbada, aunque no tan convincente como Norah Baring, que no confía tan tentativamente, pero esto es parcialmente el resultado de que la escena clave del personaje en la cárcel, no sea entregada dinámicamente como para culpar a Tschechowa, y puede no ser el motivo de discordia.
Otros, Paul Graetz y Lotte Stein, interpretan a Bobby y Bebe Brown, respectivamente, y lo hacen con un encanto que transmite una familiaridad rápida que funciona, incluso si no sobresalen tan dinámicamente como podrían haberlo hecho.
Odio seguir insistiendo en la comparación, pero Edward Chapman como Ted Markham en “Murder!” dejó marca con un buen tiempo cómico y presencia, que la parte estaba bien coloreada como alguien que quería ayudar.
Mientras la falta de presencia completa, también se puede decir comparando a Ekkehard Arendt con Esme Percy como Fane; aunque Arendt no es mediocre en absoluto, es solo que la imagen de Percy fue tan vívida y perfecta, que la versión de Arendt parece ligeramente rígida en comparación.
Por todos lados, esta es una película bien actuada, con Abel siendo un foco central más fuerte, pero parte del color se pierde en los lados.
Como dato, el personaje de Sir John Menier, estaba basado libremente en el amigo de Alfred Hitchcock, el actor Gerald du Maurier.
Hitchcock, luego dirigió 3 películas adaptadas de novelas de la hija de du Maurier, Daphne Du Maurier:
“Jamaica Inn” (1939), “Rebecca” (1940) y “The Birds” (1963)
La fama es que Hitchcock tuvo dificultades con Alfred Abel, quien interpretó a Count Told en la saga de “Dr. Mabuse” de Fritz Lang; pero la película nunca sufre de este supuesto antagonismo, y el resultado es en cualquier caso, más oscuro y ambiguo que la versión británica.
Como se dijo, Alfred Hitchcock no tiene cameo, pues en “Murder!” (1930) se le ve más o menos una hora después de arrancada la película, pasando junto a la casa donde se cometió el asesinato.
Por último, además de la música original compuesta por John Reynders, la película utiliza la apertura del preludio “Tristan und Isolde” de Richard Wagner como telón de fondo, supuestamente, como una transmisión de radio que escucha Sir John en la escena del afeitado.
Para la filmación de esa escena, una orquesta tocó la música en vivo en el set.
Hitchcock describió la filmación de esta escena a François Truffaut en la entrevista de larga duración, “Hitchcock / Truffaut” en New York, en 1967.
Y es que en los primeros días del cine sonoro, no había forma de grabar el sonido, por lo que Hitchcock grabó la voz de Herbert Marshall, en “Murder!”, en un disco de fonógrafo, que se reprodujo durante la filmación de la escena, mientras la orquesta tocaba la música de fondo en vivo, supuestamente tocando en la radio en el baño de Sir John; para poder rodar la escena; siendo esta es la primera película donde los pensamientos de una persona se presentan en la banda sonora de la película.
“Die Leute sollten sich für sich selbst schämen und diesen ganzen Lärm um diese Zeit aufbringen”
(La gente debería avergonzarse de sí misma, levantando todo ese jaleo a esta hora de la noche)
Alfred Hitchcock es uno de los mejores exponentes que nos regaló El Séptimo Arte, pero ni El Maestro del Suspense, puede escapar a que lo “reversionen” y homenajeen constantemente:
De Palma, Jonathan Demme, Robert Benton, Nicolas Roeg, e incluso Mel Brooks y Steven Spielberg… la lista continúa.
¿Y qué hay de la influencia de Hitchcock y la atmósfera de “Hitchcock”?
Y eso plantea la siguiente pregunta:
¿Cuántas veces hemos visto el adjetivo “hitchcockniano”; y con qué frecuencia aparece en las publicaciones dedicadas al tema del cine?
¡Podría figurar en El Libro Guinness de Los Records…
Alfred Hitchcock, ciertamente es digno de eso, pero este término siempre se usa apropiadamente…
Es un hecho que Hitchcock, solo puede rehacerlo Hitchcock.
Un ejemplo de un “remake” es la 2ª versión de Hitchcock de “The Man Who Knew Too Much” (1956), basada en su película homónima de 1934, y su guión de Charles Bennett.
¿Pero cómo clasificamos una película como “Psycho” (1998), de Gus Van Sant?
Es, sin duda, una copia bastante precisa del original, y prácticamente el único en este género.
¿Debemos preguntar, “por qué molestarse”, o simplemente entender, y aceptar, que los espectadores quieren películas de color, especialmente en televisión?
Como anécdota, algunos espectadores actualmente incluso llaman al canal de televisión durante una emisión en blanco y negro, para verificar que su televisor no esté estropeado…
Bueno, no arrojemos acusaciones ante la televisión, pues nos ha permitido a muchos de nosotros descubrir el talento de Sir Alfred Hitchcock, y durante varios años se han producido películas de televisión en grandes cantidades, aunque, por desgracia, no siempre de gran calidad; solo algunas de esas producciones, intentaron revivir un estilo particular, el del género “suspense”; y pocos de ellos resultaron notablemente exitosos.
A otros “remakes” puede que les haya ido mejor, probablemente porque el tema o la historia era más apropiado para el estilo, o los directores empujaron sus películas en una nueva dirección, dejando atrás el original... lamentablemente, quedando en el olvido, que ni la TV se anima a reprogramar.
Y es que las producciones de alta calidad, en “remake” son muy raras, véase a Peter Jackson… y entre los originalmente destinados para la presentación teatral, encontramos algunas sorpresas agradables, pero una vez más, solo aquellos en los que las películas y sus directores se diferencian y se distancian de las producciones originales.
La verdad es que, independientemente del medio elegido, cuanto más uno sigue los pasos de Hitchcock, menos probable es el resultado, lo cual es lógico.
La verdadera frustración con los “remakes” del Maestro del Suspense proviene en gran medida, del hecho de que Hitchcock no aparece en ellos.
Sin duda, esta es la razón por la que los “remakes” de su serie televisiva de 1955 a 1962, “Alfred Hitchcock Presents”, en 1985 a 1986, siempre incluyeron su presencia al principio y al final de la acción, como en los programas originales.
La más divertida de la serie, es incontestablemente “South by Southeast”, no es en realidad una nueva versión, como muchas otras de la serie; un resumen por excelencia de las muchas “referencias veladas” al irrepetible Hitchcock.
“Ach, mein Schatz, du musst diese Tränen retten.
Sie werden sehr, sehr nützlich in meinem neuen Spiel sein”
(Ah, querida, debes guardar esas lágrimas.
Serán muy, muy útiles en mi nueva obra)
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